Bill Albertini, artista:

Los desarrollos de los nuevos medios de comunicación (new media) han materializado la información, y este cosa, que es la información, se ha convertido en el equivalente del metal en la revolución industrial. Al mismo tiempo, la mutabilidad de "el hecho" ha sido acelerada por estos cambios en la manera en la información se transubstancia.

Si el plomo ha sido transformado por un holograma en oro o si el emperador tiene nuevos ropajes (invisibles) puede ser discutible. Sin embargo, siento que como minimo tenemos las herramientas digitales para reabrir los argumentos sobre el númro de angeles que cabrían en la cabeza de un alfiler. El revisionismo es una realidad, la mitología contemporánea es un hecho y la historia es un término erróneo.

Raphael Rubinstein, escritor:

A pesar de lo que nos dicen las pantallas de nuestros televisores y computadores, vivimos en un mundo físico; somos esencialmente un cuerpo y la gravedad es la mayor fuerza que existe en el mundo.Si comienzo enunciando las cosas obvias y evidentes es porque no quiero que olvidemos que la pintura en sí misma comienza con lo obvio y lo evidente, con los hechos físicos de la pintura, el lienzo, el soporte. Esto no quiere decir que esté limitada a tales hechos de la realidad: los fantasmas de la ilusión y de la metafísica se esconden inclusive en las pinturas más minimalistas.

Una de las cosas que distingue la pintura de los medios electrónicos es su relación con el espacio. A grandes rasgos, existen dos tipos de lugares que deben ser considerados cuando hablamos de la pintura: los lugares dentro de la pintura y los lugares donde está la pintura. Así como es importante el lugar que ocupan las cosas en un cuadro, igualmente lo es el espacio donde se ubique, donde se cuelgue. Hubo pintores eximios en la representación de platos de frutas o de grandes principes; hoy en día, a menudo os pintores son especialistas en el espacio, particularmente los que vemos reunidos aquí. Y uno de los espacios a los que mayor atención le prestan es a la distancia variable que existe entre el lugar en donde se coloca el espectador y aquel en el que se cuelga la pintura. Como bien sabemos, en los comienzos de la pintura en caballete, la característica que la definía era su movilidad, en contraste con los frescos realizados in situ. Tal y como queda demostrado en esta exposición, la cual reune trabajos provenientes de una docena de paises y de varios continentes, la pintura está todavía signada por su movilidad. se puede mover, pero no es posible transportarla con tanta facilidad. El hecho de que la pintura ocupe un espacio preciso en el mundo representa al mismo tiempo su maldición y su bendición. Si erróneamente tomamos la pintura como su presencia física, no hemos entendido que el arte ocurre en nuestros cerebros y no en las paredes; además, ignorar el orden sensorial de la experiencia retinal, bien sea como espectadores o artistas, significa que no se ha distinguido entre lo que es un archivo y lo que es un museo. Lo que esta fisicalidad significa, entre muchas otras cosas, es que todavía las pinturas pueden convertirse en eventos, pueden representar una ocasión para una suerte de ritual no oficial.

Es bastante sorprendente que en esta era de Internet, unos cuantos metros cuadrados de lienzos untados de color puedan convertirse en lugar que genere respuestas tan intensas. No toda pintura es capaz de crear este tipo de atmosfera, pero la posibilidad de lograrlo mantiene a los artistas de todo el mundo trabajando con ahínco.

Fernando Castro, curador:

La obra de arte surge en el exceso, en el desbordamiento: un desgarro que superpone planos, el envés pasa al primer plano. Los motivos de la luz, la música o el silencio que obsesioneron a la poesia simbolista (como límites del decir), producen un transtorno del fundamento de la obra. La aspiración liminar, por ejemplo el repliegue cromático de Malevich o el horizonte disuelto de Rothko, conducen hasta la desmaterialización: completan el tropo del vacío. Desposesión fronteriza en la cual el vacío, al ser por igual la página en blanco, el lienzo y el abismo o sima terrible a la vista, se aproxima al sentimiento de lo sublime; para Freud sería la imagen de una represión primera, una defensa anterior a cualquier impulso del que debamos defendernos. El inconsciente estructurado como lenguaje se manifiesta en pintura como una "disolución de regiones"; tal y como lo manifestara Lyotard en Dispositivos Pulsionales, pintar es inscribir color, pigmentos, es producir inscripciones cromáticas: "y así, pues, se da una conexión de la líbido con el color y del todo con un soporte. Se trata de una labor de inscripción cromática". Se deben tomar en serio los dispositivos pictóricos revelados por Deleuze y Cane: gestos digitales, de la muñeca, del codo, global del cuerpo, multitud de herramientas medios y soportes.

Jaime Iregui, artista:

Los avances en ciencia y tecnología llevan a países como Inglaterra y Alemania a una industrialización que altera profundamente todas las disciplinas del conocimiento. Las artes plásticas no son ajenas a estos cambios, lo que lleva, entre otras cosas, a una racionalización de la experiencia estética en sus aspectos de enseñanza, producción y recepción. A comienzos de este siglo las Escuelas de Oficios y Artes Aplicadas de estos dos países son reorientadas con el ánimo de hacerlas partícipes en la modernización de la sociedad. De esta reestructuración surge la Bauhaus, escuela que aglutina artistas, diseñadores y arquitectos, que con el proyecto de producir un arte netamente funcional, canaliza modelos y planteamientos estéticos hacia el diseño de objetos industriales pensados en relación con su técnica de fabricación, así como con sus necesidades mecánicas, arquitectónicas y funcionales.

