Debate en torno al Salón (Inter) Nacional de Artistas

Haupt & Binder del portal Universes in Universe, entrevistan a Jaime Cerón, asesor de Artes Visuales del Ministerio de Cultura. De pronto ofrece pistas sobre el proceso del Salón.

Entrevista >
http://universes-in-universe.org/esp/bien/sna_colombia/2013_medellin/jaime_ceron

1. Envío enlace a la página de Las Edades para el que, como Ospina (Nadín), quiera continuar hilando fino y encontrando “cosillas”:

http://lasedades.net/wp/

En Archivo de propuestas podrán ver algunas de las 200 propuestas para hacer exposiciones individuales recibidas por convocatoria abierta. En «Las exposiciones» y en otros apartados —incluido el álbum— pueden ver si lo hecho por Abelardo Parra, David Anaya, Roman Hutter & María Fernanda Chaparro, Antonio Diez, Ivan Cano, Karl Troller, Rosita Alfonso e hijo, Wilhelm Wagner Kappler & Carolina Pizano Wagner (Nina Pi) y Fernando Oramas produjo o no eso que Ospina (Nadín) dice que debe suceder en este tipo de eventos: «ver, aprender y confrontar el quehacer artístico nacional [o regional] en todos sus matices».

Uno de los criterios para la selección de las propuestas, además de la consistencia de las obras a exponer en relación al espacio expositivo —el plano estaba en la convocatoria—, fue el de la vulnerabilidad: artistas que no hubieran alcanzado visibilidad por razones de desvinculación galerística, bajo perfil, o porque están fuera del radar curatorial del “arte contemporáneo”. Una historia que luego se fabuló en el texto curatorial “Las edades del artista”.

En relación al Salón, por solicitud del Ministerio de Cultura enviamos la base de datos, enlaces a las propuestas, álbumes completos para llenar y una opción concreta de itinerancia en caso de que en el Salón hubiera espacio para las curadurías regionales. Pero desde el comienzo de la curaduría quisimos propiciar el «regionalismo», hacer algo que tuviera una escala local, autónoma, un aquí y ahora antes que convertir el Salón Regional en una mera instancia de paso para el gran evento del Salón Nacional.

Este año, con el presupuesto que quedó de la curaduría, Las edades continúa abierta, y ahora, sin la bolsa de trabajo de 5 millones para cada artista que usamos en la curaduría inicial, ni mayores recursos para la producción, hay media docena de propuestas que no habían sido seleccionadas en la convocatoria y otros cinco artistas de Bogotá que no tienen un anclaje galerístico fuerte pero sí experiencia para montar sus exposiciones; con ellos armamos una programación para este año con 11 exposiciones individuales: cada artista recibe las llaves del sitio y Las edades pone la gestión y divulgación. Envío enlace al Facebook donde hay imágenes de lo que va de esta coletilla del Salón Regional:

https://www.facebook.com/las.edades?fref=ts

2. Sobre la “obra personal” de Ospina (Lucas), se infiere que la invitación al Salón está basada en el amiguismo, en el “roscograma”, va enlace al portafolio enviado al Ministerio de Cultura que iba a estudio por parte de la curaduría, junto a los portafolios de otros artistas —entre ellos la gran mayoría de participantes en las bases de datos de los Salones Regionales—. El lector dirá si Ospina (Lucas) forma parte de los “miles de artistas colombianos” que Ospina (Nadín) menciona o si no merece estar ahí:

http://www.academia.edu/3313734/Portafolio_General_Lucas_Ospina

3. Y sobre el roscograma Ospina-Mendez: el crítico de arte, teórico, curador y filósofo del arte, Ricardo Arcos Palma, a raíz de un debate en torno a esto mismo de los Salones, dijo en Esfera Pública el 25 de febrero de 2011 a las 2:49 p.m.: «Me permito hacer pública mis disculpas a Lucas Ospina y a los jurados y funcionarios del Ministerio de Cultura, pues he tenido una charla personal con el artista y con algunos de los jurados, hecho que me ha aclarado muchas cosas que yo enuncié ligeramente respecto a la curaduría ganadora zona centro del salón nacional. Sin embargo creo que es importante, que el MinCultura establezca unas reglas claras de la participación de los jurados, inhabilidades y condiciones de participación de aquellos que ya han beneficiado previamente y recientemente de los premios y estímulos, y de quienes son sus cercanos colaboradores, precisamente para evitar el clientelismo que corroe la mayoría de las instituciones públicas, pues si bien la curaduría que Ospina hizo público (muchas gracias Lucas) tiene sus virtudes, ¿qué pasó con las otras propuestas curatoriales como la de Consuelo Pabón, que sin duda alguna tiene una importante trayectoria como investigadora y curadora?»

Hay otros comentarios en el foro: de Ospina (Lucas), de su amiga y colega de la Universidad de los Andes, Mariangela Méndez, y de varias personas en esa crítica polifónica tan propia de Esfera Pública:

https://esferapublica.org/nfblog/?p=13924

Y claro, hay más, en Esfera Pública hay todo un apartado sobre el arte de discutir sobre el Salón Nacional, un devenir agonístico entre la demagogia participativa y el despotismo ilustrado:

https://esferapublica.org/nfblog/?cat=236

(Agradezco a Ricardo Arcos Palma y a Ospina (Nadín) por sus cuestionamientos a Las Edades: el uno, al comienzo, el otro, al final, han permitido que en el marco de la Esfera Pública esta curaduría quede enmarcada entre dos corazones: la crítica como un acto de amor, como parte de la obra).

Epílogo

«(Proyecto para un texto sobre los Salones Nacionales de Artistas y la consolidación del campo del arte en Colombia)

Como género dramático, la comedia se distingue por caracterizar personajes enfatizando sus vicios. Ante el espectáculo, reímos de la proyección de nuestra misma torpeza, nuestras aspiraciones y codicias, nuestras perversiones y aversiones, nuestras inseguridades. En la vecindad del Chavo del Ocho se reúnen muchos así: el ingenuo, el presumido, la traviesa, la histérica, la engreída, la arribista, la víctima, el altivo, el fanfarrón y el usurero. Las situaciones y conflictos que viven estos personajes suelen tener lugar en el mismo patio, donde los inquilinos y visitantes tropiezan, chismosean, alegan por el dominio de un espacio o el uso de un término, se enamoran y desenamoran. En la vecindad vive una pequeña comunidad de bajos recursos, que se rompen precarios ladrillos de poliestireno en la cabeza; se conocen entre todos, se cruzan constantemente, se tienen envidia, se tienen temor, se tienen rencor, se tienen celos, se tienen rabia, pero en momentos de festejo o en momentos de incertidumbre (cuando van a vender la vecindad), olvidan las diferencias y son amigos»

La gracia del Chavo del Ocho es su genial forma de ser predecible. La serie fue grabada desde 1971 hasta 1980, emitida en 14 países. Por lo menos en Colombia, aun es trasmitida, repitiendo eternamente el ciclo. En cada capítulo siempre pasa lo mismo, con una que otra variación en el orden de los acontecimientos y el guión: “grgrgrgrgrgrgrgr… tesoro, ¿qué te pasa?…. vámonos tesoro, no te metas con esta chusma… sí mami, ¡chusma! ¡chusma!… y la próxima vez, vaya a decirle eso a su abuela… (gorro al piso y pisoteado)… fue sin querer queriendo… ¡tomaaaaa! no te doy otra no más porque…. Pipipipipipipi… ¡Profesor Jirafales!… ¡Doña Florinda! Vine a traerle este humilde obsequio… ¿No gusta pasar a tomar una tacita de café?… ¿No será mucha molestia?… No es ninguna, pase usted… Después de usted…

A veces también cambian de locación, por variar el ambiente y dar lugar a otras excepcionales situaciones: como pasó en la fuente del patio que queda atravesando el corredor entre los apartamentos 71 y 72, como pasa cuando venden aguas frescas en el andén de entrada o como pasa cuando viajan a Acapulco, capítulo memorable. ¡Qué bonita vecindad!

fuente: https://esferapublica.org/nfblog/?p=41035

Salón Nacional? Salón (INter)Nacional? Lo único que queda claro… es que se VA hacer…

Pero estamos a TIEMPO para que no se repitan algunos errores y proponer soluciones… no nos quedemos solo en el problema… NO se dejen DISTRAER por las palabras.

Lo único que queda es plantear unas reglas del juego transparentes y con anterioridad al lanzamiento de las convocatorias del regional. Ya que este debe ser parte fundamental en las decisiones del SALON NACIONAL.

