Entre febrero de 2019 y julio de 2025, esferapública realizó cinco sondeos sobre la economía del trabajo artístico. Más que una encuesta representativa del campo, es el modo en que una audiencia crítica hispanohablante se percibe a sí misma y revela cómo funciona el mercado del arte por dentro, desde distintos grados de acceso.
En los primeros sondeos en febrero de 2019, el 85% de quienes señalan que venden obra, recibe entre 1 y 15 millones al año. En mayo de 2024, el 62% se mantiene en ese rango, lo que indica que la venta de obra no creció sino que se estancó. Las modalidades de venta tampoco tuvieron cambios: comisión directa (52%) y feria o galería (48%) siguen siendo los únicos canales, con porcentajes muy similares. Lo que si tuvo cambios es la composición de los ingresos. En 2019, la franja de 30 a 60 millones anuales aparecía solo en el grupo de labores paralelas –docencia, gestión, curaduría, mediación– y concentraba el 20% de ese grupo. En 2024, el 23% declara entre 30 y 60 millones específicamente por honorarios anuales en labores de curaduría, educación, investigación o contrato con entidades del arte; otro 6% supera los 60 millones por año. El crecimiento no ocurre en el mercado, sino de forma paralela al mercado.
La estructura interna del ingreso se fragmentó. En mayo de 2024, quienes reciben ingresos del arte se reparten casi en cuatro partes iguales: venta ocasional de obra más labores fuera del arte (28%); venta de obra, clases y labores afines (26%); autogestión y convocatorias (25%); curaduría, gestión y trabajo en instituciones (21%). Ninguna fuente predomina. El artista que vive del arte en 2024 combina al menos dos frentes, y ninguno alcanza para sostenerlo.
Lo anterior da para dos lecturas. La primera es la institucionalización parcial del campo: universidades, museos y programas públicos absorben trabajo simbólico y lo remuneran, estabilizando ingresos sin pasar por venta de obra. Una segunda lectura es que la venta primaria se estancó o se contrajo, y esa brecha se cubre con encargos de otro tipo; el 62% que se quedó en ese rango no encontró otra vía. El dato opaco es la sostenibilidad: la franja 30–60 millones puede ser un nivel nuevo o la suma de encargos puntuales que no se repiten.
En junio de 2025, el 73% señala que nunca ha tenido un contrato de trabajo como artista. De ese 27% que sí ha firmado contrato dentro del campo, el 59% lo hizo como docente; como gestor, el 17%; como artista, el 19%; como curador, el 5%. «Artista» figura en cuarto lugar, por debajo de la categoría laboral que financia al artista. El primer trabajo en el campo fue, para el 35%, en eventos temporales; para el 26%, en docencia; para el 25%, como guía; para el 14%, como asistente de galería. La entrada al campo ocurre por la vía menos formalizada. A la pregunta de dónde ha transcurrido la experiencia del mundo del arte, los espacios independientes encabezan con 32%, seguidos de galerías y ferias (29%), instituciones del Estado (24%) y experiencias comunitarias (15%). El circuito comercial no es el espacio dominante de formación profesional; lo es el autogestionado. Donde más se trabaja es también donde menos contratos hay.
A eso se suma la opacidad contractual del mercado primario. En mayo de 2019, el 47% declara que nunca le han pagado cumplidamente al vender obra en una galería; el 53% dice que a veces. La opción «siempre» no existía; el formulario permitía solo dos respuestas. El 43% se entera del porcentaje de la galería después de una venta. La galería colombiana opera con lógica informal: sin contrato de representación, sin calendario de pago garantizado y, con frecuencia, sin porcentaje acordado antes de la venta.
En febrero de 2019, el 91% reporta ingresos entre 0 y 5 millones anuales, menos de la mitad del salario mínimo mensual durante doce meses. En mayo de 2024, el 62% de quienes venden obra percibe entre 1 y 15 millones al año, menos de un salario mínimo mensual. Junio de 2025: el 73% nunca ha tenido un contrato de trabajo como artista. Lo anterior no muestra deterioro ni mejora; muestra estabilidad. Las cifras cambian de rango porque cambia el salario mínimo de referencia; la posición relativa no se mueve.
