Cuando creamos la Free/Slow University de Varsovia (F/SUW) en 2009 con un grupo de colegas comisarios, artistas y pensadores, teníamos una agenda clara en mente. Queríamos recuperar el tiempo que de otro modo se malgastaba en una incesante actividad de proyectos artísticos y académicos para reflexionar sobre las condiciones sistémicas más amplias de la sobreproducción artística. El F/SUW existió durante casi una década antes de disolverse de forma natural, y sus iniciadores y animadores se transmutaron en otros colectivos. Durante su vida, F/SUW resultó ser -como bromeó el teórico y uno de los fundadores de F/SUW Janek Sowa- una zona indisciplinada y poco académica, una serie de investigaciones intensivas y autoorganizadas de trabajadores del arte que abordaban la precariedad y la explotación rampantes en el arte contemporáneo y en la sociedad en general.
La ambición de reapropiarse del tiempo en beneficio del colectivo y el deseo de reflexión crítica son las características de una plétora de universidades, institutos, centros de investigación y escuelas autoorganizados (a menudo también denominados instituciones simuladas, instituciones monstruo, patainstituciones, alterinstituciones o instituciones de lo común). Estas plataformas informales operan al margen de los mundos artísticos globales, incluso cuando se sitúan en el corazón de la circulación artística mundial. A menudo están impulsadas por agendas activistas y orientadas hacia la autoeducación radical, cuyos resultados se aplican en sus respectivos contextos, ya sea Venecia, Londres y Nueva York, o en la antigua plantación de Lusanga en el Congo. Se especializan en el conocimiento realmente útil, un término cargado histórica y políticamente, que se refiere al conocimiento que, parafraseando a Marx, no se limita a describir el mundo, sino que lo cambia. Este término surgió por primera vez en el siglo XIX en los debates protosocialistas sobre la educación de los trabajadores en el Reino Unido, y fue retomado en la segunda mitad del siglo XX por los estudiosos militantes de los movimientos obreros. Más recientemente se ha incorporado al campo del arte contemporáneo, influyendo en los debates sobre el valor de uso del arte y sus instituciones. Los proyectos de investigación, las publicaciones y los manifiestos de F/SUW y otras salidas similares para la autoeducación de los trabajadores del arte desacreditan dos construcciones socioeconómicas e ideológicas: por un lado, desencantan la ideología de la autonomía artística; por otro, se oponen a la transformación neoliberal en curso del arte contemporáneo. Empezaré por esto último, ya que el neoliberalismo establece el escenario estratégico de estos modelos autoorganizados de educación.
El neoliberalismo y las aplicaciones contemporáneas del conocimiento realmente útil
Como sostiene el artista-activista Greg Sholette en su libro de 2010, Dark Matter, las instituciones ficticias a menudo cumplen importantes funciones sociales, como la investigación y la educación, que las instituciones «normales» ya no son capaces de llevar a cabo debido a los efectos perjudiciales del neoliberalismo: las políticas económicas dirigidas a la mercantilización de todas las esferas de la vida y el debilitamiento del control público sobre el capital privado tienen como consecuencia el agotamiento del bienestar social (allí donde existe) y la extracción de recursos (allí donde están disponibles). En el contexto concreto de la enseñanza superior de las artes, la transformación neoliberal se ha traducido en una reducción de los salarios; la popularización de formas precarias de empleo; la sobrecarga de burocracia de los trabajadores y las instituciones; la implantación de sistemas cuantitativos y competitivos de evaluación del rendimiento; déficits presupuestarios unidos a la comercialización de los estudios, donde se ofrece una educación de menor calidad a grupos cada vez más numerosos de estudiantes (posicionados como clientes) a cambio de tasas de matrícula más elevadas que dan lugar a un aumento de la deuda estudiantil. A menudo, estos cambios se enfrentan a formas de resistencia como la sindicalización, las huelgas de estudiantes y profesores, el absentismo, los piquetes, la ocupación y otras formas de acción industrial. Esta transformación neoliberal del sector de la enseñanza superior se une a la crisis de identidad de la educación artística, atrapada entre los elevados ideales de autonomía, las trampas románticas de la práctica en el estudio, las ilusiones aspiracionales de la meritocracia y la delirante realidad de una economía en la que el ganador se lo lleva todo. Aquí, los ingresos son simbólicos, la precariedad es rampante y los medios para exponer el trabajo están dominados por intereses comerciales, mientras que miles de graduados endeudados se producen anualmente. En este contexto, la utilidad del conocimiento se mide por su capacidad de resistencia a las fuerzas del mercado.