Es lamentable no tener en cuenta el punto de vista de los organizadores de todos los regionales… … (Colegas, amigos… no podemos irrespetar el trabajo de otros colegas)… La curaduría se ha transformado como las producciones del arte. Las necesidades del sistema, de la geografía, de las roscas, o de propuestas en las fronteras del arte exigen al artista a ser gestor, investigador, historiador, curador, montajista, museógrafo, cobrador, educador y hasta artista… pero no debemos olvidar sobre todo que somos seres humanos y que vivimos y comemos de esto.

En aras que esto sea transparente y mejore la situación de nuestro medio, invito amablemente y públicamente a TODOS (MinCultura, Curadores Salones Regionales 2012 y Curaduría Salón Nacional 2013) a responder a la comunidad algunas preguntas y dar sus ideas que seguro nos aclararan a TODOS como se hacen las cosas para ver cómo debemos mejorar…

a) Existe un acta firmada en el Ministerio de Cultura donde todos los curadores del Regional aprobaron las decisiones para la Curaduría del Nacional?
b) Existió una convocatoria pública, a reunión pública, para tomar las decisiones sobre el Nacional?
c) Existe un acta firmada en el Ministerio de Cultura por los jurados que seleccionaron al equipo curatorial de este salón Nacional o de quienes seleccionaron?
d) Qué porcentaje de artistas de cada REGIONAL debe haber en el REGIONAL?
e) Cuantos artistas participaron en cada Regional?
f) Cuántos artistas del Regional están en el Nacional?
g) Donde se hiso pública la convocatoria para ver los portafolios de los artistas participantes en el salón regional?
h) Cuánto dinero se pagó por cada curaduría del Regional?
i) Cuánto dinero se le pagó a cada artista participante en cada Regional?
j) Cuánto se pagó por cada Curaduría del Nacional?
k) Cuánto Dinero se va a pagar a cada artista INternacional?
l) Cuánto Dinero se va a invertir en Transporte/alimentación/Hospedaje? En cada artista INternacional?
m) Cuánto Dinero se va a pagar a cada artista NACIONAL?
n) Cuánto Dinero se va a invertir en Transporte/alimentación/Hospedaje? En cada artista NACIONAL?
o) Cuánto Dinero coloca el MINISTERIO DE CULTURA para realizar el regional y cuánto dinero coloca la REGION donde se realiza el salón NACIONAL?
p) A que artista de trayectoria se ha invitado para hacerle un homenaje como en anteriores salones Nacionales?
q) Es gratuita la entrada al Salón Nacional o cuanto vale?

No olvidemos el objetivo por el que el artista hace su obra y mucho menos el objetivo por el cual el ESTADO hace los SALONES REGIONALES, y por el que se hace el SALON NACIONAL… ahora debemos sumar los importantes objetivos que busca un SALON INTERnacional o internacional o INTERNACIONAL.

Si dentro de todos estos objetivos no tenemos en cuenta a quien o quienes nos dirigimos y solo pensamos en curadores y artistas, entonces debemos dedicarnos a otras cosas…

Y es allí donde debemos mirar un poco y no convertir el Salón Regional y el Nacional en otra feria más… se ha tenido en cuenta para alguna decisión al PUEBLO, a las academias, a los estudiantes, a los profesores, a los galeristas, a los artistas…

En este punto resalto el trabajo del colectivo que conformo La Coperativa por su excelente propuesta para convocar y seleccionar los participantes del Salón regional zona Centro…

La Cooperativa abrió un espacio DEMOCRATICO en internet donde cada artista podía subir su propuesta y exponerla ante los demás, posteriormente los mismos artistas que aplicaron fueron los encargados de seleccionar a los participantes a quienes se les entrego una bolsa de trabajo… todo el material de los que aplicaron más las obras de las tres muestras son un archivo valiosísimo para entender lo que está sucediendo en estos momentos en el campo del arte y desmitificar un poco la posición del CURADOR, de la GRAN OBRA y mucho más del GENIO ARTISTA; Dando paso, para analizar al ser humano, ver las diversas problemáticas que interesan a los artistas… y pensar en construir una comunidad más justa, con oportunidades para todos y todas. http://proyectocooperativa.org/

Yo invitaría al Ministerio de Cultura a implementar un archivo web con todo el material de los que aplican y de los que exponen ya que ello también serviría mucho para su apuesta a la internacionalización del arte, a la memoria, y a la difusión para conocer lo que sucede en las regiones del país.

No está demás implementar unos cupos directo al regional y al nacional resultado de la selección de los mismos artistas que aplican a dichas convocatorias, sumado a la selección de los organizadores. Y si los artistas que han ganado becas del ministerio y los ARTISTAS de MAS TRAYECTORIA desean ser parte del NACIONAL deben aplicar a los REGIONALES… ( Y por respeto a los colegas… Es lamentable que una persona que sea CURADOR del REGIONAL vaya a participar como artista en el NACIONAL… o es que no se creen con todas las capacidades de pasar por la convocatoria). Igualmente es una tristeza ver la poca o casi nula presencia de los GRANDES MAESTROS de cada región en las inauguraciones de dichos Regionales, pocos de los que nos inspiraron comparten estos momentos con los que vienen atrás y menos con los jóvenes artistas… y una gran mayoría ni vio el Regional pero desea estar en el ¨catálogo¨ del Salón Nacional.

Tengo entendido que se envió emails a los participantes de los Salones Regionales, así como a los ganadores de Becas del Ministerio de Cultura en los últimos años para que enviaran su portafolio para ser evaluado por el equipo curatorial… Me pregunto.. Por qué no es pública la convocatoria al Salón Nacional, Por qué no es pública la convocatoria para ser parte del EQUIPO curatorial del Salón Nacional. Por qué no se publican las listas de inscritos?…

Debe existir un porcentaje sagrado de participación de cada región para el nacional; así como la inversión en todas las regiones y para todos los artistas y curadores debe ser la misma.

Este debate abre el camino para plantear una LEY PUBLICA de CULTURA que permita que el ESTADO destine unos recursos monetarios para cada artista, curador, tallerista, conferencista, que participa en una muestra pública o privada. Así como existe en otros países donde el estado tiene una tarifa para muestras nacionales y otra para muestras internacionales, entregando a cada participante un dinero por honorarios… Reconocer el trabajo de artistas y teóricos es la base para fortalecer y profesionalizar lo que hacemos.

Salones Regionales y Nacionales, así como muestras en galerías, ferias, bienales, o centros culturales son realizadas con las obras de miles de artistas que invierten a diario y que no reciben un solo peso de honorarios… más cuando los administradores de la cultura, CURADORES, GALERISTAS y artistas sabemos que muchas técnicas en el momento no son tan comerciales. Hace 20 años aún las galerías compraban toda la obra para abrir sus muestras, ahora dejamos en ¨consignación¨ nuestro trabajo, que es mostrado en las ferias, en las paredes blancas de galerías, en las bienales o en los salones estatales para que al final de la muestra sea devuelta la obra. Que esperar si muchas muestras tanto estatales como privadas no volvieron a invertir en los seguros de obra.

Por otro lado no podemos desvincular la producción actual con la anterior y con nuestra historia… tres aspectos fundamentales que deben hacer parte de cualquier salón nacional.

Sé que es una falencia la internacionalización del arte Colombiano y aplaudo el hecho de realizar muestras con artistas de otras latitudes, pero creo que una cosa es el Salón Nacional y otra cosa debe ser realizar proyectos Internacionales.

Igualmente estoy convencido que las convocatorias a los Salones Regionales como las convocatorias a los Salones Nacionales deben ser públicas y deben ser difundidas por diversos medios.

Todos los catálogos y publicaciones del ministerio de cultura deben estar en español e inglés como me imagino será el catálogo del próximo Salón INTERnacional un gran ejemplo para IDARTES y para la realización de los catálogos que hacen las GRANDES GALERIAS para impulsar cada muestra, sus obras y sus ARTISTAS.

Ya que invertimos tantos millones en producir los Salones Regionales, pagando a importantes jurados para seleccionar los grupos curatoriales de los regionales, y pagamos por varios meses de investigación por los equipos curatoriales de cada región, así como el trabajo de muchos artistas, creo necesario contar con dichos equipos, investigaciones e intereses para conformar el EQUIPO CURATORIAL NACIONAL y no descartar los lineamientos de todos los implicados, ya que sería demostrar que de nada sirve lo que piensan y hacen las regiones del país, así como la inversión que hacemos con los impuestos.

Estoy de acuerdo con lo que apuesta el MINISTERIO DE CULTURA e IDARTES con realizar muestras donde artistas nacionales, conocen, comparten y exponen con artistas de otros países, esto era una necesidad desde siempre. Pero para ello creo indispensable generar una muestra seguramente llamada Salón INTERNACIONAL de Arte, independiente del nacional, donde se cuente con una bolsa económica para equipo curatorial (conformado por curadores nacionales o internacionales), otra bolsa para creación (materiales de obra), y una bolsa para honorarios de cada artista; fuera del presupuesto para movilización, alimentación, hospedaje, montaje de la muestra y catálogo en español e inglés. No podemos colocar las producciones locales a la par de las internacionales cuando la diferencia en inversión es de pesos a dólares y a euros.