La formación artística en Colombia se financia con trabajo fuera del campo, y esa condición lleva al menos seis años sin modificarse. Colombia produce cuatrocientos egresados de artes al año, pero no hay un campo laboral estructurado que los reciba: sin contratos, sin precios acordados, sin continuidad. El 89% considera que recuperará la inversión en su formación por oficios paralelos, no por venta de obra.
En julio de 2025: ¿Se estudia arte para conseguir trabajo? La pregunta viene de un comentario de un lector –«no se estudia arte para buscar trabajo»– que esferapública convirtió en sondeo y consultó también al artista y curador William Contreras-Alfonso. El 50% responde «se hace arte y se vive de trabajos paralelos»; el 20%, «no existe la opción de empleos para artistas»; el 19%, «sí, como docente, curador, investigador»; el 11%, «no, hacer arte es un trabajo vocacional». Sumadas, las dos respuestas que niegan una salida laboral propia del arte alcanzan el 70%. La vocación, categoría organizadora del siglo XX, retiene un 11%. El artista del corpus no se forma para ejercer el oficio de artista; se forma para ejercer los oficios que permiten hacer arte.
Mientras las condiciones materiales permanecen, el marco ideológico se desplazó. Para mayo de 2019 el 61% considera que la pobreza voluntaria del artista es sinónimo de autonomía; el 60%, que el artista no interesado en el circuito comercial será más pobre que libre; el 63%, que el artista orientado al mercado será más banal que libre. Las respuestas se sostienen entre sí: el campo afirma simultáneamente que alejarse del mercado empobrece y que acercarse al mercado degrada. En la encuesta de mayo de 2024, al preguntar por «el hacer del artista», el 40% elige «un trabajo como todos los demás». Es la opción mayoritaria entre cuatro. «Proceso creativo con reglas propias» obtiene 27%; «labor con condiciones especiales», 25%; «búsqueda de sentido y conocimiento», 8%. La excepcionalidad del trabajo artístico —ese hacer regido por lógica propia, incomparable con otros oficios— pasa a opción minoritaria. La pregunta ya no es si esto es autónomo o degradante; es de qué tipo de trabajo se trata.
En julio de 2025, lo que más se valora como trabajador del arte es el tiempo para crear (39%) y la estabilidad económica (38%). «Libertad crítica» recibe el 14%. «Comunidad», el 9%. El valor de referencia no es ya la independencia simbólica; es la posibilidad material de trabajar. Entre «tiempo» y «estabilidad» se concentra el 77% de la demanda, una demanda que el campo, a juzgar por los datos contractuales, no cubre. El campo «agota» al 56%; «reta» al 28%; «nutre», al 16%. Es la autopercepción más pesimista del corpus.
El campo no discutió su propia transformación ideológica; simplemente respondió distinto en cada sondeo. Entre 2019 y 2025, «autonomía» pasó de ser la categoría organizadora del discurso artístico colombiano a una opción minoritaria en una encuesta de cuatro preguntas. El vocabulario cambió. Las condiciones materiales se mantuvieron iguales.
Nota metodológica
Cinco sondeos realizados en el perfil de @esferapublica en Instagram entre febrero de 2019 y julio de 2025. Entre 194 y 334 respuestas por sondeo, captadas en ventanas de 24 horas mediante preguntas de opción múltiple en stories. Composición de la audiencia del perfil durante los sondeos: 55% mujeres, 45% hombres. Rangos de edad dominantes: 25–34 años (45%) y 35–44 (25%); 18–24 (15%); 45–54 (8%); 65+ (4%); 55–64 (3%); 13–17 (menos del 1%). Distribución geográfica por países: Colombia (47,3%), España (10,3%), México (9,5%), Argentina (7,8%), Chile (5,7%); el 19,4% restante no está desagregado. Por ciudades, Bogotá concentra el 25,3% de la audiencia; Medellín, el 4,9%; Ciudad de México, el 4,2%; Santiago de Chile, el 4,2%; Buenos Aires, el 3,1%. Menos de la mitad de los respondentes está en Colombia. Los sondeos registran autopercepción de una audiencia hispanohablante vinculada al campo del arte contemporáneo.