Es tarde para el arte

Son  las 7 pasadas, las puertas están abiertas, los suelos (losa, cemento, pasto y demás) atiborrados, una que otra copa se escucha chocar contra alguna homóloga, se acerca una muchacha algo desenfrenada para saludarme, el reencuentro es algo eufórico de su parte, apenas la recuerdo, de seguro había consumido mucha cerveza por esos días en Kissme, me dice que estuvo en las conversaciones de aquella época en las que nos reuníamos a hablar de estética, colonialismo y sexualidad. Tiempo  en los que el motel se puso de moda entre los artistas caleños y que hizo  que de ahí en adelante su auge no parara.
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El patrón

El museo no está lejos de ser un set de televisión como propone Laserna, un espacio donde la historia oficial ha sido narrada desde el poder. Si no fuera por la necesidad de actualizarse por parte de las instituciones para no parecer anquilosadas, o por la actitud crítica que deviene de los relevos generacionales, o del poder que con la vejez se va perdiendo y va siendo cuestionado, aun estaríamos recorriendo la historia oficial de Beatriz González (la patrona) en todas nuestras instituciones de memoria.
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18 razones por las que Set, de Juan David Laserna, ganó el IX Premio Luis Caballero

1.- Por hacerse caso desde el título y construir un set dentro de un set. 2.- Por resignificar una sala de exposiciones fea y compleja como villancico reiterativo (“textura sobre columna, y sobre columna, claraboya…”), que ha aniquilado muchas muestras en el pasado. 3.- Por subrayar en vez de esconder la intensa contaminación visual que impone la arquitectura del lugar para usarla a su favor. 4.- Por evidenciar el status del edificio sede de la exposición como lo que es: una ficción institucional diseñada con la idea –siempre trunca– de albergar parte de la historia. 5.- Por integrar la sala del fondo de la sala de exposiciones. 6.- Por articular dentro de la narrativa de su muestra ese espacio peor de inmundo, frío, húmedo, pésimamente iluminado y con vocación de bodega eternamente sellada, donde nunca había podido suceder nada…
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Aquí aún no cabe el arte

Cincuenta y cinco obras de arte estuvieron albergadas en el Edificio del antiguo Club Rialto, una de las sedes del AÚN 44 Salón Nacional de Artistas en Pereira durante el 2016. El evento mostró la ciudad no como la pequeña pujante de la que siempre se habla, sino como una ciudad creciente de vida vibrante, idónea para ser la sede del Salón.
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Doris Salcedo: poética del duelo

Quizá no haya hecho falta pasarse por la documenta14 para saber que la víctima es el protagonista principal de las estrategias artísticas más en boga. Quizá tampoco haber llegado hasta allí para saber que la cuestión por el otro y, de rebote, por la identidad del adentro y del afuera sistémico sea una prioridad en el arte contemporáneo. Quizá, por último, también innecesario haber sacado en relación a la cita de Kassel unas conclusiones que rozan la impotencia del arte en cuestiones de inclusión, memoria y acogimiento del otro.
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Hacia una etnografía digital del arte contemporáneo: Sumando ausencias de Doris Salcedo

En el artículo se analiza una “acción de duelo” realizada por la artista Doris Salcedo en la Plaza de Bolívar de Bogotá. Aunque Salcedo había realizado tres acciones semejantes años atrás (1999, 2002 y 2009), Sumando ausencias (2016) marcó, por un lado, un giro en lo formal, lo político y lo discursivo y, por el otro, una activación tanto del público como de los participantes de la acción. Esta activación fue posibilitada por las redes sociales, los blogs y las versiones on-line de la prensa. Este fenómeno, propiamente comunicativo, evidencia unas transformaciones en el ámbito del arte contemporáneo, particularmente en aquellas prácticas de carácter efímero, como la acción de Salcedo. 
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Nuevas Floras, María Elvira Escallón (Ensayo sobre la belleza)

A la manera de un jardín superpuesto al jardín, -la belleza-, la palabra que nos es impronunciable y que ahora se pone en el centro como si fuera necesario hacer patente esa llaga ausente que causa el dolor de toda ausencia. Porque la patencia supone mirar largamente aquello para lo que no tenemos todavía nombre alguno. Salvo la Belleza. Esa condición que arregla esa cosa a la que hemos dado alguna condición que aprueba salir de toda finalidad a un fin. (De la estética Kantiana). Ha consentido en cambio convertirse en el lugar de la detención que la mirada necesita. Ahora que nos es esquiva toda contemplación. Y poesía. (Y belleza).
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El materialismo estético en los pisos de Felipe Arturo: una nota sobre el Premio Luis Caballero

La primera asociación que me asaltó al revisar el trabajo de Felipe Arturo fue una reflexión de Marx y Engels de materialismo puro o, más bien, la constatación de la existencia de un mundo materialmente impuro: “Es sabido que el cerezo, como casi todos los árboles frutales, fue trasplantado a nuestra zona hace pocos siglos por obra del comercio y, por medio de esta acción de una determinada sociedad y de una determinada época, fue entregado a la «certeza sensorial» de Feuerbach”.
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Los límites de mi mundo

Andrés Felipe Uribe escribe. Escribe con una máquina que ya está sepultada, o escribe con una máquina de calcular precios, escribe a mano con una letra torcida sobre cartón o sobre sobres de pago. A veces escribe sobre los pagos que hizo, o más bien escribe los pagos que hizo porque en realidad no escribe sobre nada. Registra, como un burócrata de lo absurdo, el tiempo muerto, que sólo transcurre para dejar un registro mecanografiado de su insignificancia.
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Una petición al arte ¡Basta de literalidad!