Veamos el ejemplo de IDARTES publicando las actas de los jurados seleccionados, las listas de inscritos, habilitados, por subsanar, la lista definitiva y las actas de selección lo que ayuda a evitar confusiones y malos entendidos. Yo a esto le sumaría la publicación de los dineros invertidos para montaje, difusión, catálogo, invitaciones y demás recursos que se destinen para cada caso.

Espero desde ya que cada equipo curatorial de cada región, así como el ministerio de cultura y el equipo curatorial de este salón (Inter)Nacional, así como artistas, curadores filósofos, galeristas, decanos de artes, artistas y público en general opinen para construir un modelo que satisfaga a todos, que fortalezca nuestros salones y sobre todo alimente las regiones, el país y al mundo.

¡¡¡ 🙂 !!!

LOS EDITORES –LOS CORRECTORES DE ESTILO–, SE DEFIENDEN ARROGÁNTEMENTE DE LOS POETAS Y CREADORES.

Con sofismas anecdóticos, históricos y conceptuales, el señor William López nos quiere hacer creer a los apóstatas que el mercado salvará al arte colombiano de su parroquialismo; nos quiere hace creer que en plena globlalización librecambista persistimos atávicamente en vivir encerrados. Señor López: en Colombia existen iniciativas creativas que consideran que hay cosas más importantes que el mercado de bienes suntuarios. Con la intervención del señor López quedamos enterados de que los curadores “construyen relaciones” y organizan fiestas para los millonarios interesados en comprar arte global. Parece que los curadores padecen de un síndrome que se podría denominar Yvonne Nicholls.

Así le choque al señor López, los artistas que protestan por el control totalitario que ejercen los curadores sobre los artistas, tienen la razón. El maestro Nadin Ospina, sólo es uno entre los muchos inconformes con aquellos que como el señor López, no comprenden en qué consiste producir arte en las condiciones de precariedad simbólica y material que padecemos. Parece que la “confusión” no está del lado de los artistas, sino de aquellos que crean reglas ad hoc volátiles para filtrar la participación de artistas en el Salón Nacional. Se escudan sofísticamente en un discurso editado con torpeza por unos prestidigitadores elegidos a dedo. El discurso curatorial del actual Salón en venta, es una paráfrasis de las teorías estéticas en moda. “Entrar” o no “entrar” no lo pueden decidir argumentos tan vagos como los expuestos por los curadores. Con esos argumentos, cualquiera puede participar en este Salón Global de Mercancías. Como los curadores no saben de arte, sino “construir relaciones”, sus filias y fobias son las que determinan la participación de los artistas en los Salones.

Nadin Ospina denuncia que el dispositivo o “guion curatorial” es un sofisma con el cual se disciplina a los contradictores de las políticas del mercado estético nacional y el señor López se enfurrusca con la crítica y hace silencio posando de erudito curatorial. Ahora el Ministerio de Cultura tiene el deber de explicar ampliamente a su pueblo, a los ignorantes confundidos por una poética parroquial, por qué este dispositivo del “saber-desconocer” permitió entrar a aquellos que entraron a este Salón Global.

Ahora, este interés por el mercado es interesante y legítimo, pero, ¿por qué sus fiestas galantes las tiene que financiar el Estado? ¿Por qué el dinero que el Estado debe dirigir, sin ningún truco discursivo o “guion curatorial”, a la alfabetización visual de los colombianos y a la visibilización de sus artistas, tiene que ser desviado a promocionar artistas internacionales? Ministra: ¿no es esta modalidad de desvío de fondos un peculado? ¡Ojo! ¡Qué los artistas pueden comenzar a recurrir a instancias de control fiscal! El maestro Ospina le ha interpuesto un Derecho de Petición, pero sus acciones y las de otros artistas pueden llegar a los entes de control fiscal.

no me gustó, ni el tono ni los argumentos

Halim: gracias por la correción. Ofrezco disculpas a William Lopez, por este laspus calami.

SI LOS TIBURONES FUERAN CURADORES DE ARTE

Si los tiburones fueran curadores de arte –preguntó al artista K. la hija pequeña de su bella y superpoderosa patrona–, ¿se portarían mejor con los pececitos?

–Claro que sí –respondió el señor K.–. Si los tiburones fueran curadores de arte, harían construir en el mar salas de exposición enormes para los pececitos, con toda clase de alimentos en su interior, tanto plantas como materias animales. Se preocuparían de que a las salas llegara siempre agua fresca y adoptarían todo tipo de medidas sanitarias y publicitarias. Si, por ejemplo, un pececito se lastimase una aleta, en seguida se la vendarían de modo que el pececito no se les muriera prematuramente a los tiburones antes de una gran exposición de arte (inter)nacional.

Para que los pececitos no se pusieran tristes habría, de cuando en cuando, grandes fiestas acuáticas, ferias de arte o salones (inter)nacionales, pues los pececitos alegres tienen mejor sabor que los tristes y se venden mejor en los mercados globales. También habría escuelas de teorías de arte contemporáneo en el interior de las salas de exposición. En esas escuelas se enseñaría a los pececitos a entrar en las fauces de los tiburones. Estos necesitarían tener nociones de geografía para mejor localizar a los grandes tiburones, que andan por ahí holgazaneando en los museos o en las galerías de arte. Lo principal sería, naturalmente, la formación ética, moral y política de los pececitos en la ideología de los mercados libres. Se les enseñaría que no hay nada más grande ni más hermoso para un pececito que sacrificarse con alegría por su curador de arte; también se les enseñaría a tener fe en los tiburones, y a creerles cuando les dijesen que ellos ya se ocupan de forjarles un hermoso porvenir por medio de estímulos, como Becas de creación para artistas con trayectoria en los carruseles estatales, salones regionales, nacionales, o en las bienales internacionales de arte. Se les daría a entender que ese porvenir que se les auguraba sólo estaría asegurado si aprendían a obedecer a sus curadores. Los pececillos deberían guardarse bien de promover rencillas en Esfera Pública o dejarse llevar por bajas pasiones en facebook, así como de cualquier inclinación materialista, egoísta o marxista que afecte la armonía liberal en las salas de exposición. Si algún pececillo mostrase semejantes tendencias, sus compañeros deberían comunicarlo inmediatamente a los tiburones que merodean en facebook.

Si los tiburones fueran curadores de arte, se harían naturalmente la guerra entre sí para conquistar los Salones Regionales, los Salones (inter)nacionales y pececillos ajenos. Además, cada tiburón obligaría a sus propios pececillos a combatir en esas guerras. Cada tiburón enseñaría a sus pececillos que entre ellos y los pececillos de otros tiburones existe una enorme diferencia: conceptuales o no conceptuales, figurativos o abstractos, teóricos o prácticos, mamertos pequeñoburgueses. Si bien todos los pececillos son mudos, proclamarían, lo cierto es que callan en idiomas muy distintos y por eso jamás logran entenderse. A cada pececillo que matase en una guerra a un par de pececillos enemigos, de esos que callan en otro idioma, se les concedería una medalla al coraje y se le otorgaría además el título de héroe. Si los tiburones fueran curadores de arte, tendrían también su arte contemporáneo. Habría hermosas instalaciones en las que se representarían los dientes de los tiburones en colores maravillosos, y sus fauces como puros jardines de recreo en los que da gusto retozar. Los teatros del fondo del mar mostrarían a heroicos pececillos entrando entusiasmados en las fauces de los tiburones, y la música sería tan bella que, a sus sones, arrullados por los pensamientos más deliciosos, como en un ensueño, los pececillos se precipitarían en tropel, precedidos por la banda, dentro de esas fauces. Habría asimismo un guion curatorial religioso, si los tiburones fueran curadores de arte. Este guion religioso enseñaría que la verdadera vida comienza para los pececillos en el estómago de los tiburones. Además, si los tiburones fueran curadores de arte, los pececillos dejarían de ser todos iguales como lo son ahora. Algunos ocuparían ciertos cargos en el Estado, lo que los colocaría por encima de los demás. A aquellos pececillos que fueran un poco más grandes se les permitiría incluso tragarse a los más pequeños. Los tiburones verían esta práctica con agrado, pues les proporcionaría mayores bocados. Los pececillos más gordos, que serían los que ocupasen ciertos puestos, se encargarían de mantener el orden entre los demás pececillos, y se harían gerentes de arte, productores o montajistas, maestros u oficiales, ingenieros especializados en la construcción de guiones curatoriales. En una palabra: habría por fin en el mar una cultura si los tiburones fueran curadores.

