The Way Things Fall (Así caen las cosas)

Los XXXI Talleres Internacionales del FRAC del Pays de La Loire se inscriben este año dentro del marco del año Francia-Colombia 2017. Alejandro Martín envía este reporte sobre la residencia de dos meses con cinco artistas colombianos en el FRAC: Rosario López, Danilo Dueñas, Herlyng Ferla, Verónica Lehner, David Vélez; con el tema de la caída y el peso como punto de partida.
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#CríticaEnDirecto: Nicolás Consuegra en NC-arte

¿Qué hace el Museo de Arte de la UN en NC-Arte?, ¿qué institución está fagocitando la otra?, ¿qué crítica plantea esta propuesta al formato site specific y las instituciones que lo promueven?, ¿los proyectos específicos para un lugar tienen sentido si se exponen en otros lugares y contextos?, ¿cómo doblega el mercado este tipo de propuestas? ¿por qué el silencio ante proyectos específicos que no funcionan en el espacio público?
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Pier Paolo Pasolini. La Muerte de la Política

Es necesario reconocer las verdades de toda política -piensa Pasolini. Reconocer los juegos del poder. Y reconocer la posición real que cada cual ocupa en los acontecimientos. Pero no bastan las razones. Las lecciones sobre la verdad por esta vía jamás serán suficientes en caso de que el pueblo pudiera seguirlas. Es preciso en cambio esa posibilidad de lo instantáneo del arte que podría hacer comparecer a la verdad. Como un giro sobre los talones en que el poeta asomado sobre el precipicio pudiera por fin tener su revelación que luego vertería en palabras. En imágenes. Quizá en hechos. Diría algo que sabe aunque nadie le creyera porque ya comenzarían a considerarlo como un traidor o un loco. Porque la política lo abarca todo. Incluso la destrucción.
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Reconsiderado

Barón y Ordoñez evitan dos riesgos frecuentes en nuestra historiografía: asimilar la muleta teórica de dos o tres autores extranjeros para manosear un grupo de obras como pretexto, o esconderse detrás de cartas, fotos y deleznables –o inútiles o intrusivas- revisiones de archivo, sin decir qué se piensa de una trayectoria.
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Libro (II)

No soy como esas criaturas académicas humildes que me rodean. Suelo citarme mentalmente: “¿qué pasaría si no fuera nadie a una firmatón de grabados populares?… bla, bla, bla”. En esta ocasión para volver significativa mi inversión de tiempo aquel día que hice patria comprando y mandando firmar el catálogo de la exposición. De hecho, tras leerlo, me enteré que el costo de compra ($85.000) subirá dentro de un año por efecto del mandato especulativo autorial…
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Violencia, represión y performance

En el campo artístico, la violencia ha sido objeto de exploración desde los inicios de la historia del arte y, actualmente, en el arte contemporáneo, continúa siendo un tema a tratar debido no sólo a su complejidad, sino a su perecedera vigencia. Una de las artistas quienes han establecido estrechos vínculos con este fenómeno en particular es la guatemalteca Regina José Galindo (1974), la cual, debido a su contexto, forma parte de una generación que creció bajo el velo de una exacerbada violencia justificada por una extrema derecha que, en su búsqueda por imponer orden, recurrió al exterminio, a las matanzas, desapariciones y censuras.
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El legado de Marina Abramovic

Marina Abramovic ha creado el Instituto Marina Abramovic (MAI), un centro dedicado a la presentación y preservación de “trabajos de larga duración”, un término acuñado por su equipo con el que se refieren a cualquier obra de performance art, danza, teatro, cine o música cuya duración exceda las seis horas. El equipo de Abramovic ha calculado que para que el espacio pueda comenzar a funcionar necesitan 20 millones de dólares. Hasta ahora, Abramovic se ha encargado de todos los gastos de acondicionamiento del espacio. Por ello, la artista ha decidido lanzar una campaña en Kickstarter, la plataforma de financiación colectiva, para obtener el resto de los fondos.
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El Arte del Performance para Inocentes (2)

Cada artista del performance se inventa sus propios ritos cotidianos, que resultan necesarios para contener nuestra locura y controlar nuestra conducta antisocial, o más bien, para convertirla en acciones simbólicas de orden estético. A diferencia de un actor o un bailarín que se somete a la voluntad del director o el coreógrafo y a los ritos del oficio (entrenamiento, ensayos, audiciones, etc.), nosotros enfrentamos el horror vacui de la cotidianidad salvaje.
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Contra el performance

