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La guerra del lujo es puro arte

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Los titanes de la industria de moda trasladan su rivalidad de las tiendas a los museos. Bernard Arnault (Dior, Vuitton), François Pinault (Gucci) y el matrimonio Prada exhiben sus colecciones en busca de la trascendencia cultural que se les niega en los negocios.

Nos hemos acostumbrado a que los amos del lujo mundial cubran las calles del globo con sus nombres al abrir tiendas sin pausa, pero ¿museos? Hace 10 años, el flujo de noticias de los grandes conglomerados estaba protagonizado por la adquisición de nuevas marcas por las que pagaban sumas astronómicas con tal de arrebatárselas al competidor. Ahora la rivalidad se ha desplazado al arte y tiene su teatro de operaciones en Venecia, que hoy cierra su Bienal.

En 1999, los dos mayores faraones de la moda y el lujo, François Pinault y Bernard Arnault, se peleaban por el control de Gucci. Desde 2006 libran una batalla por la posteridad y el reconocimiento cultural en la que cada cual se construye un museo -una pirámide- mayor. Pinault, que creó el grupo Pinault Printemps Redoute (PPR), que ampara firmas como Gucci o Balenciaga, cuenta ya con dos espacios en Venecia, reformados por el arquitecto Tadao Ando, en los que expone su propia colección. Arnault controla el mayor grupo del sector, Louis Vuitton Moët Hennessy (LVMH), que cobija 60 marcas como Louis Vuitton, Tag Heuer, Dior o Givenchy. El cuarto hombre más rico del mundo, según la revista Forbes, espera que el proyecto de Frank Gehry para la sede de la Fundación Louis Vuitton se termine en 2013. El museo se presentó seis meses después de que Pinault inaugurara su primer centro de operaciones en el Palazzo Grassi, pero la oposición vecinal ha demorado su apertura.

El matrimonio formado por Patrizio Bertelli y Miuccia Prada trató de convertirse en un grupo de lujo como Gucci y LVMH al comprar Jil Sander o Helmut Lang. Firmas que después tuvo que vender. Fieles a su estilo de jugadores atípicos e intelectuales, fueron de los primeros en investigar este camino hacia la trascendencia. La Fondazione Prada, que se creó en 1993, abrió durante la última Bienal de Venecia una sede permanente en un palacio del siglo XVII, Ca’ Corner della Regina, y prepara la inauguración de otro espacio en Milán, firmado por Rem Koolhaas/OMA. Dos museos que albergarán su propia colección y también otras exposiciones. “El arte, en sus múltiples expresiones, es una característica fundamental de nuestra empresa, parte integrante de nuestro modo de pensar”, explica por correo electrónico Bertelli, director general del Grupo Prada y copresidente de la fundación. “La Fondazione Prada representa uno de los primeros y, en aquella época, inusuales proyectos culturales y artísticos financiados por una compañía privada. Otros han seguido nuestro ejemplo y ahora es bastante común que las empresas inviertan directamente en la cultura, pero entonces éramos pioneros. El hecho de que otras empresas del lujo hayan seguido este camino es una buena noticia”.

La coincidencia temporal en la creación de sus propios espacios museísticos y lo parecido de sus formatos son, si a ellos se les pregunta, pura coincidencia. No se trata de una continuación de la competencia que han exhibido en el pasado. François Pinault, de 75 años, rechaza que se equiparen sus actividades en el arte con las de otros titanes del lujo con el argumento de que él ya no administra el grupo que fundó y está volcado en su faceta de coleccionista. Es cierto que entregó las llaves del imperio a su hijo François-Henri. Un viernes de abril de 2003, le llevó a cenar al bistró Ami Louis y le sacó tres anillos enlazados fabricados por el joyero Joel Rosenthal. En uno estaba grabado el número 1963, cuando Pinault padre creó su primera empresa. En el segundo se leía 2003, fecha en la que François-Henri tomaba el mando. En el tercero había un interrogante. Junto a los anillos estaban las llaves del despacho de Pinault.