Adaptación libre y pecaminosa de Si los tiburones furan hombres:
Bertolt Brecht, Historias de Almanaque, Barcelona, Editorial Alianza, 1975.

Querido Nadín

No me tomo la molestia de leer tu artículo completo (debo salir pronto a trabajar, no en arte como quisiera), ni los comentarios, solo alcancé a mirar a vuelo de cursor la respuesta de Nicolás Cadavid. Digo no vale la pena puesto que yo he sufrido en carne propia los avatares de las 5 últimas versiones del SNA en las cuales he sido seleccionado desde el SRA región Centrooccidente a la 40, 41 y 42, más no en el 12 SRA ( 39 SNA) donde fuiste jurado, puesto que hasta ese entonces no se hablaba en el Ministerio de curadores, (valga el orden de estas palabras) y como participante a las becas curatoriales del 14 SRA, puesto que como dice el querido Nicolás nos toco ahora así, esa multiplicidad de tareas para sobrevivir a este medio perverso en que se ha convertido el arte oficial.

Recuerdas cuando te pregunte en el auditorio del Museo de Arte de Pereira sobre el fallo del jurado del 11 SRA del Eje Cafetero, del que eras parte con Mariapaz Jaramillo y ——— y me respondiste sobre mis propuestas «PAISASALVO» y «CAMPO MINADO»: «Cuando uno no sabe de esto mejor se dedica a vender empanadas», muy diciente de tu estilo, sin indagar ni saber que yo era un aspirante a artista desde niño que no tenía mas que ganas por que mi preparación era incipiente puesto que por dificultades de sobrevivencia me vi en la obligación de estudiar Finanzas en el Politécnico GranColombiano y trabajar como analista financiero en la banca Colombiana, luego realicé estudios literarios en la Javeriana y más tarde ya en Manizales me acerqué a la Escuela de Artes donde siguen anclados en el siglo XVIII; Después conocí la frase-acción de Antonio Caro contra el establecimiento y en carne del curador Rubiano, cuando le dijo: DEFIENDO MI TALENTO y le propino una cachetada en plena inauguración del salón Atenas, si recuerdo bien, pues reconozco no tener buena memoria cuando estoy ofuscado como ahora ni saber de tantas cosas, pues el océano del conocimiento es infinito. El mismo señor Caro me debe una al respecto de mi proyecto PARAISO 4% del 42 SNA curaduría INVERSIONES: Carlos Uribe, Adriana Ríos, etc., puesto que opinó, por supuesto a espaldas mías que mi proyecto era una limosna a los más ricos del mundo. Ya encontraré la manera de devolverle sus palabras con sus palabras y su acción, luego convertida en instalación. Bueno PARAISO 4%, sigue su curso y ya hasta ha sido invitado como tema curatorial en CHile (Beca de circulación internacional, Mincultura 2012) y fue expuesta en un seminario internacional sobre arte y dinero en la Sorbona por Ricardo Arcos Palma 2011.

Mi resistencia al despotismo no claudica ni descansara ni en el sepulcro, puesto que ese mismo día de sus palabras abrasantes consulte al otro jurado quien me dijo que la habían visto 8 veces, que el concepto era muy bueno pero que le faltaba edición puesto que parecía un chiste de Sábados felices, ese fue el director de artes de los Andes que ahora no recuerdo su nombre, el de las fotos del opio y la guerra, el de las fotos de cruces en los caminos. Lo hice así y me presente luego con PAISASALVO en el salón nacional diversidad 2005 de casa cuadrada donde fuiste jurado y comentaste que por fin había hecho el trabajo, aunque esas no fueron tus sugerencias ni tus palabras.

El director de casa cuadrada a quien no quiero recordar, y quien dijo que Jaime Cerón, el otro jurado había comentado que la acción con registro en video era tan mala, mala, mala que era buena, buena, buena, haciendo la acción de masturbarse. Igualmente Cerón, me resolvío su extraño comentario, en la inauguración de Diversidad 2005, sobre la cinta amarilla cuando le pregunte sobre JARDINES DE PAZ puesto que él fue el tutor de ese grupo curatorial, cuando el equivocado era él que supuso que la cinta de NO PASE que había puesto el Centro Colombo Americano de Manizales para impedir el ingreso de sus estudiantes por mi videoinstalación instalación JARDINES DE PAZ (MAMBO 2006), formaba parte de mi obra.

Me pregunto si no fuera como soy, si hubiera llegado hasta allí en ese momento, si no fuera lo que ahora soy, por razón de sus palabras hirientes y déspotas. Acababa de ganar el gran premio del primer salón nacional de arte popular BAT British american Tobacco y Mincultura ( a pesar de toda la resistencia del arte «culto» frente a ese salón popular) y eso me dio el valor de participar con mis obras en el arte emergente y conceptual que era lo que yo buscaba, con mi formación de analista del sector financiero, donde aprendí a mi pesar sobre arte, no por conocimiento del medio, sino por la conceptualización.

Bueno, ese fue mi camino, por que yo realmente quiero hablar del SNA donde se nos borra por venir de un SRA sin mirar la potencia de nuestras obras y sin pertenecer al establecimiento de relaciones públicas que es el arte hoy día.

El SNA internacional de los curadores quieren solamente volverlo internacional para potenciar sus curriculums y sueldos a nivel internacional, es sólo eso, y ampliar la esfera de sus relaciones, por supuesto.

Tengo mucho que decir de los neocuradores, de los artistas neocuradores, curadores, del robo en la curadurias, etc. por ahora debo parar e ir a trabajar, espero continuar.

Somos invisibles ante el medio, pero la obra fuerte prevalecera a las ansias de poder de los Famas, según la expresión de Cortazar. Cada uno asuma su psicoanálisis.

Mauricio tan suspicaz como siempre buscando los muchos orificios de mi pobre cera para clavar la aguja.
Pero no, no señor, no me interesa ser como Meireles ni como nadie, solo señalo la condición por la cual se invita a estos artistas, su posición el el mainstream y estoy totalmente de acuerdo con Usted, eso es solo una ficción.
http://www.artfacts.net/en/artist/cildo-meireles-14129/profile.html

Hola Mauricio!
Opino que justo hoy leía una entrevista a Bernardo Salcedo que esferapública colgó hace poco. Vea este fragmento tan elegante:

¿Qué piensa de la polémica que se ha armado por los desfalcos de fondos que ha detectado una auditoria fiscal al Museo de Arte Moderno de Bogotá?

Aquí no les interesa edu­car a la gente para que entienda las cosas, sino polarizar todo. Todo quieren volverlo bipartidista; decirle a la gente: usted, está en con­tra de Coca Cola o en pro de Pepsi. No tiene sentido. Por eso en el caso de Gloria Zea yo detesto las gaseosas. En Venezuela no hay una Gloria Zea sino seis o siete y coexisten todas sin que la estabilidad democrática sufra mengua. Aquí las peleas son de barrio. Los de la cien contra los de la veintiséis, son la gallada de Gloria contra el clan de los Iregui. Nada se ha sofisticado. Somos un país pobre. No me interesan ni la sociedad actual ni la pasada. Vivo contento, me parece que todo lo que estoy viviendo está bien. Co­lombia no puede ser distinta ni el mundo puede ser distinto de lo que es. Simplemente, uno debe vivir y trabajar, no pretendo cam­biar nada. Mi arte es para recrearme, no estoy enviando mensajes. Hay gente que puede leer en mi obra crítica, ensoñación, eso es válido, pero ninguna de esas interpretaciones me impulsan a ha­cer mis cosas.

Dear William, ante esa respuesta traduzco mi pregunta a ver si me entiende : qué piensa de Cildo Meireles y Ernesto Neto? Le parece que son suficientes para refrendar los alcances internacionales del evento?

EL INTER DE COLOMBIA.

Este título suena como el nombre de un equipo de fútbol, pero para allá vamos. Estamos ad portas de un Champions League. El exitismo del cual habla Nadin Ospina recoge la tendencia curatorial de la actualidad. Su preocupación no son las ideas de los artistas. Su objetivo principal es la notoriedad mediática. ¡Los medios son tan sensibles! Hoy todo el mundo trabaja para impresionar el mal gusto de los medios.

El éxito lo mide la fama artificial que crea la propaganda. Es necesario recordar la distinción que hace Santiago Cárdenas entre artistas famosos y artistas importantes. Artistas famosos son aquellos creados por la propaganda. Artistas importantes son los que trasforman su campo de expresión. Un ejemplo de los primeros, lo podemos encontrar en la exposición actual del Museo de Arte del Banco de la República. Un artista neopop que cree ser expresión de la sensibilidad brasileña.