El performance no abre brechas; se asienta en conquistas de otras disciplinas, investiga en obviedades y se queda en representaciones mínimas de fenómenos que no comprende. Los performanceros califican sus obras como experimentos que están revolucionando el arte y responden a nuestra época, pero las evidencias fotográficas y la información adjunta nada tienen que ver con la teoría. Las reflexiones se imponen de forma artificial para dar valor a obras que sin estos argumentos jamás podrían ser vistas como arte. Esta situación es generalizada, lo pude apreciar en todos los volúmenes del catálogo y en varios de los performances a los que asistí. Y también sucede con las estrellas internacionales.
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El Arte del Performance para Inocentes (1)

Gomez-Peña y su sparring y cómplice, la escritora Lucero Velasco, se embarcan en una serie de conversaciones cándidas y atrevidas para intentar bocetar la cartografía poética de un arte poco comprendido en Latinoamérica y, sin embargo, muy cercano a sus múltiples crisis. En este proceso, Lucero Velasco fuerza a Gomez-Peña a enfrentar, explicar y desarrollar muchos temas, como son: el performance en su relación con el cuerpo, la identidad, el lenguaje, las nuevas tecnologías, la cultura popular y el activismo.
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El artista y su público

La cara visible de Parlamentos es Felipe Botero, que se planta sobre una escalerita en el medio de la calle, como si estuviese en el Speaker´s Corner, y reflexiona en alto sobre las cuestiones que le plantean dudas (dudas que han sido previamente discutidas y preparadas entre Iregui y Botero). Nos cuenta Jaime Iregui via mail que “más que seguir un guión predeterminado o representar una posición, la idea es presentarla, es decir, desarrollar argumentos, preguntas, e invitar al diálogo. En ocasiones este diálogo es verbal, la más de las veces con miradas que muchas veces dicen y expresan más que la relación discursiva”.
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Volcamiento

La beligerancia de la abstracción moderna fue más el producto de una rabieta crítica que un axioma rigurosamente perfilado por los productores. Por eso, creo, personas de proveniencias regionales, no de clase, disímiles, hicieron su respectivo Monumento al estudiante muerto: Alejandro Obregón, Edgar Negret, Julio Abril. El asunto parecía más el de utilizar el arte para representar un hecho terrible (siempre que muere una persona jóven, los viejos tenemos más oportunidades de hacer las cosas mal e impunemente), que establecer declaraciones de principios estéticos…
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El artista (crítico) como intelectual público

Un tema central para los artistas críticos actuales es la cuestión de la interacción con todo el aparato que rodea la producción de arte: los parámetros de recepción (instituciones, público, comunidades, circunscripción, etc.) y los potenciales y limitaciones de la comunicación en las diferentes esferas (el mundo del arte, los medios, los espacios públicos, el terreno político, etc.). Cómo se establecen las conexiones y cómo, de hecho, se rompen. Esta cuestión puede debatirse desde diversos acercamientos, que abarquen tanto lo práctico como lo metodológico; es decir con debates que contemplen el uso de signos y espacios en instalaciones, que versen sobre la concepción de herramientas y políticas de representación, el papel o función del artista/autor en la construcción de otros espacios y subjetividades, ya sean redes alternativas o incluso contra­públicos. Dichos debates no deben de centrarse sólo en la interacción entre la institución artística y el artista individual, tanto política como artísticamente, sino también en cómo se relacionan los cuerpos en los espacios políticos, la aparición y el uso de tecnologías, y finalmente la creación de redes, líneas de comunicación e intentos de fuga…
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Santiago Sierra, los encargados, lo cerdos y los tiburones

Santiago Sierra ataca de nuevo. Con la contundencia que es habitual en él y con la oportunidad con la que rodó una película como NO. Global Tour en el umbral de una crisis cuyo despiadado manejo por quienes nos gobiernan ha desencadenado un aluvión de encendidas protestas callejeras en medio mundo que han elegido el NO como el medio más simple y expedito de expresar su rechazo global a unas políticas que están condenando a la mayoría a la miseria…
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Pseudo Albarracín*

¿Existe Albarracín? – Al principio me pregunté si el artista era real… ¿Acaso el precursor del emo en Colombia está en el mismo plano del precursor del Collage en Colombia, Manrique Figueroa? Al parecer Albarracín es real. Y es que la exposición giraba en torno a arbitrariedades de tipo retrospectivas que resultaron ser bastantes pobres. Y no se puede decir que Manrique Figueroa sea un tipo tan simple pues de él existe toda una mitología.
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¿Dónde están las obras maestras de nuestro tiempo?