Dos años más tardó en desvincularse de la administración de una compañía que empezó en la madera y se extendió al comercio gracias a Printemps, La Redoute o Conforama. Hasta el 19 de marzo de 1999, Pinault se mantuvo ajeno al sector del lujo. Ese era, y aún es, el feudo de Arnault. Su grupo, LVMH, acaba de incorporar a Bvlgari y ha adquirido casi el 20% de Hermès este año. Pero aquella casi primavera de 1999, Pinault compró el 44% de Gucci para diluir la participación de Arnault. El movimiento estaba promovido por el tándem de directivo y creativo formado por Domenico de Sole y Tom Ford, que no deseaban caer en manos de su principal rival. Acudieron a Pinault para defenderse y este terminó por devorarlos. El modelo de De Sole y Ford era muy parecido al que Arnault, un formidable empresario de la moda que procedía de la construcción, había impuesto en Dior y Louis Vuitton con las sonadas contrataciones de John Galliano y Marc Jacobs.

La entrada de Pinault en Gucci y la posterior conversión de la empresa en un grupo multimarca -a la manera de LVMH, difícil obviar el parecido- con la adquisición de Balenciaga o Yves Saint Laurent y la creación de Stella McCartney y Alexander McQueen fue un ataque a la hegemonía de Arnault en el sector. La hostilidad acabó en los tribunales, donde Arnault trató de que Pinault pagara su osadía. El enfrentamiento terminó en un acuerdo de paz relativa en septiembre de 2001. Pero tras los atentados de Nueva York cayeron las jugosas ventas que habían permitido que Pinault, Arnault o Prada pagaran sumas millonarias por marcas en letargo como Bottega Veneta, Pucci o Azzedine Alaïa. Aquella burbuja, como tantas otras, se desinfló. El sueño de los gigantescos conglomerados se diluyó y el mercado tendió a concentrarse en aquellas marcas que realmente daban dinero.

Bernard Arnault, de 62 años, estableció en 1991 una política de mecenazgo que convirtió al Grupo LVMH en uno de los grandes patrocinadores del arte en Francia. Quince años más tarde, reenfocó ese esfuerzo hacia algo más concreto. “Al establecer una política de mecenazgo, nuestro objetivo era compartir parte de nuestro éxito económico con nuestro entorno, nuestros clientes, personal y accionistas”, explicaba Arnault durante la presentación de la Fundación Louis Vuitton para la Creación. “La construcción de la fundación, que transforma la naturaleza efímera de este patrocinio en algo más duradero, nos pareció una conclusión lógica”.

“Su condición de coleccionistas no tiene relación con que vengan del lujo. No veo tanto una rivalidad como una necesidad de hacer público algo que desarrollaban en privado”, opina la comisaria de arte y exdirectora del Reina Sofía, María de Corral. “Mucha gente del mundo del petróleo hace lo mismo. El arte proporciona estatus. Además, puede que obtengan una satisfacción personal que no les da solamente el dinero. El contacto con los creadores y el reconocimiento del mundo del arte siempre han sido una gratificación para los mecenas. Es lo mismo que les pasaba a los Medicci. Pero no se logra la misma trascendencia solo comprando. Hay que legar algo. Si no, no se harían esos edificios”. “Es un paso lógico de un coleccionista que se ve con todo almacenado y le entra la ansiedad”, añade el director de Arco, Carlos Urroz. “La colaboración entre lo público y lo privado es más difícil en Europa que en EE UU, y por eso muchos grandes coleccionistas están abriendo sus propios museos aquí”.

A la inversa, ¿qué aporta al arte la entrada en escena de estas empresas de lujo? “Si el respaldo va acompañado por una pasión sincera y competente, sin segundos fines comerciales, puede conllevar la creación de obras que difícilmente hubieran existido y contribuir al desarrollo cultural de la sociedad”, apunta Patrizio Bertelli. “En el curso de los años, la Fondazione Prada ha ofrecido a numerosos artistas la posibilidad de realizar exposiciones que ningún galerista, coleccionista ni, probablemente, otro organismo hubieran estado dispuestos a financiar”.

