Ejercicio de futuros para las artes contemporáneas. De la circulación a la viabilidad cultural.
Desde el Laboratorio de Arte y Futuros de Memética propongo leer, a partir de una serie reciente de posteos publicados en el Instagram de Esfera Pública, un conjunto de señales de cambio. La intención no es reseñar esas discusiones, sino observarlas como indicios de una transformación más profunda en curso: una posible transición desde un ecosistema centrado en la circulación hacia una pregunta más exigente por las condiciones que hacen posible la creación artística.
El arte contemporáneo parece estar entrando en una fase de fatiga metabólica. Produce más discurso, más programación y más actividad pública; simultáneamente, muestra dificultades crecientes para preservar aquello que permite crear, investigar y sostener. Desde fuera puede verse activo. Por dentro, puede estar consumiendo los recursos que necesita para seguir produciendo sentido.
Para los estudios de futuros, una señal es una pista situada, todavía parcial o incipiente, que permite advertir que algo podría estar cambiando antes de que sea reconocido como tendencia, crisis o transformación consolidada. Su valor no está en predecir lo que ocurrirá, sino en abrir preguntas. En este ejercicio ponemos el horizonte temporal en 2030 como un marco de exploración que permite mirar la actualidad con algo de distancia para preguntarnos qué podría ocurrir si estas tensiones se intensifican.
Los indicios revisados no apuntan a hechos aislados. Ponen en evidencia cinco núcleos de transformación: cómo se distribuye el valor dentro del sistema artístico, quién puede sostener una trayectoria, qué ocurre cuando el lenguaje de lo común es absorbido por la institución, quién define la legitimidad y qué condiciones permiten que una obra sea realmente recibida. Vistas de este modo, las reflexiones dejan de ser episodios sueltos y comienzan a funcionar como síntomas de una reorganización posible.
El primer núcleo aparece en los recursos desplazados de la creación. En una de las publicaciones se afirma:
En otra, la ironía se vuelve todavía más explícita:
Estas frases revelan una tensión central: la estructura puede financiar con mayor facilidad la representación institucional de la actividad que el trabajo artístico que la hace posible. El conflicto no se reduce a la falta de fondos. También involucra criterios de distribución, jerarquías internas y formas de valoración que vuelven aceptable que la creación quede al final de la cadena presupuestaria.
Llevada hacia 2030, esta pista abre dos trayectorias opuestas. Una podría profundizar la precariedad como condición estructural del campo. La otra podría empujar una redefinición del artista como trabajador cultural, con derechos, contratos, honorarios, tiempos y responsabilidades claras. La diferencia dependerá de si esta incomodidad se transforma en criterio institucional o si permanece como malestar individualizado.
El segundo núcleo habla de las posibilidades de una trayectoria. Una frase lo plantea con crudeza:
Otra profundiza el problema desde un plano anterior:
Estas pistas obligan a mirar una capa que el relato público suele omitir. Muchas carreras no se sostienen sólo por facilidad, vocación o insistencia. Lo hacen porque existen redes privadas capaces de financiar la espera. El problema no comienza cuando alguien no accede a una beca, comienza mucho antes: en la posibilidad misma de imaginarse artista y disponer de tiempo.
Hacia 2030, esta tensión podría producir una paradoja compleja: encontrarse formalmente más abierto y materialmente más selectivo. Podrían multiplicarse las convocatorias mientras la permanencia real queda reservada a quienes cuentan con soportes patrimoniales. La pregunta anticipatoria es si la diversidad será medida por acceso inicial o por posibilidad efectiva de continuidad.
El tercer núcleo se expresa en la institucionalización de lo común. Esfera Pública lo formula así:
La tensión no está en el uso de esas palabras, sino en su separación respecto de las prácticas que les dieron fuerza. Cuando los lenguajes de lo común son incorporados sin redistribuir poder, o capacidad de decisión, la participación pierde sentido. Un sistema puede hablar cada vez más de comunidad mientras administra cada vez más estrechamente sus posibilidades reales. Si esto se intensifica hacia 2030, podría abrirse una crisis de confianza entre comunidades, artistas e instituciones culturales. El riesgo es que el lenguaje de la colaboración termine sustituyendo a la colaboración misma.
El cuarto núcleo apunta a la disputa por la legitimidad. La pregunta aparece formulada de manera directa:
Esto muestra la falta de neutralidad. La legitimidad no se distribuye sólo por la calidad de una obra, sino por el marco que la contiene, el lenguaje que la acompaña, las redes que la validan y las instituciones que la inscriben en determinados espacios de valor.
La trayectoria que se insinúa hacia 2030 es una disputa por los criterios de reconocimiento: quién valida, desde dónde, con qué vocabulario y bajo qué intereses. Podrían crecer circuitos curatoriales, críticos y editoriales alternativos que cuestionen la autoridad automática de ciertas instituciones. También podría ocurrir lo contrario: que el sector refuerce sus filtros, concentre aún más la legitimidad y haga más estrecho el acceso a aquello que se reconoce como complejo. Más sitios de circulación no garantizan una lectura más plural si los criterios de valor siguen organizados de manera piramidal.