Si la noción de obra maestra pertenece a una categoría modernista del arte, entonces podemos certificar que en nuestra posmodernidad ya no hay lugar para ellas. Históricamente, una de las tareas primeras de las llamadas obras maestras ha sido periodizar. Esta cualidad para representar el espíritu del tiempo, el zeitgeist, las arrastraba hacia una plusvalía en el mercado aunque en ocasiones su entrada en el patrimonio de la humanidad las protegía de los vaivenes mercantiles. La pregunta que da título a este texto es obviamente retórica, si bien debería interrogarnos por aquellas obras contemporáneas que poseen o adquieren una categoría representacional del zeitgeist. Podría hacerse una encuesta entre profesionales y aficionados al arte por ejemplos estas obras de los últimos diez o veinte años. Las respuestas serían de lo más variopintas…
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Santiago Sierra: Cómo decir NO

Lo más común es la autocensura. La gente que no se atreve a hacer las cosas o a decirlas. Ese no atreverse es el éxito de los medios de comunicación sobre nosotros, el éxito de nuestra educación. ¡Lo consiguieron! No nos atrevemos. Pero sí hay que atreverse, y esa es la censura que más hay que combatir, la que te impone el policía que llevas dentro. Y luego hay otra forma más solapada de la censura: no llamar nunca a artistas buenísimos que languidecen en sus estudios queriendo hacer sus obras. Se elige a los más cómodos… todo es mucho más sutil…
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Los Encargados

Jorge y yo odiamos a la basura que ha llevado a mi país de ser un protectorado a ser una colonia, es un acto claro de desafecto al régimen fascista encabezado por el militar franquista que caza elefantes. Nosotros no somos una organización, solo somos antifascistas (Santiago Sierra)
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Arte urbano contradiscursivo: crítica urbana y praxis artística

El proceso de renovación urbana es, desde luego, bastante conocido: al abandono de zonas urbanas deterioradas le sigue su reocupación y “renacimiento”. Sin embargo debe tenerse en cuenta que, como señala Peter Marcuse, “El deterioro urbano [en Nueva York] no era la causa, sino la condición necesaria para la política de expansión del nuevo urbanismo”. Es decir, la desvalorización del suelo era la condición previa necesaria para la maximización de las inversiones inmobiliarias futuras. A su vez, la desvalorización moral de los homeless fue su correlato ineluctable; Rosalind Deutsche señaló al respecto “que la visibilidad de masas de personas sin techo interfiere en las imágenes positivas de Nueva York, constituyendo una crisis en la representación oficial de la ciudad” (Ibíd: 140). La retórica del nuevo urbanismo debe naturalizar entonces la condición de los sin techo al mismo tiempo que los construye discursivamente como una amenaza social y como un mal moral. Candela recuerda que Ronald Reagan, por ejemplo, respondió a un periodista que la gente dormía en la calle “porque quería”. Si vagar por las calles sin domicilio fijo es una debilidad moral, se justifica entonces la segregación de la ciudad “a partir de una interesada retórica del deterioro urbano, mediante la cual el deterioro físico de los barrios se asociaba al decaimiento moral de sus habitantes”
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Mockus artista

La carrera artística de Antanas Mockus comenzó de manera oficial en 1993, en un encuentro nacional de artes, en la Universidad Nacional donde actuaba como rector. Mockus intentó hablar pero…
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Infiernos artificiales: Arte participativo y políticas del espectador

“Infiernos artificiales” es el primer panorama histórico y teórico del arte comprometido socialmente participativo, conocido en los EE.UU. como “práctica social”. Claire Bishop sigue la trayectoria del arte del siglo XX y examina los momentos clave en el desarrollo de la estética participativa. Este itinerario discurre por el Futurismo y el Dadaísmo, la Internacional Situacionista, los Happenings en Europa del Este, Argentina y París, el Community Arts Movement de los años 70, y el Artists Placement Group. Concluye con un análisis de proyectos educativos a largo plazo de artistas contemporáneos como Thomas Hirschhorn, Tania Bruguera, Althamer Pawel y Paul Chan.
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Entrevista Rosemberg Sandoval

Todo mi trabajo ha sido polémico, feroz y siempre me han tratado de aniquilar a través de la censura, dándome cuenta de ello desde el principio, me moví en otros lugares del mundo y de América Latina. Mi obra es un desafío contra todo, contra el gusto, contra el dinero, contra el mito del arte y contra la insurgencia conservadora de nuestro país que me desbarató la posibilidad de pertenecer a ella ya que no tenían proyecto político claro y esto es muy grave, porque sin un proyecto político cultural claro se produce un tipo de petrificación en cualquier organización.
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Cuerpo transformado

El cuerpo transformado está presente en el arte en casos como: ¨Rose Sélavy¨, alter ego y seudónimo utilizado en fotos y escritos de Marcel Duchamp; fotografías de Andy Warhol en continua transformación; Alvaro Barrios en ¨Sueños con Marcel Duchamp¨; Santiago Monje en su homenaje a Frida; o cirugías de Héctor Falcón quitando su ombligo, incrustando metal en su cuerpo, tatuando su piel; así como en la ¨Reencarnación de San Orlan¨ donde cambia su apariencia o las transformaciones de Leigh Vowery, Divine, Lady Zunga, Guillermo Marín que nos invitan a reflexionar en la situación de nuestros cuerpos en este tiempo y lugar…
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Botero cumple 100 años: ¡Vive el maestro!