Sorprende que finalmente, pese a todas las luchas contemporáneas e investigaciones decoloniales, la ideología del fin del arte haya logrado posicionarse en Colombia. Más sorpresivo es que no pase nada en el campo del arte colombiano una vez se evidencia que con este rasponazo se acaba con el Salón Nacional. Sorprende que, por boca de sus amanuenses, el Ministerio de Cultura despliegue a los cuatro vientos el triunfo del mercado global, y sólo unos pocos artistas tengan el coraje de alzar su voz, aquellos que no temen perder las dádivas que galantemente distribuye el Estado mediante sus carruseles lúdicos. Es raro que se acabe de esta manera el Salón Nacional de artistas y todos tan felices diciendo que con respecto a discusiones del pasado, no existe diferencia cualitativa en el debate actual. Con el orgullo propio del fin de la historia, la ministra de cultura puede declarar pomposamente en Medellín, que el arte nacional es un pasado, que hablar de arte emancipatorio es un anacronismo.

El debate actual muestra dos cosas. Por una parte, se evidencia la desconfianza hacia el Misterio de Cultura. Por otra parte, se constata que este sentimiento se ha generalizado entre la mayoría de los artistas, sólo basta con mirar el malestar en las redes sociales. Como está planteada la discusión, el problema se puede abordar desde los malestares más sentidos por los artistas. En primer lugar, el sigilo con que se realizaron las convocatorias. En segundo lugar, la arbitrariedad de las reglas aplicadas para filtrar la participación de los artistas. Como le corresponde al curador como creador, el guion curatorial es un sofisma de distracción. En tercer lugar, la baja credibilidad ética que tienen los organizadores y los curadores. Sin duda alguna, el fin de la historia viene acompañado con un declive de la ética: negocios son negocios. Sí señores y señoras contemporáneas: art is money.

Fotografía: cortesía de Ricardo Muñoz.

Don Antonio, lo felicito por el premio y por el nombre, ‘Jardín errante’, se lo merece. Lo que sí no celebro es el correo envenenado y violento con que atacó a nuestro escultor nacional, orgullo de la patria. Yo sé que usted es un tipo noble, y que le han hecho daño, pero le pudo el resentimiento; de lo más colombiano.

Frente al número de artistas que harán parte del 43SNA, se sabe que la inclusión no será suficiente, por lo cual, surge la creciente necesidad de dar cabida a un número mayor de artistas, que con rigor y constancia, han logrado importantes elaboraciones simbólicas y han aportado significativas y reconocidas cualidades estéticas, que también hacen parte del paisaje de las prácticas artísticas contemporáneas.

A razón de este fenómeno, un grupo de artistas, gestores culturales y académicos de la ciudad proponemos la realización de la primera propuesta paralela al espacio más importante de nuestro país en el ámbito de las artes visuales (43SNA): -SNACK MEDELLÍN Arte y espacios a prueba- Una plataforma de visibilización de las artes visuales de la ciudad en donde los lugares de exhibición se prueban a través de las intervenciones artísticas, que se beneficie de la vitrina nacional e internacional que tendrá la ciudad en esos tres meses, y que insista en la multiplicidad de las propuesta plásticas en el país.

Convocatoria
http://issuu.com/snackmedellin/docs/convocatoriasnackmedellin

Snack Medellin
http://snackmedellin.blogspot.com

El Próximo será: Salón Inter galáctico de artistas y la sede sera en la estrella MIN -CUL- 0 a 200.000 años luz de la cultura

He dedicado tanto tiempo a esta reflexión sobre el Salón Nacional porque pienso que esta institución del arte colombiano es el evento más importante de nuestra cultura visual y el mayor patrimonio tangible de la comunidad artística y porque veo venir sobre él siniestras sombras que auguran la intención de un despojo de dimensiones mayúsculas que causará un inmenso daño a la cultura y al arte nacional.
La ausencia del Salón en su modelo original ya ha dejado un gran vacío y el propósito de convertirlo a un formato de exhibición internacional es un inmenso error propiciado por intenciones oscuras y equivocas.

A las nuevas generaciones y a la sociedad desapercibida se le está vendiendo la idea de que el Salón Nacional de Artistas Colombianos fue un salón elitista, decadente, anacrónico e inútil. Nada más alejado de la realidad; el Salón fue en todas sus ediciones un evento democrático, plural, incluyente, vibrante, a veces polémico, pero nunca intrascendente. Un evento con un inmenso arraigo en la comunidad artística y en la sociedad en general.
El Salón acogió durante sus 43 ediciones y 63 años de existencia, a todos los artistas visibles del país y premió a destacadas figuras, incluso en momentos en que su obra no tenia el reconocimiento posteriormente alcanzado.
Para muchos artistas el Salón era prácticamente el único espacio de exhibición porque su obra era: anti comercial, efímera, performancística, experimental, imposible de montar en otro espacio por sus dimensiones y condiciones, por ser un artista desconocido, por ser joven, por ser de provincia y todas las sumatorias y permutaciones de estos factores.
Es imposible pensar en una revisión histórica, por ejemplo, de la obra de María Teresa Hincapié sin sus dos obras fundamentales; “Una cosa es una cosa” y “Divina proporción” premiadas en 1990 y 1996.
En sus mejores versiones, aquellas que se montaron en el espacio de Corferias, por sus dimensiones, sus condiciones técnicas y la profesionalización de los equipos de montaje se estableció una dinámica expositiva y un diálogo creativo, entre la organización y los artistas que devino en la actualización de los criterios de exhibición y en la presentación de un evento de extraordinario nivel ¿o no estuvieron allí presentes los artistas que hoy brillan internacionalmente?
Este espacio profesional y generoso fue un modelo al que solo se aproxima y trata de imitar hoy en día, la Feria de Arte de Bogotá, con las limitantes inherentes a su carácter comercial.
En los Salones Nacionales de Artistas Colombianos, el espectador podía encontrar la obra de los grandes maestro, de los artistas maduros y de los jóvenes con sus propuestas experimentales y renovadoras.
Que el Salón generó un modelo competitivo, claro que si y fue muy positivo.
El arte es una profesión como cualquier otra y también allí hay peldaños que subir y hay excelencia y esa excelencia se premia y estas distinciones son el acicate y el modelo para el progreso de otros.
Muchos dirán que esta es solo una ficción personal y que este Salón solo existe en mis sueños, y probablemente sea así, y es que diciéndolo en términos de Bachelard, el Salón Nacional de Artistas Colombianos, ese espacio que habité, es el espacio que habita en mis sueños y soñar es la función del artista.

El Salón debe ser Salón, el Salón debe ser Salón Nacional y el Salón debe ser Salón Nacional de Artistas Colombianos.
Debe ser Salón porque su formato expositivo permite apreciar en un solo espacio o a lo sumo en espacios asociados de fácil acceso una muestra integral y coherente, un conjunto plural de obras en dialogo con una metodología expositiva técnica y contemporánea.
Debe ser Nacional porque es el evento oficial que cubre la necesidad general de participación de la comunidad artística nacional, sin cortapisas comerciales y con una amplia participación. El sistema de regionales que es FUNDAMENTAL debe ser optimizado para dar acogida a la mayor cantidad de participantes de todo el país, siendo lo más incluyente posible. El Salón finalmente debe tener un numero significativo de participantes y no el exiguo e insuficiente del Salón actual.
El Salón debe ser de Artistas colombianos porque su función es la de permitir a la inmensa y activa comunidad nacional tener un espacio de visibilidad que no existe en el modelo actual. No se compadece la reconocida calidad del arte nacional con la falta de un evento expositivo oficial que permita al público general entrar en contacto con esta dinámica que es parte integral de la cultura colombiana y un espacio generador de pensamiento, reflexión y disfrute estético.
Hemos tenido entre manos un dispositivo cultural que no hemos sabido valorar. Por un falso concepto renovador se ha dejado acabar el Salón perdiendo un capital cultural invaluable. El Salón como una gran empresa cultural de la Nación, nos pertenece a todos los artistas colombianos y su entrega a la transnacional de las curadurías bienaleras, un desmedro al patrimonio social . Si cada artista colombiano pierde un espacio de participación en beneficio de la presencia de artistas extranjeros, estamos ante un mal negocio. Y a quién beneficia finalmente esto, solo a aquellos que con los recursos estatales, que son de todos, están intentando catapultar sus ambiciones personales.
La inclusión del Salón en el portal Universes in Universe, es muy diciente; es el anuncio de la mutación del Salón a Bienal Internacional y este traslapo como el TLC nos va a encontrar a los artistas nacionales mal parados. Si no, veamos el actual Salón con su pobre representación nacional, convenientemente matizada por unas pocas figuras “de postín” para ir “a la fija”. Como alguien comento en FB parece haber mejor cartel en la exposición de Daros que en el Salón.
Que en este evento habrá visibilidad del arte nacional y diálogo con el arte internacional, pues claro que si, pues el arte colombiano es muy poderoso por si solo.
Que es importante para la sociedad y para el arte nacional entrar en contacto con el panorama internacional y abrir la puerta a la circulación del arte del mundo en Colombia, pues si, pero no mientras nuestros jugadores queden relegados a estar en la banca. Y no seamos tan regalados y pordebajiados pensando que el arte en Colombia va a mejorar porque tenemos la oportunidad de ver arte internacional. El arte colombiano tiene mucho que decir con su propia voz y el centro del mundo también está aquí.
Hay que hacer eventos internacionales pero lo primero es cuidar y fomentar el arte nacional que tanto se pondera por su calidad; algo que los artistas lograron por si solos con los recursos existentes.
Queremos enviar el satélite al espacio y no vamos marchando ni en carro de balineras. No será que mejor nos bajamos del Concorde y peatonalizamos el arte, la gasolina para aviones está muy cara y es poco ecológica. A lo mejor volviendo a recorrer los senderos de la patria, con menos afanes y mejor mirada nos volvemos a encontrar con algunos valiosos habitantes y descubrimos flores nunca vistas.
Ya se ha anunciado que el nuevo esquema parte de la base de que los Salones Regionales serán eventos autónomos. Esto solo significa que a los artistas de la provincia se les dará un contentillo local con la imposibilidad de participar en el magno evento internacional. Pero que van a poder participar si a la luz de este arribismo son impresentables. Y del resto, pues se invitará convenientemente a los de mostrar, a los que ya han ganado por su propio mérito un lugar en el panorama internacional y a los jóvenes que se ajusten al esquema performático bienalero.