Quise empezar este texto con una petición al artista colombiano: Que no hable -más- del narcotráfico. Quise empezar así y todavía quiero, sin embargo, soy consciente de que pedirle al artista que abandone un tema, un fenómeno, que ha permeado la realidad colombiana durante casi 50 años, que se ha normalizado y nos ha entregado joyitas nacionales e internacionales como El Patrón del Mal o Narcos, es una petición ambiciosa y aparentemente imposible de acatar. Así que, renunciando a mi capricho, debo hacer una segunda petición en tono de resignación: que no se pierda la sutileza en el arte, por favor.
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Los Incontados, Mapa Teatro, en el Marco de Experimenta Sur

La primera vez que vi Los Incontados de Mapa Teatro no quería reírme, y aún así me reí. Me molestaba mi propia risa. ¿Cómo reírme de mi historia? Así que tenía que volver a ver la obra. La obra Los Incontados empieza con el encuentro fortuito de esa cinta en la que la voz resucitada del Cura Guerrillero, Camilo Torres, dice que hay que abandonar el carnaval y empezar en serio la revolución.
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La imaginación política radical

La exposición se titula escuetamente Playgrounds y es de una heterogeneidad fascinante porque junta Goya con Oliver Rossler y Archigram con Reclaim the Streets, para citar solo dos de sus múltiples extremos. Cada obra expuesta vale entonces por sí misma y cada una invoca su propia constelación de obras simpáticas o simplemente afines.
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Sobre “Maqueta para el Dante” de José Alejandro Restrepo

Jose Alejandro Restrepo presentó su proyecto “Maqueta para el Dante” en el marco del Festival Iberoamericano de Teatro. Además de contar con un muy buen apoyo logístico y de producción, tuvo una importante afluencia de público (700 personas al día, de 6 a 11 pm, durante las dos semanas que estuvo abierto al público), cosa que rara vez sucede en un evento de arte contemporáneo.
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Éxito

El triunfo está garantizado. En otras palabras, esta Bienal de (la ciudad amurallada de) Cartagena se convertirá en LA bienal de Colombia. Si miramos el panorama, todo juega a su favor: no parte de la iniciativa de curadores conectados (y pobres), no depende de un museo de arte moderno dinámico (y mendicante), no teme a la inclusión de artistas internacionales o de obras con seguros impagables (y vigentes), no se acompleja –bueno, no tanto- con el rol de lugar turístico que cumple la ciudad anfitriona y lo mejor –bueno, no tanto- cuenta con el apoyo de la Fundación con el nombre de uno de los hombres más ricos del país y varias empresas cercanas a su oligopolio.
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Soacha, la necesidad del monumento -Doris Salcedo y la poética del duelo-

Ella habla de una oración silenciosa, la llama Plegaria Muda. Museos, dos años itinerando de país en país, abarrotamientos humanos alrededor de sus instalaciones, entrevistas, discursos, cientos de impresos. A setenta y siete cuadras de la plaza a donde llegan las madres a manifestarse por sus hijos solo llegan nueve de las ciento sesenta y seis piezas que dan testimonio de la fosa común.
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La plegaria invencible

El tablado de la sala del segundo piso recibe al espectador con un sándwich replicado en nueve piezas hecho con 18 mesas, mediadas cada una por tajadas de tierra, delicadamente dispuestas para que de ellas nazca el pasto llorón que perfora la madera. La sala es pequeña, el propósito es inmenso, al invocar el pensamiento poético para que este cuente el hueco negro y profundo, inalterable -cuando se le mira de frente- que posee el rostro de la barbarie.
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Contención (Plegaria muda de Doris Salcedo)

Por momentos olvidamos el lugar, para ellos es importante subrayar el carácter provisional de la cocina pero yo logro convencerlos de sus bondades, de otro modo no habríamos podido conversar, mirar el piso artesanal, e incluso prever la idea de una hamaca futura colgada de una esquina, momentáneamente estábamos en nuestra cocina conversando como amigos que se acaban de encontrar. Olvidamos a Flora. Por un instante nos suspendimos en un espacio real, después regresamos y ascendimos la escalera. Y de golpe” las mesas”. Nuestro objeto de visión.
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Imágenes de la Bienal Internacional de Arte Contemporáneo de Cartagena