Fernando Botero está tan ajeno a la contemporaneidad, que ya no puede decir nada de ella, ni de lo que somos o hemos dejado de ser por cuenta de los dealers de la política y de los Derechos Humanos para el Capital: ¿a sus ochenta años, aún pinta? ¿Qué pinta? Por su puesto, una humanidad reducida a relaciones mercantiles. El arte de Botero también es relacional. En efecto, sus cuadros no pueden hacer otra, porque en el mundo de las mercancías el cliente siempre tendrá la razón: todos tenemos un precio: ¡esto es pragmatismo!
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La cosa feminista*

María Teresa Hincapié, descalza, vestida con pantalón liviano y camiseta, colocaba cajas de cartón y bolsas sobre el suelo de un espacio central del primer piso del pabellón F de Corferias. Abría estos empaques y de allí sacaba cosas y las disponía azarosamente a un lado suyo: faldas, blusas, pantalones, bolsos, zapatos, ollas, cubiertos, platos, vasos, posillos, frascos, recipientes plásticos, servilletas, cosméticos, bolsas plásticas y de papel donde guardaba más cosas: lápices, velas, semillas, alimentos de grano empacados, frutas y verduras, accesorios de belleza, de limpieza, de cocina, de oficina…
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Artistas de novela

Para Jed Martin, el protagonista de El Mapa y el territorio, la última novela del francés Michel Houellebecq, ser artista es, ante todo, ser sometido: “Sometido a mensajes misteriosos, imprevisibles,…
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Caída y recuperación

El cuerpo fue, es y será el campo de batalla de los individuos, de las parejas y de las sociedades. Es allí donde se ejecutan los poderes, las caricias, las libertades, las violaciones, las desapariciones y la muerte. Uno de los elementos fundamentales en el control social es el cuerpo, ya que es utilizado para reprimir, asustar, desplazar, secuestrar, callar, encerrar, mutilar, ahogar o desmembrar. El cuerpo está expuesto, es frágil, siente y re-acciona contra todo aquello que lo atormenta, y es allí donde el cuerpo se viste de símbolos para gritarle al mundo lo que ama, aborrece, ataca y protege.
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Arrimada en una esquina

En una esquina de los pasillos que rodean el patio principal de una casa en Popayán está la réplica de uno de los proyectos para espacio público más importantes que se han planteado en el país. Muchas de sus aristas están redondeadas, hace tiempo que merece una mano de pintura y la base sobre la que está montada se pudre lentamente. Veintiún años atras, ese objeto representó uno de los debates más encendidos sobre las relaciones arte-Estado, hoy es una ruina bonita, de colores terribles…
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La Fulminante (entrevista)

La artista Nadia Granados a través de sus performances y especialmente a través de su personaje La Fulminante se está convirtiendo en una figura original entre los nuevos artistas nacionales. Valiéndose de la irreverencia y los clichés existentes respecto al papel de la mujer en nuestra sociedad, desarrolla un arte altamente político y panfletario que quiere ir más allá de lo simplemente estético…
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El Pecado Original Y La Serpiente Que Habla

Un prestigioso historiador, crítico y curador, Santiago Rueda, entrevista a Nadia, una artista contemporánea que ha creado un personaje llamado “La Fulminante.” El personaje – que utiliza el género del Striptease para difundir la voz de su discurso político – ha logrado, en una exploración concienzuda de sus propias pulsiones de seducción, inyectar en nuestra conciencia los discursos de Jorge Eliecer Gaitán y una serie generosa de clichés de protesta, mezclados con una lengua primigenia de la que solo ella conoce el secreto. Nadia además, sabe cómo cubrir en su Performance el caudal de su energía telúrica con la coraza invisible del descaro arrogante que protege a toda profesional del oficio de los posibles desmanes de su público. No olvidemos que si hay una profesión en la que se debe manejar el poder absoluto en medio de una posición de absoluta fragilidad, es el Striptease.
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Diamantes y látigos

en principio podría decir que arjona se expone al público (como inevitablemente lo hacemos los artistas) o en fotos o en videos, o en carne propia. respecto a las acciones vistas en NC-Arte, creo que se puede decir que además de exponerse en sí misma, lo hace acompañada de un discurso bastante atractivo, de pronto interesante pero delicado: discurso que consta con una entrada a base de “Soy tuya” con una pizca de “Hazme lo que quieras”
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Tania Bruguera, infatigable

