Verdadera Memoria del Seminario de Crítica

Tragicomedia en el Museo de Antioquia

El Seminario de Crítica con el que abrió (el pasado mes de abril) el programa “Miradas España–Colombia: Prácticas Artísticas Contemporáneas”, organizado por la Embajada de España y el Museo de Antioquia fue al tiempo un deleite y un horror. Un deleite porque tuvimos el privilegio y honor de disfrutar de las ponencias y buena disposición de tres conferencistas muy diferentes pero complementarios entre sí, quienes nos introdujeron brillantemente a los principales elementos de la crítica artística bajo una mirada evaluadora y autocrítica apropiada y desafiante para un público casi virgen en el tema. Y un horror, porque el público cerró el seminario con preguntas y comentarios que borraron con el codo todo lo que construyeron manos y mentes de organizadores y conferencistas. No hablo por todos desde luego. Tristemente la voz ignorante –que pulula por estos lares- se impone a la voz prudente: aquella que se toma la molestia de pensar dos veces antes de abrir la boca.

Me tomo la molestia de reseñar el Seminario de Crítica, con la esperanza de que nos quedemos con lo bueno y procuremos evitar en el futuro lo malo, ya que nos quedan aún por delante los seminarios para curadores y artistas, y aún hay tiempo para optimizar esta experiencia única, con el fin de hacerla plácida y productiva tanto para los conferencistas y organizadores, como para el público.

Primer día

Primero de abril, ocho y media de la mañana. Llegué tarde deliberadamente porque sé que la triste realidad es que en Colombia aún se menosprecia la puntualidad. Dicho y hecho: la gente apenas estaba entrando al auditorio. Me senté, miré al alrededor, vi algunas caras conocidas del mismo parche itinerante de eventos artísticos (cosa buena en este caso, porque quiere decir que se consolida un grupo que se toma con seriedad el asunto), hicimos los saludos de rigor, cuando comenzó la función.

Lucía González, directora del Museo de Antioquia, saludó, introdujo al seminario, hizo los respectivos agradecimientos y resaltó el duro horario al que fueron sometidos los exponentes, quienes apenas habían llegado de España la noche anterior. Me imagino el jet-lag de estos tres pobres seres, pero aún no los compadecía: esta era tan sólo la primera de cuatro partes.

Alberto Ruiz de Samaniego

Un hombre de estatura, edad y peso medio, con un hablar pausado pero enfático, expuso su ponencia que llevaba por título: “Sentir de otra manera, (Una lección nietzscheana sobre el arte y la cultura)”, que como bien aclaró desde el comienzo, se mantuvo iconoclasta de principio a fin.

Partiendo de la base de que una obra de arte es aquella capaz de afrontar un peligro, Samaniego planteó al arte, según las concepciones nietzscheanas, como una fuerza transgresora de las valoraciones hegemónicas de la realidad; es decir, como una actividad crítica per se.

Para situarnos un poco en esas valoraciones hegemónicas, se extendió de manera sutil y respetuosa en lo que Nietzsche entiende por “cultura del resentimiento”, que tristemente es la que aún domina en nuestra sociedad[1]. Posteriormente nos lanzó el salvavidas que sirvió en el siglo XX en Europa para superar el resentimiento: reflexiones heideggerianas y blanchoteanas acerca de la angustia (temor sentido al asimilar nuestra irremediable soledad) como fuerza renovadora de la existencia misma y núcleo de nacimiento del arte transgresor de la cultura del resentimiento (del mainstream).

Pero el arte sería mudo si no hubiera quien lo viera, sintiera e interpretara. Si bien la función del crítico no debe ser la pedagógica, sí debe ser la de quien es capaz de comprender lo que la obra tiene para decir acerca del espacio-tiempo en que está circunscrita. El crítico es aquel capaz de ver la crítica implícita de la obra misma y profundizar en ella.

Finalmente, y casi a modo de advertencia, Samaniego nos previno del sofisma de distracción que existe hoy en el mundo: la imagen tópica. Aquella que pulula por doquier y que esconde -en vez de revelar- y crea estereotipos -en vez de ofrecer diversidad-. Aquella que aleja al hombre de sí mismo al confundirlo con su resentimiento y roba a la imagen su fuerza o potencia de mundo y vida; y por lo mismo se opone a la imagen del arte, que como dijo al principio de su ponencia, es aquella capaz de correr peligros, aquella que afirma la vida.

Fernando Castro Flórez

Hombre alto, calvo y con ojos de un azul intenso. Comenzó, tras la pausa para el almuerzo, su ponencia: “Todo lo contrario: ‘intereses mezquinos y prejuicios (Nuevas consideraciones del sobrino de Oscar Wilde)”.

Contrastó con la ponencia de Samaniego en casi cada aspecto. En el retórico, porque con un ritmo vertiginoso, lleno de anécdotas irónicas y grotescas, que sacaron carcajadas al público, Castro demostró su provocador ingenio y su envidiable capacidad de catalizar innumerables informaciones. En el aspecto discursivo – también fiel al título de su ponencia- partió del descarte de lo negativo (abusos del arte contemporáneo) para finalizar con algunas tesis afirmativas sobre el papel del arte y la función de la crítica en el mundo actual. Y finalmente, en el aspecto metódico también se diferenció al valerse de imágenes para ejemplificar concretamente -y con nombres propios- cada caso que mencionaba.