¿Vive fuera de Cartagena y está interesado en ver imágenes de la Bienal? ¿Sabìa que la Primera Bienal Internacional de Arte Contemporáneo de Cartagena de Indias se lleva a cabo en esa ciudad colombiana entre el 7 de febrero y el 7 de abril de 2014, es una nueva plataforma artística que reúne en diversos espacios expositivos y a través de múltiples actividades las obras más reciente de 110 artistas contemporáneos nacionales e internacionales?
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Crisis en la Bienal de Sydney por reparos éticos a la organización

Cinco artistas (Libia Castro, Ólafur Ólafsson, Charlie Sofo, Gabrielle de Vietri y Ahmet Öğüt) que expondrían en la Bienal de Sydney -que inicia el 21 de marzo- han decidido retirarse de la programación, luego de haber manifestado junto a otros 41 artistas participantes de la bienal (prácticamente la totalidad) su negativa a continuar siendo auspiciados por la compañía Transfield (el mayor sponsor de todo el evento), aduciendo que ésta es parte de la cuestionada política migratoria australiana.
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Plegaria Muda en Flora

Si en las fotos de Shibboleth la distancia con la obra se hacía mayor por la imposibilidad de acceder a sus detalles, en esta exposición de Plegaria muda estamos excluidos de la experiencia porque solamente tenemos acceso a un mínimo fragmento, y el verdadero impacto de la instalación, que tiene que ver más con la aparición incesante de estructuras idénticas y el acto de caminar entre ellas, no existe. En la instalación montada apropiadamente el verdadero impacto ocurría al circular entre las docenas y docenas de mesas que ocupaban enteramente las salas del museo, formando una especie de laberinto que por momentos daba la sensación de estar atrapado, perdido entre ellas…
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Florecita rockera en el museo: una exposición en diferido

Esta exposición parece un salto en el tiempo. Hay una sensación de diferido, como si esta exposición se hubiera hecho hace más de 20 años y se repitiera hoy con pocas variaciones, es decir, con cierto credo de finales de los ochenta: la hibridación cultural en el contexto de la globalización que permitió no sólo comprender rasgos característicos de la cultura contemporánea sino jugar creativamente a partir de los cruces entre lo local y lo global, lo popular y lo urbano, etc. Los profetas latinoamericanos de tal credo fueron García Canclini, Martin-Barbero, Sunkel, entre otros. Sin embargo, después de la mezcla festiva de los signos (por ejemplo, una pila de llantas que sirve como pedestal para vírgenes tatuadas –una de las posibles variaciones en la exposición), después de la fiesta, llegó la resaca.
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Prayer

Bajo una enorme roca falsa, donación de otro artista al lugar, nueve mesas recibían a un público ávido de estar cerca por primera vez -así fuera ante un breve fragmento-, de la aparición, sino del arte, de la artista. Ella nos brindó su fugaz presencia. Las obras, apretadísimas. Su misión, ser objeto de duelo. Su visión, terminar representándolo en alguna institución cultural y/o capaz de financiarlo.
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¡En Cali no hay artistas!

Cuentan que se inauguró este viernes 24 de enero el Cuarto guión museográfico del Museo La Tertulia de Cali, con el artista invitado de rigor. No les voy a decir el nombre aún de quién ocupa ahora la sala de invitados del museo y me voy a tomar un tiempo prudente para esto, por una sencilla razón, por un pequeño acto de memoria. ¿Recuerda usted los anteriores? ¿Recuerda las obras? Si los recuerda, ¿qué recuerda? ¿Entendió y se gozó las obras? ¿Encontró la relación del invitado del turno con las obras expuestas en el guión de su momento?
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Balance

Los campos artísticos de Occidente operan bajo la modalidad del ciclo y tratan de desentenderse de ello. Con lo primero: aceptan que sus artistas procedan de la academia, hagan obras que reflejan un profundo desprecio hacia la academia, sean patrocinados por intérpretes que inventen ritos de consagración en la academia y, si triunfan, terminen integrando pénsums en la academia -del futuro.
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El enigma de las cabezas de barro

Enviar a los Estados Unidos estas cabezas llenas de drogas tenía, para él, todo tipo de significaciones reivindicativas, revolucionarias y surrealistas. Pondría en jaque el orden establecido y se constituiría como la vanguardia de unproyecto nacional de tomarse el mundo a través del narcotráfico. Las drogas vendrían a alterar las cabezas de todos los ciudadanos mundiales, quebrando el sistema capitalista y sus necesidades de eficiencia y coherencia. Las drogaspresentarían una ocasión única ver la estructura de lo real, aquella en donde la conciencia y la materialidad se hacían una, allí donde no primarían las fuerzas del mercado sino las del sueño y el deseo.
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Bienal