Y activismo en el sentido político del término: todas las actividades, al igual que otras que no he enumerado, las ha realizado Tania con un propósito político, que no es otro que el de ofrecer a los espectadores y participantes en sus obras la posibilidad de experimentar la política, de vivirla en carne propia, para decirlo de alguna manera. La obra que se inauguró ayer es ejemplar en ese sentido porque pretende que quienes se acerquen a ella y se decidan a participar con sus propias manos en la pintura de la misma están participando a su manera – que es la manera del arte – en la huelga general convocada por los sindicatos para el miercoles 29 de septiembre…
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Muchas revistas (3)

La revista Asterisco 9 es una apuesta editorial ganadora no sólo por estar montada en Internet. Hay otras razones. Su formato: tres volúmenes articulados en torno a un gran eje de reflexión. Su contenedor: una hoja de papel periódico que funciona como índice y anuncia el tono general del proyecto. Y unas tarjetas que caen apenas se abre el paquete: dos postales de fotografías apropiadas por el artista Ricardo León para mostrar cómo se escenifica el buen gusto en algunos hogares colombianos de elite: elegancia y distinción…
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Un Minuto de Escultura

En el Museo de Arte Moderno de Bogotá (Mambo) se encuentra una exposición de Erwrin Wurm titulada: Memoria en la era de la globalización: perspectivas de la mirada desde afuera. La primera pared que enfrenta al espectador contiene un texto que reseña el motivo de la exposición con algunos señalamientos concisos. Sin embargo, en ese texto, de la curadora Sàrolta Schredl, hay fragmentos que apelan a generalidades, inciertas, que confunden por su vaguedad…
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Sobre (y contra) la fotografía

El actual festival Photoespaña’10 es uno de esos acontecimientos que, a poco que uno se fije con el aparato conceptual que hasta aquí hemos anotado, causa un sofoco estival difícil de digerir. Así dicho, pareciera que nos quejamos de vicio, que nos disgustamos de ver Madrid entero lleno de esos cartelitos amarillos que indican que dentro se pueden contemplar ‘arte’, que no nos alegramos de que alguien halla visto las bondades de poblar a la cuidad entera con fotografías. Pero, para comprender hacia donde queremos apuntar con este breve ensayo, creo que lo más conveniente será refrescar brevemente lo que hemos entendido por ‘cultura’ en las últimas décadas…
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Tres huesos duros de roer

En el primer semestre de este año, marcado en particular por las emocionales elecciones para senado y presidencia, y ahora por el esperado mundial de fútbol en Sur África, se llevaron a cabo en Bogotá tres mega muestras: La caricatura en Colombia a partir de la independencia, Habeas Corpus y Bodies…
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El Arte que sana y salva

Bueno… vine a Colombia el año pasado a una residencia artística de tres (3) meses en Bogotá, invitada por la alianza francesa, para entonces, traía una imagen de Colombia sobre la guerra y otras cosas; esta se me había creado a partir de las noticias que veía y leía, luego, llego aquí y me sorprendo mucho al encontrar que mucho del imaginario que traía sobre Colombia no era cierto. Desde ese momento, comencé a leer la prensa, lo que se decía y mostraba en el diario El Tiempo, entre otros…
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Los sucesores de Hirst

Una de las colecciones más intensas es la del artista británico Alastair MacKinven, cuyas obras, impulsadas por un espíritu crítico, analizan el arte político de los póster de grupos tanto de derechas como de izquierdas (‘Jerking off the dog to feed the cat’) o el modo en que las galerías de arte condicionan al espectador con su calculada disposición de los objetos (‘Et sick in infinitum’)…
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Diez por uno + 1

Por su lado Fuenmayor me sorprende para bien saliéndose un poco de un trabajo plástico y experimental que poco a poco se iba agotando en sí mismo. Esta vez acude al poder inigualable del carboncillo, logrando que de unos negros profundos o de unos blancos inmaculados, salgan dramáticamente unos candelabros que me recuerdan a la obra musa paradisiaca, de José Alejandro Restrepo, así como otros elementos propios al mobiliario barroco y rococó….
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El arte es el contrapeso de la barbarie

