¿Por qué los artistas tienen cada vez más problemas para vivir del arte?

En esferapública iniciamos la semana pasada una encuesta que explora cuanto están ganando al año artistas, curadores, gestores y otros agentes del campo. A partir de estos resultados iniciales, estaremos publicando próximamente un análisis de estos resultados, así como algunas entrevistas. 

Mientras esto sucede, traducimos y compartimos con ustedes este artículo publicado la semana pasada en Frieze, donde se aborda el tema de la precarización en el campo del arte en Inglaterra a través de un reporte que recoge experiencias de 2000 artistas, así como de iniciativas de colectivos y organizaciones de artistas que han logrado avances importantes en lo relacionado con revertir prácticas de auto-explotación y cultura de la no-remuneración de entidades públicas y privadas. 

¿Por qué los artistas tienen cada vez más problemas para vivir del arte? (y los activistas contraatacan)

Estudios recientes resaltan la profunda precariedad en el mundo del arte, así como esfuerzos renovados para un pago más justo y una resistencia a la ‘auto-explotación’.

Ganarse una vida como un artista es imposible para todos, salvo para algunos artistas de alto perfil, y la falta de una remuneración económica adecuada por la labor artística es la realidad oscura en el corazón del mundo del arte contemporáneo. Si eso suena como una hipérbole, quizá vale la pena que revisar los recientes tweets de Tai Shani, artista establecida en Londres, con una práctica reconocida, y quien en 2018 expuso internacionalmente y financió con fondos públicos sus proyectos en espacios de arte en Glasgow, Leeds, y Nottingham. Shani dice que ella no recibe ‘casi ningún dinero’ de su práctica artística, adicionando: «Quisiera poder dedicarme todo el tiempo a mi trabajo pero cada vez es más y más imposible. Quiero estar más en el estudio. Tratar de estar a flote financieramente y lograr dedicarme a la obra me ha hecho enfermar físicamente en muchas ocasiones»

Lo que es más preocupante sobre las palabras de Shani, es que es un reclamo muy común – muchos artistas están experimentando lo mismo, luchando para sobrevivir financieramente incluso aunque su trabajo se presente en exhibiciones con gran aforo y bienales internacionales de arte. La publicación reciente del Arts Council England’s (ACE)[1], el reporte «Medios de sustento de los artistas visuales» reitera este hecho. Mas de 2.000 artistas visuales participaron en una encuesta en el 2016: uno de los principales hallazgos es que el promedio de los artistas obtienen £16.150 libras esterlinas (65 millones de pesos) al año de las cuales solo £6.020 (24 millones de pesos) vienen de su práctica. Muchos artistas ganan mucho menos que esto, con dos tercios de ganancia de £5.000 libras (20 millones de pesos) o menos de su obra, y sólo el cinco por ciento gana mas de £25.000 (100 millones de pesos)

Refiriéndose a la importancia del reporte, Peter Heslip, el director de las artes visuales del ACE, dice qué hay ‘una falta de transparencia histórica’ cuando se trata de negociaciones y contratos para artistas, lo que lleva a «muchas concepciones erradas sobre cómo los artistas sostienen sus medios de vida». Heslip afirma: «Esperamos que este reporte ayude a disipar los mitos y proveer al sector con un gran contenido de datos. En particular, los resultados de la encuesta confirman qué tan limitada es la ganancia comercial para la mayoría de los artistas, resaltando la importancia del trabajo de enseñanza, las becas y comisiones». Heslip agrega que los resultados de la encuesta han contribuido hacia el desarrollo de un nuevo flujo de financiación del ACE, «Desarrollando tu practica creativa», en el cual «se invierte directamente en los individuos en momentos clave de sus carreras». También señala el trabajo del organismo financiador con organizaciones de artistas como «The Artists Information Company»[2] , un sector de la organización de soporte del ACE y un socio del proyecto de la encuesta. Julie Lomax (CEO de a-n) dice que leer los comentarios de Shani en Twitter ‘le rompen el corazón’ – cree el reporte «demuestra claramente que la practica de ser un artista se está convirtiendo en algo más duro» y que  «a través de nuestra campaña y trabajos de defensa estaremos trabajando muy duro para garantizar que a los artistas se les pague por su trabajo». Es un problema que su organización ha resaltado por un tiempo, lanzando la campaña «Pagando artistas» en el 2014 con el animo de asegurar pago justo para los artistas que exhiben en galerías financiadas con fondos públicos.

En los Estados Unidos, la organización Working Artists and the Greater Economy (W.A.G.E)[3] establecida en Nueva York ha estado trabajando los problemas de los honorarios de los artistas en el sector sin animo de lucro desde el 2008. Lise Soskolne de W.A.G.E. cree que ha habido un progreso. «Mientras que hace 10 años el no-pago en la industria era normal, hoy el pago es la norma. La cuestión no es si los artistas deben ser remunerados o no, la cuestión es cuánto se les debe pagar’. Dicho esto, el panorama de los artistas que tienen varios trabajos para poder financiar su practica, es uno de los elementos con los que ella se encuentra muy familiarizada. «Anecdóticamente hablando, veo los artistas que están a mi alrededor están siendo exprimidos por las condiciones precarias de sus labores paralelas». Los artistas ya no solo compiten por las exhibiciones, ahora compiten por un trabajo escaso y mal pago».

El escenario de los artistas compitiendo uno contra el otro es algo que Janie Nicoll y Ailie Rutherford han abordado en su proyecto de investigación «In Kind» que tuvo lugar durante la bienal de Glasgow International el año pasado. «In Kind» exploró el nivel de las labores no pagas de artistas que contribuyeron al festival, y al hacerlo cuestionaron la falta de diversidad que hay en estas instituciones. El proyecto resalta el nivel de ‘auto explotación’, así como los artistas se comprometen irrealmente a proyectos ambiguos sin contar con remuneración por su tiempo – una práctica que últimamente discrimina en contra de aquellos que no pueden permitirse trabajar gratis. Nicoll y Rutherford han desarrollado una guía de 10 puntos de propuestas y demandas que incluye el compromiso: ‘Nosotros operaremos con solidaridad con otros artistas y a través de los sectores, de manera no competitiva’. En parte la respuesta de los pares de investigación, Glasgow International recientemente anunció las medidas para el 2020 para financiar el nuevo programa abierto en orden de proveer un mejor soporte para los artistas. Nicoll y Rutherford, sin embargo, creen que unos cambios mayores en el sector de forma amplia son necesarios. «Nosotros necesitamos una revision radical de la financiación actual del sistema, el cual es exclusivo, elitista y recae fuertemente en la explotación y la labor no paga de los artistas en el sector».

Mientras «In Kind» enfoca el problema específicamente de la labor artística, las preocupaciones de Nicoll y Rutherford son mucho más amplias, mientras que buscan retar el status quo económico y social de su trabajo. Después de todo, ellas no operan dentro de un tipo de burbuja artística – las necesidades económicas mas allá del alcance de la financiación de las artes que también toman partido. Así como lo plantea Soskolne: ‘La precariedad está en todas partes, así que toma mucho tiempo ganar menos remuneración. Esos artistas que aún pueden pagar estudios probablemente no tendrán la oportunidad de usarlos».

Chris Sharat

[1] EL Consejo de arte de Inglaterra
[2] La compañía de información de los Artistas
[3] Artistas trabajadores y la Gran Economía