El quinto núcleo se relaciona con la crisis de la atención. Una de las frases desmonta una promesa central de la cultura digital:
Otra plantea una salida:
Una tercera introduce una tensión necesaria:
Estas señales hablan de un mismo desplazamiento: exponer no garantiza recepción. El desafío hacia 2030 no será sólo atraer públicos, sino formar capacidades de percepción. Museografías, tiempos de visita, programas públicos y formatos educativos deberán evaluarse por la calidad de atención que producen más que por la cantidad de personas que convocan. La pregunta estratégica dejará de ser cómo lograr más alcance y pasará a ser cómo articular contextos donde una obra pueda ser realmente recibida.
Aquí aparece una pregunta más profunda para el porvenir: no sólo cómo sostener el arte que ya existe, sino qué tipo de sensibilidad tendremos hacia 2030 si el sistema actual no revisa sus propias condiciones y lo vuelve viable. Por viabilidad cultural entiendo la capacidad para sostener en el tiempo las condiciones que permiten que la creación artística exista, madure, circule y sea recibida. La misma tiene al menos cuatro capas:
Una dimensión material, porque sin tiempo y remuneración no hay continuidad.
Una dimensión simbólica, porque sin legitimidad distribuida no hay reconocimiento plural.
Una dimensión relacional, porque necesita sus comunidades, mediaciones y redes de apoyo.
Una dimensión atencional, porque sin capacidad de recepción la obra puede circular sin ser realmente experimentada.
Por eso, no solo hay que mirar los indicios de deterioro, habrá que observar también: experiencias que ensayan honorarios, modelos cooperativos de producción, curadurías lentas, mediaciones centradas en atención, entes que redistribuyen decisión hacia comunidades, circuitos críticos independientes y formas de financiamiento que protegen investigación sin exigir rendimiento inmediato. Estas dinámicas todavía pueden ser fragmentarias, pero importan porque muestran que la viabilidad no depende sólo de corregir fallas. También depende de amplificar modos alternativos de organización.
Desde esta lectura aparecen tres trayectorias plausibles hacia 2030.
La primera es un escenario de extracción cultural intensificada. En este escenario aumenta lo cuantitativo, pero con artistas más frágiles y públicos más distraídos. Se sigue mostrando vitalidad mientras se debilita su base de creación. La visibilidad opera como promesa permanente: se participa para seguir estando, se trabaja bajo restricciones porque cada etapa podría abrir otra puerta, se acepta la precariedad como tránsito hacia un reconocimiento que no siempre llega.
La segunda trayectoria es un escenario de profesionalización burocrática. En este escenario mejoran ciertas condiciones formales: aparecen contratos, estándares de pago, métricas de impacto, protocolos, mecanismos de rendición y lenguajes de mediación. Parte de esto puede proteger al artista y ordenar operaciones abusivas. Sin embargo, también puede producir un arte más administrado, más dependiente de formularios, categorías de financiamiento, indicadores y criterios institucionales de validación. La creación gana estructura, pero puede perder margen para el riesgo, la lentitud, el desacuerdo y aquello que todavía no sabe justificarse. Este escenario es importante porque muestra que mejorar condiciones no basta si el resultado es domesticar la potencia experimental del arte.
La tercera trayectoria es un escenario orientado a la capacidad de sostén y continuidad. En este escenario, el campo comienza a evaluarse por aquello que habilita, no sólo por aquello que hace público. Importa cuánto tiempo de creación se protege, cómo se distribuyen los presupuestos, qué comunidades se forman, qué lenguajes conservan valor, qué prácticas reciben validación fuera de los márgenes habituales y qué condiciones permiten que una trayectoria no dependa exclusivamente del sacrificio individual o del soporte familiar. Este escenario exige construir criterios distintos.
Estas trayectorias funcionan como mapas de tensión. Distintos actores las leerán desde preocupaciones distintas. Para un artista, las señales hablan de sostenibilidad vital. Para una institución, de legitimidad futura. Para un gestor público, de criterios de financiamiento. Para un visitante, de experiencia. Para una comunidad, de cuánto poder real existe detrás del lenguaje participativo. El futuro no se definirá sólo por nuevas obras, sino por los acuerdos, conflictos y redistribuciones que se produzcan entre quienes participan.
La pregunta estratégica para los próximos años será dónde intervenir primero, dado que cada acción abre un panorama distinto.
Lo que vemos por ahora es una tensión abierta. Las artes contemporáneas podrían seguir ampliando su superficie mientras se debilita su base. También podrían mirar el presente para rediseñar sus futuros deseables. Entre ambos movimientos aparece el riesgo de una profesionalización que ordene el circuito sin transformarlo de fondo. La diferencia dependerá de la capacidad de los actores para leer sus fricciones como síntomas sistémicos y no sólo como quejas aisladas, disputas coyunturales o discusiones internas entre actores ya conocidos.
Si Esfera Pública funciona como radar, la tarea que sigue es identificar qué situación comienza a insinuarse en estas discusiones. La pregunta no es sólo qué veremos, también habrá que preguntarse qué obras no llegarán a existir, qué artistas abandonarán antes de madurar una voz, qué lenguajes serán absorbidos antes de desplegar su potencia, qué públicos perderán la capacidad de atención necesaria para encontrarse con una experiencia compleja y qué formas de sentir quedarán fuera.
Si estas incomodidades importan es porque abren una pregunta fundamental: cuánta actividad puede soportar un sistema antes de empezar a erosionar aquello que lo propicia.