La personalidad de estos magnates se filtra en los monumentos a sí mismos. Fuentes de Louis Vuitton confirman que esta institución se nutrirá de la colección privada de Arnault, pero se niegan a revelar los detalles de sus fondos. De momento, prefieren mantener el secreto. Una actitud muy acorde con el carácter discreto del normando. El fiero Pinault ha modelado una colección de más de 2.000 obras con la misma determinación y furia con la que amasó una fortuna que Forbes situaba en 2009 por encima de los 7.600 millones de dólares. Nacido en una familia de campesinos en Bretaña, dejó el instituto a los 15 años y empezó en el negocio de la madera. En 2006 se convirtió en la persona más poderosa del arte, según ArtReview. Su lema es “piensa como un estratega y actúa como un animal”, y bautizó su holding con el nombre de la diosa de la caza, Artémis. Dicen que presiona para entrar antes que nadie en las exposiciones y que visita en el estudio a cualquier artista al que compra. La experta Caroline Bourgeois, comisaria de sus últimas exposiciones, colabora con él desde 1997. Pero Pinault alardea de instinto. Su primera adquisición ocurrió en 1980: tropezó con un cuadro de Paul Sérusier que retrataba a una mujer que le recordó a su abuela. “El arte se ha convertido en mi religión”, decía a The Financial Times en abril. Explicaba que tras media hora ante una escultura de Carl Andre, exclamó: “No tengo elección”, y pagó siete millones de dólares.

“Las exposiciones en Palazzo Grassi y Punta della Dogana pueden hacer que un artista sea conocido de inmediato”, comenta Bourgeois. “Hay galerías que prestan mucha atención al gusto de Pinault, y como dijo un crítico, él es un creador de opinión”. “Pinault tiene poder y lo utiliza”, sostiene De Corral. “Tengo la impresión de que compra cualquier cosa que exceda de tamaño normal. Arnault es diferente. Es más discreto, y se conoce poco su colección. Y la de Prada que se vio en la Bienal de Venecia me parece muy interesante”.

Patrizio Bertelli y Miuccia Prada han buscado la cercanía con el mundo del arte en sus productos y tiendas (firmadas por Koolhaas o Herzog & De Meuron). En primavera, Prada se exhibirá en el Museo Metroplitan de Nueva York con Elsa Schiaparelli. La institución neoyorquina asimila su trabajo junto a artistas contemporáneos con el que Schiaparelli desarrolló con los surrealistas en la década de los veinte. ¿Cómo elige Bertelli qué incorporar a su colección? “Una obra con la que me enfrentaré cada día, que entra a formar parte de mi vida. No es un acto banal porque el paso siguiente representa la intención de compartir esta experiencia con otras personas”.

“Hay más de un mundo que utiliza el arte”, reflexiona De Corral. “Estas instituciones no tienen nada que ver con un museo. Es una labor diferente y está bien que existan. Es bueno que la gente se acostumbre a ver arte”. Es significativo que Venecia se haya convertido en el escenario de estos proyectos a medio camino entre el exhibicionismo y la cultura. En la inauguración de Punta della Dogana, su directora, Monique Veaute, señalaba que Venecia albergó el primer museo de Europa Occidental. En el siglo XII, la habitación detesoro en el Doge Palace se abría al público un día al año para mostrar sus riquezas. “Esa tradición local continuaría gracias a apasionados coleccionistas ofreciendo al público sus preciosas posesiones”. Ocho siglos después, los millonarios -modernos faraones- siguen abriendo sus salones para que admiremos sus alhajas.

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¿Tregua?

A finales de los noventa, Bernard Arnault empezó a comprar acciones de Gucci, una firma que Domenico de Dole (gestor) y Tom Ford (diseñador) habían sacado del olvido. Para evitar su control, acudieron a Pinault. Le ofrecieron comprar acciones sigilosamente para diluir la participación de Arnault . “Parece que La Redoute va a entrar en el lujo”, les dijo con desdén Arnault a sus accionistas después de que Pinault le desafiara en su propio terreno. Como Gucci estaba legalmente radicada en Ámsterdam, la apacible ciudad fue escenario de una batalla jurídica hasta septiembre de 2001. Días antes de que el organismo regulador fallara se alcanzó una tregua. Pinault se quedó con Gucci, pero tuvo que pagar una buena suma a Arnault. En 2009, ‘Le Figaro’ publicaba que podrían haber comido juntos en casa de otro millonario, Albert Frère. Fuera cierto o no, un año después estuvo a punto de producirse su primer encuentro en público. Ambos confirmaron su asistencia a un evento de caridad. Pero la muerte del padre de Arnault cuatro días antes le hizo cancelar toda su agenda y la esperada fotografía no se produjo. Su mujer, Helène, sí posó sonriente junto al antiguo enemigo de su esposo.