Diálogo con la colombiana ganadora del Premio Velázquez de las Artes: ¿Qué significa el Premio Velázquez para su obra? Es una obra que ha estado basada absolutamente en el mismo tema: la experiencia de las víctimas de la violencia, invisibles, sin nombres, desaparecidas. Una obra hecha con materiales muy humildes. Es muy gratificante que sea reconocida…
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Doris Salcedo, el arte emerge del suelo

Convertida ya en paradigma del espectáculo, la Sala de las Turbinas es un reto para cualquiera. Artistas como Doris Salcedo o Miroslaw Balka no estarían, en principio, llamados a entender el concepto (ni a aceptar la propuesta). Pero Salcedo aceptó y sorprendió a la comunidad artística con un trabajo imponente, una enorme grieta que recorría la sala de principio a fin…
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Populismo estético (para arquitectos)

Y no se trata de que el joven Hosie no investigue, todo lo contrario, se la pasó por más de cinco años trabajando con la comunidad del barrio El Paraiso (seguramente desarrollando un valioso proyecto arquitectónico que pronto veremos en alguna Bienal), pero una cosa es utilizar todo esa información para concretar una solución arquitectónica…
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Estatuas no-humanas en la carrera séptima, y estatuas deshumanizadas en el Parque de Los Mártires de Bogotá

Londoño plantea que Jorge el Mártir es un trabajo desleal con los artistas del centro de Bogotá, porque en comparación con las Estatuas Humanas, esta escultura es un “muñeco” que intenta imitar el hieratismo de las auténticas Estatuas Humanas que se apostan en los alrededores del edificio de Citytv. El artista Darío Vargas es censurado por competir “sin esfuerzo” por las monedas con las cuales los habituales de la carrera séptima gratifican a sus artistas callejeros; crítica el “engaño” a los transeúntes quienes, confundidos con el realismo mimético de Vargas, creen que Jorge el Mártir es una Estatua Humana Verdadera. Por lo tanto, su nota concluye que el trabajo de Vargas no es arte. El crítico de El Tiempo ha transportado la parafernalia conceptual del mundo del arte al de la vida para hablar no sólo del trabajo de Vargas. Principalmente relaciona una práctica laboral sin fines artísticos, como lo es la realización de Estatuas Humanas de Bogotá, y una práctica artística con fines antropográficos, como la de Vargas. Londoño recurre a un discurso estético muy rudimentario, como es el de la mímesis y cae en la contradicción elemental de no reconocer que en el trabajo de Vargas se realiza otra forma de mímesis que da cuenta de manera realista de un personaje de la calle que es una estatua deshumanizada.

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Los 15 debates del año

Esta semana de pausa y reflexión es un buen momento para revisar los debates que se han dado en estos primeros tres meses del año, donde se ha discutido en torno a las relaciones del arte con la política, la colección del Banco de la República, el caso de Nicolás Castro, el mercado del arte, el Premio Luís Caballero, la censura en un Salón Regional, la Escuela del Desasosiego y las contradicciones de la crítica en los medios…
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Performance y polémica en el MoMA

Quienes han visitado el Museo de Arte de Nueva York (MoMA) estas últimas semanas han notado que las salas del Museo se encuentran invadidas por ruidos perturbadores. Son gritos, gemidos y sonidos bruscos que no parecen salir ni de la sala en donde se expone el universo cinematográfico del reconocido Tim Burton, ni del lugar en donde hay una muestra pictórica de Monet. Los inquietantes sonidos vienen de la audaz retrospectiva “The artist is present”, un homenaje a los treinta años de carrera de la artista serbia Marina Abramovic, una de las pioneras del performance…
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La Escuela Esférica del Desasosiego

Lo que generó el intercambio en esferapública fue una reseña satírica que Lucas Ospina hizo sobre el proyecto. Mi objeción original sobre la reseña — y aún creo que se sostiene— era que al reseñar algo uno tiene que presenciarlo y no simplemente imaginarlo —creo, al menos, que eso es lo que hace la mayoría de los que escriben reseñas, ya sea de una exposición, performance, evento politico o lo que sea. El debate de esferapública vino después. El debate que este intercambio suscitó opacó al debate de la Quinta de Bolívar, pero también fue revelador de varias cosas…
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Premio Luis Caballero: entre lo serio y lo solemne