Se va a usar la “joya de la corona” del arte colombiano y su capital económico para ofrecerlo como prenda, como basa para entrar a ese mundo de los grandes espectáculos del arte internacional.
Los artistas colombianos no van a ganar nada y si a perder todo lo que el Salón aportaba. Solo nos quedaremos viendo la gran comparsa del éxito de unos pocos astros.
Para finalizar y retirarme de este foro después de dejar esta mi humilde opinión, quiero concretar lo que a mi parecer debería ser el modelo del Salón Nacional de Artistas Colombianos que incuestionablemente debe renacer:
Se debe reconformar el Salón Nacional de Artistas Colombianos en su esquema original, con Salones Regionales, con reglas claras de participación y convocatorias públicas y transparentes de amplia difusión, con premios regionales y nacionales y con el establecimiento de espacios de exhibición idóneos.
Si se quieren hacer exposiciones internacionales, magnífico, que se gestionen los recursos para ello pero que NO se nos despoje del Salón Nacional de Artistas Colombianos.

Finísimo aporte Jaider, completamente pertinente.
Me permito preguntarle ¿que opina de la inclusión en el salón de este año de tantos artistas de la costa, probablemente gracias al hecho que Javier Mejía es parte del equipo curatorial?

El Salón Nacional de Artistas Colombianos, el evento más importante de nuestra cultura visual y el mayor patrimonio tangible de la comunidad artística del País está en peligro de desaparecer y esto será un despojo de dimensiones mayúsculas que causará inmenso daño a la cultura y al arte nacional.

La ausencia del Salón en su modelo original ya ha dejado un gran vacío y el propósito de convertirlo a un formato de exhibición internacional es un inmenso error propiciado por intenciones oscuras y equivocas.

A las nuevas generaciones y a la sociedad desapercibida se le está vendiendo la idea de que el Salón Nacional de Artistas Colombianos fue un salón elitista, decadente, anacrónico e inútil. Nada más alejado de la realidad; el Salón fue en todas sus ediciones un evento democrático, plural, incluyente, vibrante, a veces polémico, pero nunca intrascendente. Un evento con un inmenso arraigo en la comunidad artística y en la sociedad en general.

El Salón acogió durante sus 43 ediciones y 63 años de existencia, a todos los artistas visibles del país y premió a destacadas figuras, incluso en momentos en que su obra no tenia el reconocimiento posteriormente alcanzado.
Para muchos artistas el Salón era prácticamente el único espacio de exhibición porque su obra era: anti comercial, efímera, performancística, experimental, imposible de montar en otro espacio por sus dimensiones y condiciones, por ser un artista desconocido, por ser joven, por ser de provincia y todas las sumatorias y permutaciones de estos factores.

En los Salones Nacionales de Artistas Colombianos, el espectador podía encontrar la obra de los grandes maestro, de los artistas maduros y de los jóvenes con sus propuestas experimentales y renovadoras.

No se compadece la reconocida calidad del arte nacional con la falta de un evento expositivo oficial que permita al público general entrar en contacto con esta dinámica que es parte integral de la cultura colombiana y un espacio generador de pensamiento, reflexión y disfrute estético.

El Salón como una gran empresa cultural de la Nación, nos pertenece a todos los artistas colombianos y su entrega a la transnacional de las curadurías bienaleras, un desmedro al patrimonio social . Si cada artista colombiano pierde un espacio de participación en beneficio de la presencia de artistas extranjeros, estamos ante un mal negocio.
Se va a usar la “joya de la corona” del arte colombiano y su capital económico para ofrecerlo como prenda, como basa para entrar a ese mundo de los grandes espectáculos del arte internacional.

Los artistas colombianos no van a ganar nada y si a perder todo lo que el Salón aportaba.

Por todo esto SALVEMOS EL SALON NACIONAL DE ARTISTAS COLOMBIANOS
http://www.avaaz.org/es/petition/No_a_la_muerte_del_Salon_Anual_de_Artistas_Colombianos/?copy

Una cosa es una cosa (version original) min 1:18

ENCONTRE ESTA PERLA: ALGO PROFETICO O LOS MISMOS CON LAS MISMAS.

El Salón Nacional y otros salones nacionales en Colombia

Germán Rubiano Caballero

A diferencia de lo que pasa en otras partes, Colombia no es un país en el que se realicen muchos salones de carácter nacional. Tampoco abundan los salones regionales o los especializados en algún procedimiento artístico y de convocatoria nacional o regional. Por eso, el Salón Nacional de Artistas, organizado por el Estado —en los últimos años por el Instituto Colombiano de Cultura— sigue siendo la gran exposición colectiva del país.

Entre abril y mayo de este año se realizó la edición XXXV de este Salón, que fuera convocado por primera vez en 1940. En estos 54 años su trayectoria está llena de altibajos y vicisitudes —han sido tantos y tan diversos los ministros de educación y los directores de Colcultura— y pletórica de controversias —por los jurados, por los premios, etc.—. Vista en retrospectiva, la historia de los salones es un poco la historia de las artes plásticas de Colombia. En un seguimiento atento se pueden conocer las tendencias predominantes, los nombres más sobresalientes y de mayor continuidad, las predilecciones de ciertos críticos e incluso las intrigas para imponer artistas o jurados que ciertos dómines han podido urdir.

Los organizadores del XXXV Salón sostuvieron qe nunca antes se había hecho una edición con tantas obras. Posiblemente. Sin embargo, el Salón de 1990, el XXXIII, también fue enorme y de mejor calidad, En aquella ocasión, con motivo de los cincuenta años de los Salones se invitó a muchos maestros de gran prestigio—como Fernando Botero—, que tuvieron la deferencia de participar. En 1994, con varias excepciones, predominaba la mediocridad. La admisión fue demasiado generosa y muchos de los participantes mostraban una completa inmadurez. Algunos maestros, además, brillaban por su ausencia —no estaban Manuel Hernández, Olga y Jim Amaral, Fanny Sanín, Juan Cárdenas, etc.—y otros no tenian obras importantes —Pedro Alcántara, Umberto Giangrande y Leonel Góngora, por sólo citar unos pocos—.

Lo primero que hacía impenetrable el Salón en mención era su montaje. Si el espacio descomunal era suficiente e incluso algunos trabajos estaban bien separados unos de otros, la distribución no tenía criterio alguno y en buena parte las obras estaban colocadas al azar. La exposicion no tenía orden y el público debía recorrer las salas como si estuviera en una especie de laberinto, aunque en este caso sin ningún hilo de Ariadna. Cada día resulta más indispensable la creación de un equipo de expertos —que sepan de Arte— que se encargue de preparar con suficiente tiempo el guión del Salón Nacional. Sobre todo si se va a seguir insistiendo en estas mega-exposiciones.