Fui a Medellín a tragarme mis palabras. Una a una. Antes, sin haber visto este 43 Salón (Inter)Nacional de Artistas –y habiéndome burlado del complejo oculto tras la partícula “Inter”-, estaba de acuerdo con las críticas que se le hicieron a su modelo curatorial. Aunque no dejo de pensar que los cuestionamientos esgrimidos tienen la fuerza suficiente como para mejorar/incrementar/dignificar la presencia de los artistas regionales en eventos de este tipo, las obras estaban ahí para decir otras cosas.
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Campos de Memoria

La muestra Campos de Memoria realizada en Berlín por el Curador Oscar Ardila, es todo un recorrido por diversas problemáticas sociales que afronta Colombia y el mundo. Reune una serie de trabajos que están relacionados por intervenir el espacio público, reflexionando sobre problemáticas sociales y políticas. La muestra permite pensar sobre los papeles que debe tomar el arte en medio de un conflicto; nos cuestiona sobre el espacio público y las relaciones del arte con la realidad.
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Oportunidad

Estos trabajos de Edwin Sánchez admiten tres acercamientos de complejidad progresiva. El primero es el de la indignación moral: frente al video de un soldado mutilado que habla de su experiencia en el ejército colombiano y para descansar de ello fornica, quien mira podrá ver ofendidas sus más altas aspiraciones patrióticas.
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Pequeña

Guillermo Vanegas escribe sobre la exposición “El azote del culo (Recetario apócrifo/ Escritura sediciosa)” en la La Quincena. El texto de presentación de la muestra insistía en que hablar era causa de males. Parecía recomendar la mesura. Medir las consecuencias del decir y encaminar hacia el buen decir. Por su parte, la exposición mostraba los resultados de la voz decantada. Lo suyo era la materialidad. Incluía recomendaciones sobre la paciencia, el cuidado en la observación y el comentario en voz baja. Así mismo, iba de la literalidad a la recolección de las palabras finales de una película mítica. Recuperaba chistes y anotaciones escritas con detenimiento. Recorría, el camino que comienza en la prudencia y termina en la intoxicación. Trataba de parecer menos una exhibición-wanabí-de-espacio-expositivo-grande,-elegante,-de-sonrisa-fácil y más una colectiva articulada en torno a la siempre efectiva idea de organizar obras de arte alrededor de algo. En este caso, voz y texto como lados de un mismo problema: la necesidad de modificar el entorno circundante.
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43SNA: Un modelo moderno en la era de la decolonialidad

Volvimos a las categorías taxonómicas de los gabinetes de curiosidades del siglo XVIII sin preguntarnos lo que es urgente y necesario: ¿Será que sufrimos esa eterna y mediatizada necesidad de evaluar, valorar, suponer y “reinventar” una auto-colonización desde las categorías euro-céntricas que construyen la mirada del otro? Las respuestas podrían ser muchas, y sin embargo existe la certeza de que no estamos haciendo un reconocimiento de lo que es nuestro, sino imponiendo una y otra vez las categorías enfermizas y sistemáticas sobre las formas como entendemos nuestra producción artística. Nos estamos avasallando a las condiciones centro-periferia que una y otra vez nos imponemos como formas de ver.
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Posiciones naif

Después de enfrentarse a un “Muniz”, el procedimiento es sencillo: ¿qué estamos viendo además del material? O tal vez ¿cuál es la otra retórica de esa imagen? La representación de la representación, el constante acaparamiento de las imágenes icónicas de la historia del arte, que no pueden pasar desapercibidas pero tampoco pueden obviarse por encontrarse como registro, porque “están hechas de un material perecedero” ¡El fin del arte! Se van a desaparecer las iconografías por la descomposición de una mermelada.
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Un conservador en una tacita de plata

El señor Juan Gómez Martínez se ha dispuesto y servido como un bocadito para el debate y la contra argumentación, pues metió sus vetustos pies y su seseada lengua en el pantanoso terreno del arte contemporáneo. ¡Imagínense! meter los dedos desnudos en la filosa boca del arte actual para ver si muerde. Pues sí, así lo hizo el día de hoy, el primero del mes de agosto en una corta y divertidísima columna de su periódico El colombiano. En esta corta apreciación dejó latente y clara sus consideraciones estéticas y sociales, así como nos dejó (en oposición Joyce) un “Retrato del conservador anciano”.
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Piso

Es bastante sencillo reconocer las aspiraciones del modo de vida de un ciudadano colombiano promedio. Mejor dicho, era. De hecho, antes de la crisis del modelo de financiación de vivienda que creó el gobierno de Misael Pastrana Borrero bajo el acrónimo UPAC, la idea era que toda familia fuera depositaria de tres tipos de bienes: casa, carro y beca. Y, como siempre que la publicidad establece alianzas con las entidades bancarias, este modelo de triunfo social se convirtió en un rentable slogan.
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Im-per-fec-to