Un pendón sobre la fachada de la Galería Santa Fe anunció, durante la mayor parte del año pasado, la quinta versión del Premio Luis Caballero; de un tirón despachaba las seis exposiciones de este ciclo de exposiciones. El letrero era un apocado arrume tipográfico que no le hacía justicia a la grandilocuencia que exhibieron en la premiación el “alcalde Samuel Moreno Rojas, la secretaria de Cultura, Recreación y Deporte (e), Yaneth Suárez; y la directora de la Fundación Gilberto Alzate Avendaño, Ana María Alzate Ronga” cuando “encabezaron el acto solemne cumplido en el Planetario Distrital”. El boletín de prensa oficial insistió, dos veces y con el mismo adjetivo, sobre lo “importante” del premio: “es el referente internacional del arte colombiano y se ha consolidado como el reconocimiento nacional más importante para artistas plásticos mayores de 35 años con una trayectoria sobresaliente de mínimo 10 años en el campo artístico profesional. Este, es el premio más importante que otorga el Distrito Capital”…
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chat bidimensional

Diego Piñeros está recién egresado de la Universidad. Se presentó al Salón Bidimensional y se lo ganó con unas excelentes pinturas (en plastilina) que parten de la obra de Paramo, el artista de la Escuela de la Sabana. Va un chat con el artista…
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Nelson Vergara: Las cuitas del paisaje digitalizado

La video-instalación nos permite apreciar qué hizo López con este espacio. Vergara sembró a través de éste máquinas que proyectan imágenes en varios formatos de video para hacer grata la permanencia del espectador-ciudadano, para estimular la sensibilidad y la curiosidad. Logra que el espectador deambule sin mayor constricción por aquel paisaje tecnocrático que evoca una selva de reproductores de imágenes vacías y sin sentido. No obstante, el estímulo a la sensibilidad es gratuito porque el espectador-ciudadano no siente la necesidad de mirar más allá de la imagen.
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En torno a la exposición de Felisa Bursztyn

La actual exposición Feliza Bursztyn en el Museo Nacional incita a plantear algunos puntos, entre ellos la posible apertura institucional a curadores externos; también deja entrever la validez de los ejes de poder curatoriales y examinar la existencia de criterios para armar propuestas. (Para estas notas nos basaremos en el catálogo de dicha exposición citando entre paréntesis la página respectiva)…
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Beltrán Obregón en Valenzuela y Klenner

Lo cierto es que la pintura al óleo por sí sola no logra conmover una sensibilidad contemporánea tan escéptica como la nuestra. ¿Cómo concretar la contemporaneidad de la pintura de Beltrán Obregón? ¿Cómo deslindarla de la tradición esteticista que ha sido tan duramente cuestionada por los artistas contemporáneos? Otros medios como la fotografía y el video le han permitido tomar distancia de la pintura, aspecto que podemos apreciar en la Galería Valenzuela Klenner. El artista siempre se mostró intrigado y atraído por la imagen en movimiento, ésta no fue extraña a su aprendizaje de los signos de la vida que permanentemente deambulan en el vacío, hasta ahora que los ha recuperado por medio del pensamiento artístico. Sus pinturas planas, serenas como una escultura griega, aparentemente impasibles, nos plantean preguntas sobre la espacialidad a través de recursos temporales como la televisión.
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Crónica de la expulsión (y explosión) de “un debate”

Se propone un texto crítico sobre la obra de Mario Opazo, Expulsión del Paraíso, en el marco del premio Luis Caballero. Se analizan los detalles de la muestra, incluyendo (i) la entrada a la galería que obliga al visitante a inclinarse para ingresar; (ii) el texto, “más que curatorial”, con el que se inicia el recorrido; y (iii) una reflexión sobre cada una de las obras…
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Memoria y el Río Tumba: Museo de Arte de la Universidad Nacional

López ha hecho acopio de muchos documentos que dan cuenta del estado de marginalidad en que se encuentran muchos pueblos no-machos, no-blancos, no-ilustrados, cuando las contingencias de la historia los han llevado a encontrarse en el camino de los guerreros. Documenta las violencias que genera el encuentro de pueblos e individuos que son obligados a relacionarse asimétricamente por cuenta de las ideologías dominantes. Como Wodiczko, nos recuerda que la frontera ha dejado de ser un lugar de emancipación y se ha convertido en un espacio de reclusión.
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NO Global Tour

Para Sierra esta pieza supone su obra magna, un grito antagonista del sistema. “Las personas que están luchando activamente contra el sistema necesitan imágenes y los artistas se las debemos proporcionar. Este NO está hecho para todos los que ya están hartos de la injusticia, la dominación, la censura y la opresión.” NO, sin precisar, NO al mamoneo de un sistema que toma a sus ciudadanos como borregos y que se encarga de reproducir mentes acríticas por medio de una educación a todas luces dirigida…
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La oreja roja

De las curadurías que resultaron ganadoras de los salones regionales (zona centro), la que más me llamó la atención, por su coqueteo evidente con la informalidad, la ligereza y la…
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El rizo de oro del diablo