Castro partió de la base del crítico como artista, (artículo de Oscar Wilde), y de la biografía de su irreverente sobrino Arthur Caravan, cuya particular historia fue el pretexto perfecto para hacer las veces de hilo conductor de su ponencia.

Algunos de los abusos[2] que mencionó fueron (tristemente no fui capaz de cogerlos todas y menos con la denominación que él mismo usó para designarlos):

1. El Triunfo de la Parodia: estilo plagiario que funciona como coartada de su propia mediocridad: el artista se defiende alegando la intencionalidad de su mamarracho.

2. Táctica Melodramática: en pocas palabras: amarillismo artístico.

3. Subjetividad Transformadora: ‘peluchismo’, entre otras tendencias macabras.

4. Cuestionamiento de la Institución Artística: demasiadas galerías, museos, bienales permiten que el curador le dispute su rol al artista y al crítico.

5. Momento en que no se sabe si es Arte: obras que terminan siendo ortodoxas por su dependencia a la documentación (o nominalización) para encontrar fundamento; por lo tanto terminan por perder su carácter supuestamente transgresor. (Ejemplo del performance del artista que esposó al crítico)

6. Teatro Integral de Oklahoma: vanaglorización de la obviedad y la banalidad: ‘se tú mismo y serás artista”.

7. Samplado: técnica del remix.

8. Institución de lo Inhumano: cinismo total (ejemplo: arte cadavérico)

Tras pasar por todo lo que no, Castro llegó por fin a lo que sí, o mejor dicho, a las reflexiones que cada cual debe hacerse para determinar –para sí mismo- lo que sí. Sus conclusiones, paralelas a las de Samaniego, rechazaron al mercado como factor obstaculizador del arte, a los curadores que con su protagonismo disputan su papel a los críticos y a los mismos artistas, a las estéticas actuales que al borrarse imponen el régimen del signo y ocasionan el naufragio de la visión del mundo y lo que se quiere cambiar en él, a los artistas herméticos y vacíos que no tienen nada que comunicar pero mucho que vender y en general al estado actual de cosas que intenta hacer del arte una industria más en la que lo que prima es el dinero y se anula, como en las demás industrias, el pensamiento. Rescatar el pensamiento y el valor de la obra de arte, esa es la función de crítico, a pesar de las adversidades.

Panel Público

Paraninfo en la plazoleta de San Ignacio, 6:30 de la tarde. Yo estaba ya mamada y aún así fui. No quería ni imaginarme el agotamiento de los pobres conferencistas. Esperé el retraso de costumbre y por fin empezamos. Había varios asistentes al seminario, sobrepuestos al cansancio y presentes en el lugar, pero también había muchas caras nuevas. Me alegró la acogida, luego me daría cuenta que me apresuré en mi sentimiento.

Una voz en off leyó la historia del Paraninfo. Escuché con sorpresa la carreta no venida al caso. Luego salió una primípara a leer el programa, que nos pidió en primera medida ponernos de pie para cantar el himno de la Universidad de Antioquia que yo oía por primera vez (horrible, por cierto) y ya eso sí lo consideré abusivo. Una vez terminado, la novata comenzó a leer el programa y a presentar a los ponentes, con más errores de lectura y pronunciación que un niño de 5 años leyendo una novena. La pena ajena se apoderó de mí y abandoné el aula máxima de la universidad de Antioquia, a la que le hicieron tanto protocolo para acto seguido insultarla (e insultarnos) con esta farsante. (Me pregunto a dónde había ido la presentadora de la mañana, ahora tan apreciada por su buen trabajo).

Afuera, con ganas de irme, esperé aún la primera pregunta. Ese fue mi fin. No voy ni siquiera a mencionar la pregunta, la dejaré muda para que quien se atrevió a formularla reflexione (si lee esto). Tampoco me quedé para oír la respuesta. Huí a tiempo, despavorida y avergonzada, lamentando que los conferencistas no pudieran hacer lo mismo.

Segundo día

Dos de abril, misma fórmula. Llegué media hora tarde, es decir: a tiempo. No comprendí cómo tras la exhaustiva jornada del día anterior, los conferencistas estaban despiertos y dispuestos a seguir. Laura Revuelta, valiente, leyó su ponencia: “Medios y Crítica”.

Revuelta, una mujer bonita, hizo las veces de punto neutro entre Samaniego y Castro gracias a su capacidad de sintetizar, concretar y traer al mundo práctico los planteamientos teóricos de sus dos compañeros[3]. Su posición como editora del suplemento cultural de diario español ABC determinó sus reflexiones acerca del estado actual del arte y su crítica. Comenzó por señalar las dificultades del medio en la actualidad, para finalizar rescatando los papeles de cada uno de los agentes del mundo del arte hoy tan difuminados: artista, curador y crítico.