A primera vista, Amalgama(s) parecería ser una exposición anclada en el primer renglón del esquema anterior, donde la concentración de sus participantes se hubiera decantado por el análisis del comportamiento físico de los elementos que constituyen cada una de sus obras. En ese sentido, Dirección única y Confinamiento de Santiago Reyes o Certeza indeterminada de Laura Trujillo, podrían verse como destacables cabezas de playa, a cuya saga irían otros trabajos de la muestra…
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Viscoso

on familiaridad, Eduardo Serrano, el gestor artístico más brillante de Zapatoca (Santander, Colombia), recordaba así la participación de uno de los artistas más interesantes de su generación en uno de los eventos culturales más inflados del momento: “Adelante, colocados horizontalmente sobre el piso del Museo de Arte Moderno (entonces Planetario Distrital) y unificando el espacio asignado a su trabajo, se intercalaban dibujos y fotografías a escala 1:1, de las baldosas mencionadas, cuyo diseño –más tarde se sabría- correspondía con el del piso del estudio del artista.
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Ocultar

La obsesión de (Jose Alejandro) Restrepo por revelar las implicaciones asociadas al acto de representar partes del cuerpo humano. ¿Recuerdan el énfasis que puso al comienzo de la charla como apoyo a la exposición Habeas Corpus? Destacaba la importancia del subtítulo de la muestra. Para él, la frase “que tengas [un] cuerpo [para exponer]”, hablaba de aquellas “manifestaciones extrañas que hacen que tener un cuerpo, lejos de ser una condición natural, lo que hace es encerrar una profunda extrañeza […] que se potencia al mostrar el cuerpo fragmentado y al enfatizar ese carácter alegórico que pueden tener cada una de sus partes.” Entonces, ofrecer pedazos de cuerpos. Las caras, esta vez. Con una intención…
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Motivo

La primera etapa del trabajo de Paulo Licona involucraba su colaboración con el también artista Camilo Turbay. Juntos conformaron el colectivo Todopipas. Bajo esa membrecía comenzaron a insertarse en el panorama de la producción visual del terruño. Por una parte empezaron a hacer presencia en inauguraciones de exposiciones portando prendas que consideraban relacionadas con el contenido de las muestras. Entre éstas se recuerda su performance en la apertura de Traslaciones (Nicolás Consuegra.
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En el Museo Nacional de Colombia

Siempre se cuestiona el papel del Museo Nacional como contenedor, divulgador y agente material de la identidad colombiana. Está bien, hay que aceptar que el guión curatorial de las salas permanentes tiene uno que otro (s) desliz (ces). Estaremos de acuerdo en algunos momentos con los acérrimos críticos del museo de la nación. Sin embargo, ahora quiero defender conexiones dentro del museo. Conexiones que hacen parte de nuestra identidad, quiéranlo o no.
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Antenas

La artista Ana Catalina Díaz se refiere a las piezas que integran esta exposición como objetos que “no son la acción en sí misma, no son el lugar, no están cumpliendo una función”. Para ella actúan como aquello “que inútilmente busca captar una utopía.” Antenas.
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Sobre un animal (inofensivo): Edinson Quiñonez en ProArtes Cali

El Burro y La Paja se dan cita en el recién inaugurado boulevard peatonal de la avenida Colombia, para hablar de arte y otras cosas. ¿No te pareció lo suficientemente polémico poner cocaína en un vidrio, sobre una muy bella mujer desnuda, hacer unas líneas e invitar al público a que se metiera su pasecito? P: Pues no Burro es que no, mira que en ProArtes había unas fotos del registro de ese performance-happening y ahí, puestecito en fotos, uno no reconocía nada polémico en aquel “tumor”, para mi venía siendo más como un tumor benigno, absolutamente inofensivo, casi natural, un Brugerismo local mezclado con unneo-sniff de festival de performance
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El Atlas del Imperio: Latinoamérica en la Bienal de Venecia

El Atlas del Imperio, muestra curada por Alfons Hug y Paz Guevara para el Pabellón del Instituto Italo-Latino Americano (IILA) en la Bienal de Venecia, es una atlas imaginario, en el que el arte de la región y el europeo dialogan y se confrontan, con un impacto de enriquecimiento recíproco de identidades culturales cada vez más fuerte. Comisariado por Sylvia Irrazábal, secretaria Cultural del IILA, este espacio se cierne como una exploración de nuevos aspectos geopolíticos del arte contemporáneo, con el fin de impulsar valiosas experiencias de conocimiento recíproco entre artistas latinoamericanos y europeos.
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IV

El 1er Reporte Decenal de Actividades, exposición de Esteban Rivera en MIAMI se formula en términos tan gruesos como el parágrafo 4 de la fundación de la OMC: ¿cómo hace uso el arte del repertorio visual que se produce por-la/en-la sociedad corporativizada? En breve: ¿cómo se articula el par conceptual arte y mercadotecnia? Más en breve, ¿qué es lo único que nos pertenece.
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Sobre un animal peligroso