Lo segundo que hacía difícil acceder a la muestra era la calidad de los trabajos. Encontrar cincuenta o sesenta obras de importancia —que las había— en medio de un maremagnum de piezas mediocres o muy cercanas a la medianía requería paciencia y dedicación, y a la larga resultaba un esfuerzo aburrido. En varias ocasiones he dicho que la escasez de gran arte ya se ha vuelto corriente en cualquier exposición colectiva de cualquier parte del mundo y que no es fácil ahora encontrar obras de calidad o que sean realmente nuevas y estimulantes. También he sostenido que cincuenta obras buenas reunidas en una muestra impiden decir que la exposición es pésima y siempre abren una luz de esperanza. Como estas afirmaciones siguen vigentes para mí, sólo podría añadir al respecto lo siguiente:

1. Es un consuelo de tontos decir que en todas partes el arte anda mal.

2. Es preocupante que el arte ande mal (“El arte que llena los museos y las galerías generalmente es de una calidad tan ínfima que ninguna inteligencia crítica verdadera se puede sentir tentada a analizarlo…”, ha dicho Barbara Rose; actualmente existe “El declive de lo nuevo”, según Irwing Howe, y hay hoy “Una falta de objetivos y de ideales estables, junto a la más grosera comercialización”, de acuerdo con Suzi Gablik); y

3. Es estúpido que unas cuantas obras sean sepultadas en medio de montones de basura.

Finalmente, también complicaba el recorrido del Salón la inpenetrabiidad de muchos trabajos, su falta de contenido,su carencia de relaciones con algo distinto al mismo trabajo y su subjetividad a ultranza. Aunque de nuevo apunto a un hecho común al arte internacional de los últimos decenios, es cierto que una concentracion de obras inanes, exclusivamente autorreferenciales o que sólo se basan en experiencias particulares o en imaginaciones desbordadas —¿o desquiciadas?—, resulta muy dura de asimilar. Si Francisco Calvo Serraller no se equivoca al decir que “Hay que formular la hipótesis de que el arte contemporáneo es, realmente, un arte nuevo, al que no se puede aplicar adecuadamente el sistema de categorías que ha dominado científicamente en el arte tradicional., es innegable que, entre otras cosas, por la falta de una selección rigurosa, el Salón resultaba ser ante todo un batiburrillo de albures singularísimos, tan abstruso como pobre.

De estas generalidades radicales vayamos al grano. Miremos la edición XXXV del Salón Nacional en detalle. De acuerdo con el catálogo participaron 342 artistas. Muy seguramente sean un poco menos. Resulta imposible recordar todos los que estaban, pero sin duda uno o dos que están en el listado no participaron a última hora (pienso en Beatriz Angel, en Jaime Franco). Entre quienes participaron, 104 presentaron trabajos tridimensionales, de los cuales 53 figuraban como instalaciones. Algunas de estas obras eran de artistas tradicionalmente pintores o dibujantes (Dioscórides Pérez, Jean-Gabriel Thenot, Gustavo Zalamea, etc.). El predominio de lo bidimensional era grande. En total había más de doscientos artistas con trabajos en dos dimensiones, excluyendo a los “performers” y a Gilles Charalambos y Roberto Sarmiento, que participaron con una propuesta sonora: una voz que se oía en todos los rincones de la exposición repitiendo de manera impersonal la frase: “Esto es arte, esto no es arte”. Entre las obras bidimensionales había pinturas, dibujos, grabados y fotografías. Es ostensible que, a diferencia de lo que se vio hace unos años, no estamos en el mejor momento del (dibujo y el grabado, y que, aunque hay algunos fotógrafos importantes, la mayoría cree que el salón no es el mejor escenario para mostrar sus trabajos. De todos modos, deben destacarse los dibujos de Luis Caballero, Francisco López y Lucas Ospina, los grabados de Elsa Zambrano y las fotografías de Luz Elena Castro.

En medio de tantas pinturas anodinas o con claras referencias a remedos del arte actual, había varias obras sobresalientes: El óleo de Juan Antonio Roda de la serie Tierra de Nadie, una bella abstracción en la que en un espacio ambiguo emergen, flotan y vibran grafismos libres y expresivos; el óleo El taller de Santiago Cárdenas, que confunde el realismo —marco, paleta, papeles, ganchos, cordón de electricidad, paraguas— con la abstracción —manchas dinámicas sobrepuestas— en un intento afortunado de mezclar las engañifas visuales con las acciones del pintar; el óleo Contraflujo de Beatriz González, una sobria alusión a la violencia de la que no escapan ni los animales, y que a veces puede presentarse en imágenes tan poéticas y dolorosas como las que muestra esta pintura: el cadáver de una mujer flotando al lado de un conejo; el óleo De la mano de Dantz —de acuerdo con el catálogo—de Jaime Franco, una fina composición abstracta en la que sobre una superficie agrisada surgen máculas de puntos, líneas y trazos tan sensibles como inmateriales; y el díptico al óleo de la serie Parque de la Independencia de Luis Fernando Roldán, un enorme concentrado de masas en ebullición. Otros cuadros destacables eran los de Armando Villegas, Carlos Salas, Rafael Echeverri y Danilo Dueñas, en el campo de la abstracción, y los de Raúl Cristancho, Luz Angela Lizarazo, José Horacio Martínez y Catalina Mejía, Deley Morelos, Jorge Gómez, Alvaro Salamanca, Carlos Salazar y Ana María Rueda, en el de la figuración.

Como ha sucedido en los últimos años, la escultura contaba con una buena representación. Siempre encabezada todavía por los maestros Negret y Ramírez Villamizar, que nunca declinan la invitación del salón, la lista de los escultores de calidad incluye a: Lydia Azout, Germán Botero, John Castles, Alberto Riaño, Teresa Sánchez, Alberto Uribe, Ronny Vayda y Hugo Zapata. Un conjunto de artistas quizás eminentemente formalista, pero con obras depuradas por el trabajo de muchos años y el constante deseo de superación. Mención especial merecen las piezas de Castles, Medio punto, en láminas de acero, erguidas y elegantemente dobladas; la construcción de Riaño, Paisaje, en láminas de hierro, con claras referencias al arco y al cilindro; la talla de madera con tierras minerales de Teresa Sánchez, Aguja, un trabajo sutil y de gran refinamiento, y la construcción de Vayda, Teorema —de nuevo según el catálogo—, en hierro, un verdadero dibujo en el espacio.

Sí, las instalaciones siguen de moda: 53 trabajos de esta clase es un número respetable en cualquier parte del mundo. En el Salón no había instalaciones realmente impactantes, ni por sus imágenes sorprendentes, ni por sus contenidos contestatarios, ni por sus materiales cuidadosamente seleccionados o dificilmente reunibles, ni por sus escalas descomunales, ni por sus apoyos tecnológicos de avanzada. De la medianía generalizada deben excluirse de todos modos las obras de Marta Combariza, Elias Heim, José Alejandro Restrepo, Carlos Alberto Uribe, José Omar Valbuena y Gustavo Zalamea. Las instalaciones de Marta Combariza 9 metros cuadrados de manto para la tierra, y de Restrepo, Musa paradisíaca, sobresalen por la experiencia en estos trabajos. La primera, entreverando la pintura con la cerámica y las actividades manuales in situ, y el segundo, haciendo uso del video. Los objetos de Heim palidecen cuando se recuerdan tantos aparatos extraños movidos por la tecnología, y los acumulados de Uribe y Valbuena llegan a hostigar.

Otras obras tridimensionales que no pueden dejar de tenerse en cuenta son La cabalgata de los lujuriosos de Emel Meneses, Ciudad, ciudad de Luis Fernando Peláez, Dibujos en bronce de Cristóbal Schlenker, y las cerámicas de Cecilia Ordóñez, Carol Young y Andrea Echeverri. Los trabajos de esta última artista son de las producciones más desenfadadas de todo el salón: una mezcla de muchas cosas en torno del Kitsch. Con Andrea Echeverri (1965) y Mauricio Calixto (1968), con una obra fuerte que mezcla la pintura con la fotografía y los pequeños objetos tridimensionales, y con Helena Martín (1968), pintora y ceramista de fina sensibilidad, entre algunos pocos, puede pensarse que las artes plásticas del país tienen futuro. Entre esos pocos, me atrevo a mencionar a Manuel Romero (1968), un joven inteligente y talentoso, hábil dibujante y pintor, que actualmente anda perdido haciendo instalacioncitas tan estólidas como la que presentó en este salón: Atrás de la luz, con la palabra “Nada” hecha en letras desinfladas de tela amarilla y abajo cuatro marquitos cubiertos cada uno de telas blancas.