 

Los faraones, frente a frente

Fondazione Prada

» Dónde. La Fondazione Prada, institución del matrimonio Miuccia Prada y Patrizio Bertelli creada en 1993, cuenta desde este año con una sede permanente en Venecia (Ca’ Corner della Regina) y otra que abrirá en 2013 en Milán (Largo Isarco).

» Qué. Aunque la colección de los Prada reivindica el arte italiano de la posguerra, en Ca’ Corner della Regina las salas se organizan sin una temática precisa para promover el diálogo entre épocas y disciplinas. Se incluyen obras de Anish Kapoor, John Baldessari, Francesco Vezzoli o Damien Hirst.

» Con quién. El comisario es Germano Celant. Rem Koolhaas/ OMA firma el proyecto arquitectónico de Milán (en la imagen).

Pinault Foundation

» Dónde. En 2006 se presentó la maqueta del edificio que Frank Gehry ideó para el bosque parisiense de Boulogne (en la imagen). La oposición vecinal ha retrasado la apertura de la Fundación Louis Vuitton para la Creación. “Abrirá en 2013″, asegura la presidenta del Comité Colbert, que reúne a las firmas de lujo en Francia. “El alcalde lo ha defendido porque es positivo para la ciudad”.

» Qué. Además de espacios de exposición, dedicados al arte del siglo XX y XXI, contará con un auditorio, terrazas y centro de documentación.

» Con quién. Suzanne Pagé, antigua directora del Museo de Arte Moderno de la Villa de París, es la directora artística desde 2006.

» Dónde. François Pinault intentó abrir en París un espacio para su colección. El proyecto no cuajó. En cambio, la muerte de Gianni Agnelli dejó vacío el Palazzo Grassi, en Venecia, donde Pinault instaló su primera sede. Dos años después se hizo con la segunda, Punta della Dogana, que le arrebató al Guggenheim.

» Qué. Su colección se ha ido expandiendo “a oleadas” y ahora está muy interesado en vídeo o fotografía. También en Takashi Murakami o Jeff Koons (en la imagen). La próxima exposición, en 2012, será una muestra de Urs Fischer.

» Con quién. El arquitecto japonés Tadao Ando ha renovado los dos espacios. La respetada comisaria Caroline Bourgeois ha participado en sus últimas cuatro exposiciones.

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EUGENIA DE LA TORRIENTE 26/11/2011
http://www.elpais.com/articulo/Revista/sabado/guerra/lujo/puro/arte/elppor/20111126elpepirsa_1/Tes

comentarios

7 Opiniones sobre La guerra del lujo es puro arte

  1. mauricio cruz 2011/11/28 at 5:14 pm

    Será que tanto ARTE es bueno?
     
    http://artprize.org/about
     

    What people said
    There was something magical about how ArtPrize saturated the city with more than 1,200 pieces of new art and galvanized public conversation…
    Mark Stryker, Arts Critic
    DETROIT FREE PRESS

    It will make the art world sit up… It will confuse the art world.
    Peter Murray, Director of Yorkshire Sculpture Park
    GOOD MAGAZINE

    Every conversation I’ve had here for the past two weeks has been about art.
    Dustin Dwyer, Michigan Radio Reporter
    NEW YORK TIMES

  2. Antonio José Díez 2011/11/28 at 6:52 pm

    Interesantes los datos que aporta este escrito. 

    Creo que voy teniendo más claridad, de dónde se nutre el criterio que predomina en mucho del arte que se hace actualmente, así como la pose social que tanto artista escoge; lógica, si se tiene en cuenta que los empresarios de la moda dictan el derrotero.

    ¡Ahh!, siempre era mejor cuando los poderosos manejaban más que dinero y no se preocupaban por demostrar su vínculo con el arte…

    O cuando no pretendían hacer de sus negocios obra de arte.

    Cuando el arte se prostituyó entregándose a la Iglesia, se mucho obras de proselitismo religioso en lugar de Arte; ahora cuando se entrega a la Moda, produce muchos accesorios y diseño en lugar de Arte. 

    ¿Por qué seremos tan dependientes los artistas..? 