Es muy difícil decir de Edinson Quiñones que es artista. En vez, es más fácil declarar que es un monstruo, un animal, un organismo lleno de espinas ponzoñosas y una quijada que lo mismo bate para morder que para reír. De la misma manera, resulta difícil llamar a lo que hace obra, cuando carece de la delicadeza y pusilanimidad propias de las obras de arte. Lo que hace Quiñones y muestra en galerías y demás espacios dedicados al arte es más bien descriptible como un tumor, producido por el organismo espinoso-ponzoñoso a gusto suyo y colectivo.
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En torno al Laboratorio Cano

Con el Laboratorio Cano existe la incipiente posibilidad de unas “pinceladas” de curaduría en nuestra formación, asi sea una iniciativa no tan bien recibida y llevada a cabo a pesar de los inconvenientes que son a amplios rasgos trabas de la propia institución y de los propios colegas. Basada en la autonomía y el autoaprendizaje, el miércoles 24 de abril en la noche asistimos a una exposición de altísimo nivel…
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Desterritorialización: como elefantes entre cajas de zapatos.

La exposición consiste en una serie de cajas de cartón dispuestas a lo largo de tres salas consecutivas de la galería. Las salas fueron llenadas completamente con estas cajas en una suerte de horror vacui evidente, en donde todo parece encajar, literalmente, en el espacio. A simple vista, parece una obra sencilla, realizada a partir de un material ordinario, cajas de cartón. Pero aún así, cuando las cajas se disponen de tal modo, el lugar adquiere una carga estética. Es como si el espacio dejara de constituir un espacio de galería para pasar a ser un lugar impreciso y laberíntico…
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L l a a r r a a

Como la novela de Stevenson, en su prueba piloto LARA Latin American Roaming Art, tuvo dos caras. Por una parte, los comunicados dispersos en la página web y los folletos de sala ofrecían un repertorio de buenas intenciones con la idea de dejar en claro que se trataba de una residencia artística con todas las comodidades “para leer, escribir e investigar” en un lugar turístico lleno de historia. Entre el inventario de lugares por visitar se ofrecían excelentes oportunidades para entrar en contacto con los nativos: “Visitar la plaza de mercado es una excelente forma de conocer a los habitantes de Honda, y probar los productos regionales. Es también un sitio excelente para comprar materiales e insumos para cierto tipo de obras.”
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Marca no registrada: desvaneciendo los límites entre destrucción y arte

Nunca pensé que unir látex y láminas de oro en un mismo espacio fuera a funcionar. Menos si se tiene en cuenta que ese espacio era la Fundación Teatro Odeón. Pero es justamente la fusión de estos dos elementos casi opuestos los que hacen que una intervención como la de Livia Marin, en Marca no registrada, encuentre una voz y resulte en una obra notablemente poética y seductora. La obra de Marín no sólo despierta la mirada del espectador, sino que lo involucra en un espacio donde la destrucción recobra su importancia; donde la ruina encierra a quien la observa…
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Tollotadas

Tres cosas para decir sobre la tercera versión del Tollota (muestra artística de las facultades de arte de la Universidad Javeriana, los Andes y la Tadeo, organizada por Paulo Licona, profesor de la Universidad de los Andes y la Tadeo) en la cual se desperdició espacio y se convocó audiencia: 1. El arte con contenido feminista prolifera. 2. Se busca por feo. Yo diría, se busca por pendenciero. 3. ¿Dónde está la curaduría?
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Asimetría territorial: el arte en función del discurso

Si bien el hecho de que se le otorgue una voz al arte es lo que a muchos nos gusta de éste, varios artistas caen en el error de intentar generar un discurso más que una obra, y esto es justamente lo que las convierte en obras efímeras. La exposición Asimetría Territorial, de Lester Rodríguez, presentada en la galería Nueveochenta, en mi opinión, cayó en la eficacia y en el vacío de discurso, pues, por querer decir mucho muy poco fue lo que se escuchó…
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Balada

En Lugar a Dudas, la artista reunió La balada de Carlos Lehder y Moby Dick y el Buque Gloria, ambas de 2012. La primera es un trabajo de dos partes: tres videos concentrados en la isla que arrendó Lehder y una grabación de músicos que viven en Londres reinterpretando una canción que se compuso en su honor. La segunda, es una grabación audiovisual donde tres cadetes recluidos en entrenamiento dentro de la nave insignia de este país leen el apartado de la novela de Melville que narra la debacle de los proyectos del capitán Ahab.
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Fernando Uhía, Ready? Zombie! U otra version de segundazos expositivos (reencauchados) en La Tertulia

Luego de un delicioso y modesto hotdog de mil, una conversación de la Paja con su novia de 16 años de edad en la sala Maritza Uribe de Urdinola, una tarde de domingo, que es gratis la entrada. Novia: Ay amoorr, que rico que me sacaste a pasear por acá por donde tú te mueves, ya va a ser hora de que me presentes a tus amigos artistas!…
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Viaje

Pongámonos serios: tenemos Mágister en hacernos zancadilla. Por ejemplo, al pensar en la postergadísima internacionalización del arte contemporáneo local, si el proyecto es iniciativa de un curador nativo, seguramente obtendrá proyección limitada. Al contrario, cuando un investigador extranjero mira hacia acá, suceden los milagros. Es algo que dicta la tradición: para que sepamos cómo somos y qué hacemos, nada mejor que ver qué dicen los especialistas provenientes de fuera…
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Oro