El jurado de calificación concedió los tres premios del mismo valor en dinero de manera salomónica: un premio para pintura, otro para trabajos tridimensionales y otro para manifestaciones alternativas. Los ganadores fueron el pintor José Horacio Martínez (1961), el instalador Fernando Arias (1963) y el performer Alfonso Suárez (1952). Nunca discuto los premios, porque lo encuentro sin fundamento —son hechos cumplidos y creo en la honestidad de los jurados—, pero en este caso no puedo ocultar que veo con incertidumbre el derrotero de estos trabajos, sobre todo el de los dos últimos. Suárez hace rato insiste en las performances, pero sin duda su obra es chata y poco refinada. Visitas y apariciones, su trabajo galardonado, relacionado con el médico milagrero venezolano José Gregorio Hernández, no pasa de ser una serie de presentaciones banales y de mínima “actuación”. Arias ha reiterado desde 1992 las instalaciones con el tema del Sida. El dramático motivo daría para mucho más si el artista se aventurara a algo diferente del simple ensamblaje de las plaquetas de vidrio usadas en los laboratorios. Su instalación premiada, Cuarto frío, creaba un espacio transitable que, aunque obviamente benigno y sin misterio, no dejaba de asustar a algunos ignorantes. Martínez ha tenido una figuración destacada en medio de la pobreza pictórica de los últimos años. Sus cuadros llaman la atención por los temas enigmáticos y particularmente por los enfoques de las visiones y las mezclas de los espacios. Su pintura ganadora no es ajena a la poesía y en realidad atrae por sus figuras con sombras que las vuelven tridimensionales. Fue una lástima que el jurado internacional no hubiera tenido el tiempo necesario para ver una exposición tan grande, en la que había videos y performances, y que no hubiese visto colgadas o perfectamente ubicadas en los sitios asignados todas las obras participantes antes del fallo.

En poco tiempo, Colcultura desaparecerá y se creará el Ministerio de la Cultura. Muy posiblemente habrá entonces cambios importantes. La sección especializada en artes plásticas del nuevo ministerio tendrá que estudiar una reforma radical del salón. Hay muchas cosas que han venido fallando, tanto en la organización de los salones regionales, como en las invitaciones. No tiene mayor sentido seguir invitando mecánicamente a todos los ganadores de premios en salones anteriores. Y respecto de las invitaciones a artistas que están figurando con algún reconocimiento, debe haber algunos criterios objetivos de selección, más allá del amiguismo. Por ejemplo,la invitación sólo se cursará a los mayores de cuarenta años y que han expuesto en alguna galería o institución de importancia en el último año.

A no ser que haya un mayor presupuesto, para aumentar el numero de asistentes al salón, éste no puede seguir pensándose como una megaexposición. Tengo informaciones alarmantes sobre obras involuntariamente deterioradas antes del salón, en el salón y después de él. Hay que decir finalmente que nunca había salido el catálogo antes de una inauguración. Esto sucedió en 1994 y el catálogo es atractivo en su presentación. Infortunamente no tiene lista de obras y muchas ilustraciones no coinciden con los trabajos que se presentaron.

Además del Salón Nacional, actualmente existen en Colombia la Bienal de Bogotá del Museo de Arte Moderno de la capital, el Salón Rabinovich del Museo de Arte Moderno de Medellín, y el Salón de Arte Joven “Marta Traba” del Museo de Arte Moderno La Tertulia de Cali.

Siempre anunciada como la exposición colectiva que remoza y da aire fresco al arte colombiano, la Bienal de Bogotá es un salón nacional en pequeño, toda vez que en cada una de sus presentaciones la mayoría de sus nombres ya ha figurado en la muestra previa del salón de Colcultura. Este año, por ejemplo, en su cuarta edición, de sus 21 participantes, 14 estuvieron en el Salón Nacional del 94, y uno más —Andrés Sosa— había estado en el del 92. La diferencia importante se encuentra en el hecho de que los artistas invitados a la Bienal cuentan con más espacio. De esta manera pueden exponer más trabajos o exhibir piezas de gran formato. Cuando hago un balance de cada una de las Bienales de Bogotá no puedo dejar de recordar una frase muy aguda de Hans Sedlmayr: “Nadie puede negar que en nuestro siglo, más que en cualquier otro—el número de ‘artistas’ es ya una ofensa—, lo falso sofoca a lo auténtico Si se precisa que para el teórico alemán en las obras falsas la representación se realiza únicamente desde “fuera”, a partir de un conocimiento de la apariencia, se entiende que lo que pretendo decir es que la muestra del Museo de Arte Moderno de Bogotá, por culpa de sus organizadores, se ha convertido en el epítome de un arte colombiano supuestamente contemporáneo, sintonizado (?) con lo más avanzado del arte internacional (?); un arte mimético que, con las excepciones que confirman la regla, parte ante todo de la observación superficial de revistas y libros especializados. Lo anterior es lamentablemente paladino en la cuarta edición de la Bienal. Salvo muy pocas obras, la exposición estaba llena de trivialidades, algunas, por fortuna, completamente efímeras. El predominio casi total de las instalaciones obliga a decir que es triste no encontrar un solo trabajo de este género realmente importante y, por otra parte, que, aunque no lo quieran aceptar los responsables de la Bienal, en Colombia todavía existen muy buenos pintores, dibujantes, grabadores y escultores. Ana Claudia Múnera (1966) y Guillermo Quintero (1965) fueron los ganadores del evento. Ambos con dos videos —instalaciones de connotaciones sociales—, miseria y religión en el primero, y violencia en el segundo.

Hace pocos meses se realizó la XIV edición del Salón Rabinovich del Museo de Arte Moderno de Medellín. Concebido inicialmente para destacar nombres de estudiantes de los últimos semestres de las principales escuelas de bellas artes del país, el salón está abierto ahora a todos los artistas menores de treinta años que quieran participar, así sean autodidactas. Sin embargo, el Museo cuenta con asesores en varias ciudades para cribar el número de aspirantes. De 106 artistas que enviaron sus obras este año se seleccionaron 23, la mayoría de Medellín y Bogotá. El premio único fue para José Freddy Serna por las pinturas Común a…, y las dos menciones para la instalación Perímetro de María Adelaida López, y para la instalación Santuario de la memoria de Roberto Restrepo. Resulta importante destacar que, desde los primeros participantes en el Salón Rahinovich, muchos premiados o incluso simplemente seleccionados han seguido figurando de manera sobresaliente en exposiciones como el Salón Nacional y la Bienal de Bogotá.

A fines de este año debe realizarse la tercera edición del Salón de Arte Joven “Marta Traba”, del Museo de Arte Moderno La Tertulia de Cali, el cual ha sido programado para efectuarse cada cuatro años. El segundo salón se llevó a cabo entre noviembre de 1989 y enero de 1990, con una gran novedad: Estuvo consagrado a la fotografía y el video. En él participaron 26 fotógrafos y 15 realizadores de videos. Aunque con algunas omisiones, la muestra fue bastante completa respecto del quehacer artístico en esos campos.

Sí, señor Orsini responda la pregunta, que se destape la olla podrida del SALÓN REGIONAL DEL CARIBE por que hiede en el SNA.

No pero un momento ¿Entonces a que jugamos?

¿No que era tan ruin eso que hizo Ospina de dejar a los artistas de la región colgados de la brocha y sin plata? Las justificaciones que se acaban de dar son las mismas que podría dar un curador respecto a una situación similar. Los curadores de la cooperativa o los de las edades podrian decir lo mismo sobre sus decisiones, argumentando bonitas intenciones y elogiando mil veces a la region, pero saliendo con las mismas y colgandonos igual de la brocha. ¿Para que tanta meloseria si de todas formas nos van a dejar sin plata y exposicion? En terminos practicos ¿ahi cual es la diferencia verdadera entre un jurado y un curador?

Me siento contrariado, pues aunque a mi no me gusta la manera en que los curadores trabajan en este pais exponiendo arte fanfarron y de un conceptualismo ridiculo, creo que toda esta discusion està impulsada a punta de mover una inconformidad popular de manera politiquera, prometiendo futuros mejores, aludiendo a la empalagosa nostalgia de triunfos pasados, incluso ahora hasta estan pidiendo votos! Pero los argumentos, aunque al principio me «sonaban», ya como que no me estan sonando, como que se me desbaratan.

¿Eso no es lo que precisamente se le critica a los curadores? ¿que parecen tener el poder absoluto para tomar sus decisiones? ¿Sera que me confundi y esta conversacion en realidad lo que pretende es encontrar a los participantes del proximo salon en vez de tratar de tumbar a los de el actual?

¿Y por que de repente algunos personajes se creen tan importantes al bifurcar esta discusion en dos bandos y creer que si no estan con ellos estan contra ellos? ¿quien dijo que solo hay dos posibilidades? ya no estamos en la patria boba, yo no soy ni liberal ni conservador. A mi las dos ideas de salon que se defienden aqui me parecen erradas y no apoyo a ninguna, la queja de Orsini demuestra que tienen muchos problemas en comun y no creo que volver al status quo de cuando si invitaban a Nadin Ospina sea la solucion.