Contra el excepcionalismo artístico
El conocimiento realmente útil podría ser entonces una herramienta para subvertir las convenciones del excepcionalismo artístico tan esenciales en el campo del arte contemporáneo. Esta ideología del excepcionalismo es un sistema prácticamente operativo y socialmente arraigado de creencias colectivas centradas en la figura del artista-genio que crea discretos objetos de arte coleccionables, y cuya práctica de estudio -aunque atrincherada en el mercado del arte y en los sistemas de privilegio de clase- se basa en la negación de sus propios fundamentos económicos y sociales. Las escuelas de arte contribuyen a promulgar estos principios del arte contemporáneo. La mayoría de profesores y alumnos coinciden en que el arte es una vocación excepcional, que merece dedicación y justifica sacrificios personales. Además, las escuelas de arte naturalizan la división del trabajo social, que se basa en la brecha entre el tiempo necesario para las preocupaciones cotidianas y el tiempo liberado para la búsqueda del arte y el conocimiento. El problema es que la realidad del sector del arte contemporáneo difiere enormemente de estos elevados ideales, y poco después de graduarse los jóvenes artistas deben realizar un proyecto tras otro, mientras que muchos se ven atrapados al mismo tiempo en círculos viciosos de trabajos precarios y mal pagados. El único elemento excepcional de este sistema es una ideología del excepcionalismo artístico que justifica los trabajos de mierda como sacrificios.
Al menos en teoría, la autonomía artística debería oponerse a la neoliberalización del arte contemporáneo y de la educación artística, ya que consagra un sistema de valores alternativo: el arte es importante porque es arte y no porque se venda bien, embellezca las diferencias de clase o adorne la identidad nacionalista. En la práctica, sin embargo, el excepcionalismo artístico es estructuralmente convergente con la neoliberalización del arte contemporáneo. Esta ilusión social ofusca la realidad de la explotación en las artes, justifica la autoprecariedad de los artistas e impulsa su hiperindividualización. Los ideales románticos del genio singular promueven una economía en la que el ganador se lo lleva todo, al tiempo que socavan los esfuerzos de organización colectiva. Por esta razón, el conocimiento realmente útil de los trabajadores del arte contemporáneo se opone a los ideales románticos, y muchos de los grupos que se presentan a continuación están animados por trabajadores del arte autodenominados, una cohorte etiquetada como el artista-precariat por la teórica británica Angela McRobbie, y a la que suelo referirme como el «projectariat». A continuación, me gustaría analizar tres rasgos distintivos de las investigaciones de los trabajadores del arte que pretenden reclamar tiempo, imaginación y recursos para generar conocimiento. Su utilidad viene definida por su capacidad para fomentar nuevas alianzas interseccionales y entre clases orientadas a la transformación social tanto a microescala como a macroescala.
F/SUW: recuperar el tiempo
F/SUW adoptó su descarado lema, wolny bo powolny (libre porque lento), para subrayar la necesidad de recuperar tiempo y dedicar el tiempo recuperado a la reflexión colectiva sobre las condiciones de la producción artística. De ahí que muchas de las actividades y proyectos de investigación de F/SUW se originaran en situaciones que no eran los típicos entornos académicos: picnics, campamentos de verano o paseos que a menudo daban pie a la publicación de lecturas, podcasts y entradas web. Imaginemos un picnic organizado en julio de 2009 frente al Castillo de Ujazdowski -principal centro polaco de arte contemporáneo-, donde unas docenas de artistas, comisarios y académicos debatieron formas de organizar su conciliación de la vida laboral y familiar. Allí escucharon una conferencia del fallecido artista berlinés Martin Kaltwasser, que se subió a una escalera a modo de escenario improvisado para describir cómo intentaba compaginar sus obligaciones como padre con la práctica artística como freelance. Una serie de libros sobre arte y trabajo asistencial atestiguarían que no es tarea fácil; este hilo conductor de las jerarquías de género desiguales en el arte contemporáneo, que se derivan de una distribución desigual del trabajo asistencial que empuja en gran medida a las mujeres artistas a centrarse en el cuidado de los demás por delante de sus propias actividades, volvería a ser un tema central en los estudios de F/SUW, encabezados por Joanna Figiel. Cuando F/SUW organizó un campamento de verano en el norte de Polonia en 2011, una cohorte internacional de trabajadoras del arte respondió a una convocatoria abierta y se reunió para hacer hogueras, pasear, cocinar, comer y hablar sobre las condiciones del trabajo artístico y la crítica sistémica del capitalismo cognitivo. El idílico entorno sirvió de telón de fondo a una serie de investigaciones y publicaciones.