Durante el recorrido muchos entendimos que estábamos en medio de una enorme trivia de arte. Rodeados de tantas obras sin identificación, determinar qué era de quién y cómo podría llamarse una obra fue un juego que deleitó a muchos. Jóvenes y viejos apostaban por saber quién sabía más. Casi nadie acertaba. Ver personas que reconocían avergonzadas su ignorancia visual. Museografía de vanguardia. Arte e interactividad: dar información incompleta para despertar el interés de la audiencia. Para que complete -en este caso, identifique-, una obra. Performatividad del silencio…
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Olleta

Dentro de un casa azul pintada en su interior con líneas negras y azules hay un dibujo de una batidora azul con un cuenco gris. De su marco cuelgan una cuchara de palo color palo y una pala -creo que así se llama esa cosa-, de dos colores. Un mueble con platos soportado sobre una olleta, creo. El recuerdo del artista a quien se atribuye todo el arte contemporáneo de este mundo y más, que al tener que dar un regalo a su hermano pintó un molino de chocolate…
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Edilicia

Albert Speer era un hijo de la élite alemana. Estudió arquitectura bajo la inspiración de teorías cuyo impacto aun se percibe. Trataba de vivir su vida en medio de las convulsiones políticas de su país cuando conoció al patrocinador de sus proyectos más ambiciosos. Ambos coincidieron en que su país debía cambiar y en la velocidad de su ascenso -y colapso. El primero no pudo ver el final de su sueño (básicamente porque se dio muerte)…
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Perder la forma humana. Una imagen sísmica de los 80 en América Latina

Muchos querrán atacar esta exposición con argumentos sobre el postcolonialismo e imperialismo, o acusar las artimañas del mundo del arte frente a una moda. Antes que eso, me parece interesante plantearnos la siguientes preguntas: ¿Qué implicancias puede tener que un museo, que aunque ubicado en una ciudad periférica en el circuito del arte contemporáneo es hegemonía en ese mundo, fije su mirada en la historia y la producción de arte Latinoamericano? O volviendo a la idea de unicidad del mundo ¿es posible narrar una sola Latinoamérica?
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Víctor Albarracín en el lugar del arte

Lejos del enigma queda la sola estela de un lugar demasiado habitado y vuelto a ocupar. Un lugar destruido y pisoteado, a veces también dando lugar al espectáculo, la risa y la impostura. En fin, el lugar de un error. ¿Qué hacer con él? Indudablemente es un derrochador de tiempo quien impunemente se dedica a rellenar libretas…
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Las Premoniciones de Camilo Bojacá

Desde el 2 de noviembre se presenta en Espacio 101 la exposición Premoniciones espaciales del artista Camilo Bojacá, un proyecto que obtuvo una de las becas de circulación de la galería Santa Fé en espacios alternativos. Ubicado en el antiguo centro comercial Nutabes, Espacio 101 es una propuesta poco conocida por estar actualmente en una locación no muy común para los circuitos artísticos bogotanos, pero cuenta con un espacio interesante para las intervenciones de los artistas.
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Economía

“¡Mire!”, pareciera reclamar el alemán. Y nos ofrece de todo: fotografías que se presentan como fotografías (impresiones sobre papel no enmarcadas), fotografías que se presentan como pintura tipo Vitamin P (papeles encerrados en cajas de acrílico), fotografías que hablan de asesinatos rituales (recortes de noticias de prensa), fotografías de naturalezas muertas, fotografías que aspiran a ser pintura abstracta. Variedad. Pero virtual. Cuando salgamos de la muestra no poseeremos nada, apenas unos recuerdos que perderemos con las neuronas que ahogemos en nuestra siguiente borrachera. Terrible. (Amiguitos, no beban).
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Ferias y arte

Ferias de Arte en Bogotá como ArtBo, Odeón y Usaquén confirman el momento por el que pasa el arte local, nacional y global; con sus burbujas en el mercado; y el mito del artista, que vive de su obra. Son muchos los artistas y pocos los escogidos, muchas las técnicas, pero pocas en las ferias; muchas las maneras de acceder a un espacio ferial y un solo factor en común, El Dinero.
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Jaula

En el site donde promocionaban su presentación, los integrantes de Latienda Medellín reclamaban en mayúscula sostenida: “ESTO NO ES ESTETICA RELACIONAL. ESTO ES COMERCIO. ESTO ES ESPECTACULO. CURADORES MURIENDO.” Y su presentación se dio en medio de la feria organizada por la fundación Teatro Odeón.
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Unas exposiciones