Hoy en día se abren para el pensamiento artístico espacios más mentales que físicos. En este contexto podemos entender tecnología como la elaboración de modelos de información y conocimiento que se articulan de acuerdo a lógicas especificas, lo que lleva a pensar que es en la conceptualización en donde se da una relación más estrecha entre arte y tecnología, y que a continuación se propone entre arte y cibernética:

Un planteamiento, tanto artístico como científico, puede ser considerado como modelo de realidad, es decir, como un fenómeno de observación e interpretación dotado de una forma de conciencia que difiere de la de los modelos de la realidad meramente descriptivos suministrados por otros sistemas de conocimiento.

Es posible definir tres lógicas de autoorganización que un sistema asume en su interacción con el entorno, a las que pueden ser referidas una serie de planteamientos tanto artísticos como científicos:

lineal: Cuando los límites entre sistema y entorno se pueden determinar en su totalidad, ambos aparecen con un contorno definido, pues se sabe qué pertenece al sistema y qué al entorno; puesto que sistema y entorno no se alteran entre sí hay una posición absoluta para las observaciones del sistema, un lugar privilegiado para el acceso a la verdad.

relativa: Cuando los límites del sistema son alterados por el entorno, hay un conjunto de posiciones relativas para la observación. La interpretación y modelamiento del entorno observado exige una conversación entre todos los observadores posibles, pues la observación es relativa a las condiciones de observación. En este caso la interlocución no es necesariamente sólo entre sistemas de conocimiento, puede ser desplazada a instancias interiores de los sistemas mismos, se pueden establecer consensos o visiones personales y particulares sobre el entorno observado; la verdad del entorno observado se relativiza.

autorreflexiva: Cuando los límites del entorno son alterados por el sistema no hay posición exterior - ni absoluta, ni relativa - para la observación. El entorno a observar no tiene sentido como entidad aislada y sólo es comprensible como interacción, correlación, proceso o evento entre varios sistemas de observación e interpretación.

Peter Halley, artista:

Pienso la abstracción como algo más y no simplemente como un estilo. No hay duda que el arte abstracto tiene su propia cultura y muchos de los que nos encontramos aquí estamos muy involucrados con ella, a diferencia de la gran mayoría de artistas muy jóvenes, como mis estudiantes en Nueva York, a los que no veo muy conectados. Para ellos el arte comienza en el conceptualismo, con artistas como Joseph Kusuth o quizás Bruce Nauman, y su compromiso parte más de la cultura del arte conceptual que la del arte abstracto, que considero como dos culturas diferentes. Además veo esta generación bastante inmersa en la cultura creada por los mass media, situación que no se dio con las generaciones anteriores.

La abstracción puede ser entendida también como una metodología que tiene paralelos en otros de otros campos del pensamiento en este siglo. En términos sencillos pienso que la abstracción en las artes visuales nos permite comprender y analizar el mundo de nuestra experiencia, descomponer o articular sus elementos y analizarlos para llegar así a una verdad aún más real que la que nos da el empirismo. Como ya lo dijo anteriormente Jaime Iregui, este proceso se inicia en la física de la Era Moderna; sin embargo quisiera añadir que este análisis formal y estructural de los elementos abstractos que componen nuestra experiencia, es algo que tiene un gran impacto en casí todas las áreas del conocimiento, incluyendo la economía, las ciencias sociales y la psicología. El resultado final es entonces una racionalización sin precedentes de la cultura, que parece continuará, así como creo que se seguirá produciendo arte basado en el análisis abstracto.

Fabian Marcaccio, artista:

La pintura abstracta siempre trabajó sobre la idea de proyecto, como por ejemplo el constructivismo ruso como proyecto social, es decir, se entendía la pintura como primera instancia para un desarrollo social. A partir de 1990 trabajo con una idea de pon-yecto, es decir, la pintura trata de ser una instancia cartográfica sobre las diferentes realidades.

En "Zona pictórica", exposición individual de 1995, mi trabajo funciona como una constante reinvención conceptual, material y formal de la pintura. Funciona a través de la pintura en lugar de sobre ésta. Hay tres problemas centrales: primero el deseo de trans-formación y de-formación. El segundo está relacionado con los medios de comunicación, una diferenciación dentro de la repetición de los modos de composición. Esto refleja la tendenca actual a la producción en masa, desde la repetición de productos (trabajada en los sesenta por el pop art y el minimalismo), hasta las modificaciones de cada producto hechas a la medida con la ayuda de una computadora. El tercero tiene que ver con el espacio y la estructura; hay un esfuerzo por pintar sobre los rastros del collage con el acto de pintar a través. De esta manera, la pintura la pintura logra un espacio continuo y coherente, y al mismo tiempo retiene la heterogeneidad del collage.