  3. mauricio cruz 2011/11/28 at 9:08 pm

    Me muero de la pena pero el arte no ‘se prostituyó entregándose a la Iglesia’; el acuerdo era bueno pues esta ofrecía temas importantes, nada menos que la codificación del pensamiento religioso y metafísico cristiano con todas sus hibridaciones arcaicas, acompañado (en alto y dinámico contraste) por el refinamiento psicológico de la mitología pagana asimilado por las clases dominantes (que siempre las ha habido) : dos joyas conceptuales y poéticas que nutrieron siglos de cultura occidental europea. En cambio ahora, cuál es el negocio?

    • Antonio José Díez 2011/11/29 at 12:34 am

      Bueno Mauricio, 

      como hijos de Occidente [civilizacionalmente, cristianos], concedo lo que Ud. argumenta:

      Debemos al Paganismo y luego al Cristianismo, mucho. 

      Soy partidario de que cada quien venda su trabajo y lo venda bien según el valor que justamente implica, porque no hay civilización alguna sin un sistema comercial implicado.

      Lo de ahora no es mejor que el fanatismo anterior, y no lo es fundamentalmente porque el fanatismo capitalista no valora objetivamente el arte, solo pareciera encubrir una precariedad increíble de sentido, de conocimiento, de sentido de la existencia.

      No sabría dar una solución distinta que ser decente al vender, y si es posible, no vender a cualquiera. 

       

      • Antonio José Díez 2011/11/29 at 9:49 am

        Pasé por alto un punto importante que reafirma lo que digo; fíjese que uno de los millonarios del texto, Pinault, dice: 

        “El arte se ha convertido en mi religión”,

        y paga u$7′ por el cuadro que le recuerda a su abuela.
        No puede ser más claro que el fanatismo cambia de vestidura pero no de esqueleto: esa actitud enfermiza de poseer una obra a toda costa, no parece reflexiva, en lo mínimo para un caimán de los negocios. Es mas bien un gesto patético que podría revelar una profunda desnudez y pobreza emocional. Un fetichismo que -acaso-, trata de cerrar una herida afectiva con la posesión física de un recuerdo del amor de la abuela.

        Esta condición, creo yo, la propicia una mentalidad formada dentro de la religión cristiana [particularmente la vertiente católica], que no deja nunca asumir la responsabilidad, atando a la persona a un sentimiento de culpa que debe ser expiado por un tercero [el confesor que absuelve temporalmente]. Si Pinault no actuara obsesivamente, sería muy comprensible que el arte se hubiese vuelto su religión, porque esto podría ser una demostración clara de que el arte como actividad física y espiritual, no esconde sus intenciones de redimir nuestra alma; cosa que la religión ya no puede hacer.
        ¿Cómo sería posible esto..? Dialogando con el arte. 
        Las obras deben tener con quien dialogar, un cuadro sin interlocutor legítimo, es una momia que descansa en un mausoleo por más lujoso que éste sea, con su mensaje encriptado. Y ¿cuál es este interlocutor..?, pues quien está capacitado para entablar el diálogo, y no depende ello de cuánto poder económico maneje la persona, sino de cuánto entiende. El aprendizaje requiere tiempo y tener dinero ayuda, pero no garantiza, que se dedicarán las horas a hacer tal aprendizaje.

        No se gana el Cielo, comprando el ingreso como se negoció en el medioevo. 

         

        • mauricio cruz 2011/11/30 at 11:48 am

          Para matizar sus generalizaciones sobre el ‘fanatismo’ aplicado, así como así, a la fe y el simbolismo medieval, y la relación del arte religioso con las ideas y otros asuntos ‘conceptuales’, le recomiendo leer con cuidado el fragmento que titulé ‘Idea, mito, crítica e ironía’ escrito por Octavio Paz donde relaciona en detalle esas y otras conexiones…  pues hay quienes creen que el medioevo fue una época primitiva y ‘oscura’ (cuánto duró? nueve siglos?) y que el siglo XIX es ‘decimonónico’, cuando no ‘victoriano’, un par de adjetivos para descalificar semejante complejidad y riqueza. … Y así por el estilo, empobreciendo de manera sistemática, a punta de clichés bien ligeros, la densidad del contexto específico, del ‘inconsciente’ campo histórico.

  4. mauricio cruz 2011/11/29 at 11:19 pm

    Does art need bankers?
    As Italy’s new technocratic government struggled to its feet, 100 financiers, entrepreneurs, collectors, curators, dealers and academics gathered in Florence for a private conference on the future of art and finance