El trabajo de Lucas Ospina, resalta por encima de sus otras formas de expresión clásicas. Sus sugerentes y satíricos cuadros de figuras de hombres y mujeres en actitudes y poses de marcado sexualismo, atraen la mirada más fatal que fácilmente; de un modo como no consiguen hacerlo (sin estar mal) los esbozos esculturales y los cuadros al óleo de pequeño formato -cuadrado y único-, aún faltos de madurez.
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Pasto

Esta presentación también marcaba otro regreso. El de María Margarita Jiménez a una sección del campo artístico tras haber anunciado su retiro hace diez años en el primer piso del mismo edificio, regalando ropa. Y tal como lo prometía aquella vez, volvió sin nunca haberse ido (salir del universo de las exposiciones para sumergirse en el de la docencia es diferir la pulsión de mostrar a través del trabajo de quienes reciben clase con uno), ni haber dejado de trabajar. De hecho, A ras de tierra es el resultado de la articulación de imágenes reunidas durante dos años de grabación, que resultó más poderosa con la ayuda de tres colaboradores: ellos aportaron las animaciones en 3D, las líneas blancas y el sonido. Jiménez & Co.
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Gafas

El diálogo entre ‘El Camino corto’ y ‘Urgencias’ se plantea al nivel de una materia primordial que aparece para recordar que la prevalencia de una imagen depende de su decantación. Que siempre se ve mejor cuando el polvo cae. O cuando se usan unas gafas de protección (Lacan -no sus exégetas-, dijo alguna vez que la posibilidad de la mirada sólo se daba observando a través de una pantalla, nunca directamente.) A pesar de que cada muestra ponga en juego su propia versión pretensiosa de la pedagogía del enojo (fastidio moralista por las consecuencias del consumo de cocaína, rememoración fatalista del despojo a la salud), protegen la percepción y dan argumentos para ver mejor.
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Pandora

En lo que antes era la enorme capilla del colegio donde dicen que estudió el hijo de un señor que muchos parecemos no querer olvidar (es decir, viéndolo no como la leyenda urbana de los ochentas, que ahora parece ser), Anna María Guasch examinó la trayectoria artística de John Cage. Advirtiendo que esta indagación partía de una base documental apuntalada en la lectura de “ensayos, conferencias convertidas en ensayos o (…) múltiples entrevistas”
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Nota

Siempre se ha pensado que una semana del sonido debe contar con una exposición que la acompañe. Y que no se puede reciclar la museografía de una pésima exposición anterior para solucionar una muestra de mecanismos construidos con la idea de hacer ruido. Mientras en una sección de la sala de exposiciones estaban en silencio, montados sobre módulos o en mesas, desconectados, dispuestos para el momento en que habrán de funcionar. En la otra, pasarían por lo menos dos veces a un lugar bastante parecido a como nos han dicho que son los escenarios interiores de las ferias ambulantes del Dust Bowl: luz cenital, cortinas negras y un telón rojo al fondo. Contra este escenario, por horas, sonaban.
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El potencial de la articulación curatorial

Lo que creo que la curaduría debería hacer es ser implementada en la construcción de comunidad y no ser simplemente una representación del no-objeto y el no-mercado. Creo que ahí es en donde está el potencial de la curaduría, en el poder de convertir lo estético en otra cosa. De nuevo, tendría que analizarse la curaduría de manera local y en cada caso preguntarse qué es lo que está haciendo la exposición y que reivindicaciones o demandas se hacen por este medio. Las estrategias procesuales, y aquí podría haber mayor o menor diferencia entre ellas, tienen objetivos diferentes que, por ejemplo, los proyectos de Hans Haacke. La crítica política de su trabajo dependía del contexto del museo
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Familia

Hola hija. Mira, dos de las categorías que se destacan en lo que va del Salón Regional de Artistas llamado Las Edades son: 1.- Gran parte de los artistas se ubican en un estrato social semejante, y 2.- Hay muchos vínculos familiares…
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Palomas

Una de las especies que más ha proliferado en las ciudades contemporáneas es la de los críticos desempleados. Pero a ella no está dedicada esta nota, sino a las Columbas. Una de las pilatunas del Proyecto Mayhem en una película de los noventa consistía en darles bastante comida en la noche para que cagaran carros de alta gama (que no podían comprar los críticos ni en los noventa ni ahora). En algunas ciudades está prohibido alimentarlas (como a los críticos).
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Reflejo

Sueñe con que Colombia tiene un “pintor vivo más importante de Colombia”. En serio, trate de soñar con un pintor vivo realmente importante, de Colombia, que pinte de verdad. De pronto, en su sueño, usted se confunde con el que da entrevistas y regala gatos. Ese no.
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Ira

La selección de imágenes que presenta la revista Anti-oquia recupera lo mejor de la bilis que González y otros polemistas insignes han vertido en honor de la abyección local. Un acto que inicialmente no tiene nada de malo, ni resulta edificante, ni incomoda. ¿Esfuerzo inútil? Por supuesto. Esos temas no son sexis, son fácilmente instrumentalizables como retórica de oposición y a los cuatro años habremos de volver sobre ellos para retractarnos (yo, por lo menos).
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