El arte muestra trágicamente toda su inutilidad cuando trata de modificar los comportamientos del hombre masa a quien se le tiene prohibido existir. Pese a los duros cuestionamientos y a la rica controversia con que fue favorecida en el VII Encuentro de Perfomance y Política, gracias a la teoría la propuesta de Bruguera se sostiene con firmeza en el mundo del arte, pero se derrumba estrepitosamente cuando se relaciona con las masas, las cuales han sido introducidas premeditadamente para que funjan como saboteadores, el triste rol que deben desempeñar como función pública absurdamente privilegiada.
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Los límites del arte

Los propios artistas opinaron sobre el incidente que se presentó en la Universidad Nacional. La pregunta es si ¿el arte lo justifica todo? Responde Eduardo Serrano, nuestro columnista invitado, curador y consultor de arte…
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Tania Bruguera se pasó de la raya

Sin embargo esta acción puede tener consecuencias positivas, ya que con un poco de conciencia crítica frente a la situación la gente entenderá, por un lado, las imprecisiones de la acción artística de Bruguera y por otro lado se verá obligada a enfrentar el problema. Desde su torpeza el performance resultó ser valioso, al menos en parte y a pesar de que a la artista le salió “de chepa” (por suerte)…
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Fernando Pertuz: ser mayor de edad consiste en atreverse a danzar

Pertuz ha dispuesto que la Galería Santafé sea el lugar en el cual las ciudadanas y los ciudadanos exponen sin constricción alguna sus diferencias e intereses, sus frustraciones y desesperanzas. Ha dispuesto herramientas mínimas pero suficientes para emular a todos aquellos y aquellas a quienes vemos a diario mendigar en la calle el reconocimiento de sus derechos más fundamentales…
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Utopía

Tania Bruguera, una artista amante del riesgo y de la auto exposición cumple a cabalidad su tarea, oliendo perico frente al público hasta que se le acaba la plata o, mejor, hasta que muere, convulsionando de sobredosis ante un grupo atónito y morboso de personas que acudieron a verla performar. La víctima, el guerrillero y el paraco se reparten la plata que queda en el maletín y guardan la coca que les sobró. Salen tranquilamente de la universidad…
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Tiempo de Performance: El Hemisferic Institute y los sponsors de la rebelión de bajo impacto

Pido disculpas por atribuir con ligereza la financiación del evento “Ciudadanías en escena: performance y política de los derechos culturales” al Estado y la Universidad. No hay tal. El evento es financiado por el Instituto Hemisférico de Performance y Política con sede en Nueva York, que a su vez está financiado por sponsors de larga y cuestionada tradición corporativa como la Fundación Ford y la Rockefeller Brothers Foundation…
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Catadores de obras

En la Galería Santa Fe se mostró “Expulsión del Paraíso” de Mario Opazo, la tercera exposición en la programación del Premio Luis Caballero. A lo largo de la sala curva había un serie de objetos (banderas, un platón, libros, un barco, una lámpara, un muro de ladrillo…) sobre los que sucedían cosas (proyecciones de video, un tocadiscos con música de ópera, un hombre vendado que sentado en una silla tocaba de vez en cuando una campana atornillada a la parte de atrás del muro…
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La carta robada

¿Y de qué se trata el juego? De simulaciones y suplantaciones, donde cada actor asume estar en lo cierto, en lo real: parte del espejismo de “un verdadero realismo”. La reina, en este caso la artista González, esconde al rey la carta, por creer que viene de su objeto de inspiración, el pueblo, pero el ministro, el suplantador, arquitecto Simon Hosie, cree ver lo que oculta la reina al rey, se roba la carta y cree que él sí representa al pueblo, pues no hace representaciones, sino cosas reales: de hecho monta una casa ficticia de lavanderas en la Plaza de Bolívar de Bogotá.
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Historia de una lavandera

En este punto críticos y artistas parecen estar de acuerdo en que la intervención de Hosie es una más dentro de las más de 400 obras que llegaron a la Galería Alonso Garcés para que Beatriz González firmara. Y una genial, por salirse de los esquemas propuestos. Pero la forma como Hosie reveló su autoría no sólo frenó el juego que había empezado, sino que por ser tan literal, hizo que se dudara de sus intenciones. Por eso, para Garcés, que fue uno de los primeros en ir a la Plaza de Bolívar -a lo mejor para apoyar a Hosie, con toda seguridad para seguir el rastro de la obra de González-, “Hosie se extralimitó al tratar de sacarle partido a la exposición, con lo que hizo en la Plaza de Bolívar. Él debió haberse quedado solamente con la carta. Lo de la Plaza de Bolívar es un remedo”.
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