Pragmáticamente, Revuelta describió las estrategias del marketing artístico en el mundo actual, entre ellas la espectacularización del medio artístico, la divinización de curadores, quienes hoy asumen las funciones críticas -desplazando al crítico- y rivalizan a la vez con el rol de los artistas -gracias a su figuración mediática. Además señaló las dificultades de ejercer hoy en un medio de desbordamiento de los parámetros artísticos: formatos agotados, discursos llevados al absurdo, arte usado como propaganda (o propaganda haciéndose pasar por arte), pérdida del compromiso crítico del crítico, entre otros síntomas de malestar del medio.

Finalizó con la aclaración de roles para cada parte: la del artista como creador, la del curador como articulador de obras según discursos y la del crítico como curioso investigador de la obra en el contexto de su discurso histórico, capaz de despejarla precisamente y traerla a relación con el presente.

Panel Privado

No comenzó tan mal. Del público salieron algunas preguntas relevantes. Mi favorita fue una reflexión que propuso a los curadores como los mecenas del arte contemporáneo (casi encargan obras como la iglesia o la aristocracia en épocas pasadas)[4]. Castro usó muchas preguntas para aclarar sus posiciones, que cada vez cobraban más sensatez (como aquella en que explicó maravillosamente a qué se refería con que el crítico debía ser un desocupado mental).

Sin embargo, hacia el final del panel, ya con un aire irrespirable dentro del auditorio (el Museo necesita urgentemente mejorar el sistema de ventilación del lugar), comenzó la tragicomedia. El público soltó preguntas y comentarios que poco a poco fueron deshaciendo el duro trabajo de dos días que parecía haber dado resultado. Primero una chica desubicada acusó agresivamente a los panelistas por supuestamente no decir lo que llevaban dos días diciendo sin cesar (que la crítica es una labor puramente individual…). Luego alguien quiso saber qué obras rescatarían los panelistas de nuestro museo y por más que ellos intentaron explicar que lo importante no era su opinión, sino la nuestra, cuando fueron puestos contra la espada y la pared, respondieron sinceramente y rescataron cuatro cuadros, lo que causó furor en un público ignorante y de chauvinista, que se empeñó en que les salvaran a Botero y olvidaron todo lo aprendido. El panel terminó con un público nuevamente sumido y dominado por la cultura del resentimiento -de la que tanto nos intentó advertir Samaniego- reclamando el oro de la conquista… tan sólo escribirlo me duele. Así como me duele saber que los conferencistas se fueron algo decepcionados de su visita a nuestra ciudad, porque a sabiendas de que nuestro público provinciano no podía ofrecerles altura intelectual a cambio, esperaron compensar su violento itinerario con una simple visita al jardín botánico o una agradable conversación con gente representativa de nuestra folclórica tierra, cosa que no sucedió, porque entiendo que hasta en sus últimos ratos libres (almuerzos y cenas) se les intentó exprimir el cerebro con preguntas que no dieron tregua al esfuerzo intelectual de estos tres personajes.

Quiero terminar recordando que entre el público una chica iracunda por las infamias dichas al final gritó: “no todos somos así” y que sus patadas de ahogado no me hicieron sentir mejor. Tal vez sea cierto, tal vez no. Tal vez muchos sigan dándose golpes de pecho porque los conferencistas no salvaron ni a Pedro Nel, ni a Botero. Yo sólo quiero recordarles una cita de la ponencia de Samaniego (mi favorita entre los tres, por cierto): “cada pueblo tiene las obras de arte que se merece”. Y si ellos no las salvan, es porque tampoco se salva el público que es su dueño.

No nos salvamos queridos compañeros. No pasamos la prueba. Y no lo digo a mal. Tenemos aún dos oportunidades de hacer un mejor trabajo, por lo menos en el corto plazo (en los seminarios para curadores y artistas); y espero que el Museo nos siga ofreciendo muchas más, porque esto en un asunto de educación, de encontrar en el arte la fuerza transgresora para ser superar el resentimiento cultural y dejarnos de preocupar por Pedro Nel, Botero y el bendito oro, y concentrarnos en nosotros, que somos los primeros a los que nos urge ser salvados, rescatados. Una mirada crítica para nosotros mismos por favor. Que al menos quede eso de todo este seminario.

Por: Laura Villa López.

[1] Resentido es aquel tan débil que hace de la queja su fuente de poder: busca culpables de su dolor y procura reproducir su comportamiento en otros. Como no puede elevarse hasta el arte, rebaja el arte a su mediocridad, normalidad (mainstream).

[2] No estoy muy segura acerca de esta palabra, en todo caso fueron las tendencias del arte contemporáneo que Castro no acepta como “arte”.

[3] Me quedó la duda de si conocían las ponencias de los demás y cambiaron el programa con esta intención.

[4] El día anterior alguien señaló a Fernando Castro como showman y se preguntó si su alusión a Doris Salcedo no era parte de la estrategia para ganarse el público. Castro tuvo una respuesta aún mejor, aceptándolo sin reparos y agregando que lo hacía con la intensión de que chicas bonitas vinieran a él en busca de referencias bibliográficas.