Es importante destacar que las investigaciones de los trabajadores artísticos de F/SUW formaban parte de un ciclo más amplio de luchas laborales en el arte contemporáneo de Polonia. Estas acciones tuvieron lugar tras la «terapia de choque» posterior a 1989, la transformación neoliberal de Polonia que provocó el empobrecimiento de amplias capas de la sociedad y divisiones de clase duraderas. Los participantes en la F/SUW participaron en los esfuerzos colectivos del Foro Ciudadano de Arte Contemporáneo y se han implicado en actividades sindicales, negociaciones salariales y protestas contra la censura. Una de las formas más performativas de autoeducación fue una «huelga de arte» organizada por la artista Kasia Górna y otros activistas del Foro Ciudadano de Arte Contemporáneo en decenas de ciudades de toda Polonia en 2012. En esta ocasión, la comunidad artística en general reflexionó sobre su propia condición precaria y la falta de acceso a la asistencia social, contextualizándola en debates más amplios sobre la precariedad laboral. El Foro Ciudadano publicó en 2015 El Libro Negro de los Artistas en Polonia, un libro de texto que denuncia las malas condiciones laborales en el arte contemporáneo.
La huelga del foro y la investigación colectiva impulsaron esfuerzos más amplios de sindicalización en el sector del arte contemporáneo. En la última década, se han creado células de la Iniciativa de los Trabajadores, sindicato radical, en importantes instituciones artísticas (por ejemplo, el Castillo de Ujazdowski, el Museo de Arte Moderno y la Galería Nacional de Arte Zache˛ta, todas ellas en Varsovia), y academias de arte (como la Academia de Bellas Artes de Varsovia, la Universidad de las Artes de Poznan’ o la Academia de Arte de Szczecin). Los trabajadores de estas instituciones intentan autoorganizarse para resistir a diversas formas de explotación, al tiempo que participan en la alianza más amplia de sindicalistas y activistas del trabajo precario. Para que esto ocurra de forma efectiva, los principios ideológicos del excepcionalismo artístico y la fijación neoliberal con el éxito individual deben ser renovados, si no descartados por completo. Y el conocimiento realmente útil, engendrado a través del proceso de indagación de los trabajadores del arte, cumple esta función.
Arte para el UBI: recuperar la imaginación social
Establecer este tipo de solidaridades entre clases e interseccionales no es tarea fácil en el panorama actual. En este mundo de perros que se comen a los perros, la solidaridad se ve obstaculizada y la imaginación social está limitada por lo que el difunto teórico Mark Fisher denominó realismo capitalista, una construcción ideológica organizada en torno al viejo eslogan thatcheriano: no hay alternativa. En este contexto, la utilidad del conocimiento se define por su capacidad para ir más allá de los estrechos horizontes ideológicos, para reivindicar y revigorizar la imaginación social. Un ejemplo interesante de este tipo de intervención es el manifiesto publicado Art for UBI (arte por la renta básica universal, 2022), encabezado por la School of Mutation (SOM), una rama del Institute of Radical Imagination (IRI). El IRI opera entre centros de arte e instituciones autónomas, la mayoría en Italia, Grecia, España y Rusia. Sus investigaciones, dirigidas entre iguales, se dedican a la noción de lo común en el arte contemporáneo y más allá, propagada en la teoría y la acción. Aquí, el conocimiento realmente útil se entrelaza directamente con la práctica de las ocupaciones y el trabajo dentro de centros de arte autónomos, como s.a.L.E., Venecia. Los debates y seminarios de SOM, organizados en línea entre 2020 y 2021, se integraron directamente en los conflictos laborales -y en las posteriores ocupaciones- organizados durante la pandemia y en el período inmediatamente posterior en Italia y España. SOM contribuyó a estos esfuerzos con seminarios en línea, asambleas públicas, actuaciones y actividades pedagógicas. Los resultados de estas actividades autoformativas, resumidos en Art for UBI, propusieron la implantación de una renta básica universal, no sólo para los artistas, sino para todos. Este enfoque multisectorial sirvió de base para la performance educativa One Income, Many Worlds (Una renta, muchos mundos), orquestada por miembros de SOM e IRI en Madrid en 2021 y Milán en 2022. Inspirándose en las formas de teatro didáctico y militante desarrolladas por el brasileño Augusto Boal durante la década de 1970, los guiones de estas lecturas públicas colectivas se basan en discusiones de grupo y entrevistas realizadas a una cohorte de trabajadores precarios, cuyos testimonios son interpretados públicamente por los propios entrevistados. La precariedad se desentierra como una condición compartida entre personas de diferentes clases y ámbitos de la vida -artistas, diseñadores, activistas, limpiadores, trabajadores ilegales- que no sólo diseccionan sus condiciones, sino que también debaten sobre la OBI, entre otros remedios de inclinación más pragmática. El guión multivocal de estas actuaciones no pasa por alto las diferencias entre formas de opresión, como las basadas en la raza, la clase, el género y la identidad, sino que propone una plataforma unificadora e interseccional (aunque utópica) para esas luchas. Defendiendo la OBI para todos como algo a lo que aspirar en el futuro, sus modelos de autoeducación participativa y militante incitan a la solidaridad aquí y ahora.
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Kuba Szreder*
*Publicado originalmente en ArtReview